domingo, diciembre 13, 2009

DONDE VIVEN LOS MONSTRUOS (pressbook)




Dentro de todos nosotros está… todo lo que hemos visto, todo lo que hemos hecho,
y todas las personas a las que hemos querido.


El innovador director Spike Jonze colabora con el famoso escritor Maurice Sendak para llevar a la gran pantalla uno de los libros más entrañables de todos los tiempos en “Donde viven los monstruos”, un clásico relato sobre la infancia y los lugares a los que vamos para entender el mundo en el que vivimos.
La película cuenta la historia de Max, un niño travieso y sensible que se siente incomprendido en casa y se escapa a donde viven los Monstruos. Max desembarca en una isla donde se encuentra con misteriosas y extrañas criaturas, cuyas emociones son tan delirantes e impredecibles como su modo de actuar.
Los Monstruos buscan desesperadamente un líder que les guíe, igual que Max desea un reino que gobernar. Cuando Max es coronado rey, promete crear un lugar donde todo el mundo sea feliz. Sin embargo, Max pronto se da cuenta de que gobernar su reino no es una tarea tan fácil y que sus relaciones allí resultan ser más complicadas de lo que pensó al principio.


Warner Bros. Pictures presenta, en asociación con Legendary Pictures y Village Roadshow Pictures, una producción Playtone/Wild Things de una película de Spike Jonze: “Donde viven los monstruos”, protagonizada por Max Records, Catherine Keener, Mark Ruffalo, Lauren Ambrose, Chris Cooper, James Gandolfini, Catherine O’Hara y Forest Whitaker.
“Donde viven los monstruos” está dirigida por Spike Jonze a partir de un guión de Spike Jonze y Dave Eggers, basado en el libro de Maurice Sendak. Está producida por Tom Hanks, Gary Goetzman, John Carls, Maurice Sendak y Vincent Landay, con Thomas Tull, Jon Jashni y Bruce Berman como productores ejecutivos.
El equipo técnico está integrado por colaboradores de Jonze desde hace muchos años, entre ellos el director de fotografía Lance Acord, el diseñador de producción K. K. Barrett, el montador Eric Zumbrunnen y el diseñador de vestuario Casey Storm, así como Karen O y Carter Burwell, responsables de la música. También participa el montador James Haygood.
“Donde viven los monstruos” será distribuida en todo el mundo por Warner Bros. Pictures, una compañía de Warner Bros. Entertainment, y en territorios especiales por Village Roadshow Pictures.
Simultáneamente con el estreno de la película en las salas clásicas, “Donde viven los monstruos: The IMAX Experience” se estrenará en salas IMAX®, digitalmente remasterizada para conseguir la incomparable calidad de imagen y sonido de The IMAX Experience® mediante la tecnología patentada IMAX DMR®. Con imágenes nítidas, sonido digital alineado por láser y un campo de visión maximizado, IMAX proporciona la más impresionante experiencia cinematográfica del mundo.

www.dondevivenlosmonstruos-es.com





Dentro de todos nosotros hay un monstruo

“No me propuse hacer una película para niños; mi intención era hacer una película sobre la infancia”, dice el director Spike Jonze, cuya adaptación para la gran pantalla del entrañable clásico de Maurice Sendak Donde viven los monstruos fue realmente un acto de amor. En ella, explora aún más los temas que Sendak planteaba y que Jonze cree que siguen teniendo relevancia para todas las generaciones. “Trata de lo que se siente al tener ocho o nueve años y entender el mundo, la gente que te rodea, y las emociones que a veces son imprevisibles o confusas—que es en realidad el reto de asumir las relaciones toda tu vida”, dice. “No es diferente a esa edad”.
“Donde viven los monstruos” aporta una mirada fresca—y, para muchos de nosotros, una mirada hacia atrás—sobre las muchas facetas de la infancia. Contribuye a que los espectadores de todas las edades participen en el descubrimiento, el reto y la pura alegría salvaje del valiente viaje de un joven a la isla de los Monstruos, un lugar especial que sin duda nos hará pensar en los monstruos que viven en todos nosotros.
“En cierto sentido, es una película de acción protagonizada por un chico de nueve años. Hay mucho caos físico, como peleas con barro y pasar arrasando por el bosque”, dice Jonze. De hecho, la isla ofrece todo lo que la fantasía de un joven puede desear: la libertad de correr, saltar y gritar, de construir y destruir, de pelear y lanzar cosas lo más lejos que pueda… sobre todo, hacer sólo lo que quiere hacer, sin que nadie se lo prohíba. Deslumbrante con su traje de lobo, el joven Max pronto se convierte en el Rey de los Monstruos demostrando que es más feroz que las gigantescas criaturas que viven allí. Pero es un reinado incómodo porque los Monstruos son simplemente eso—monstruos—y siempre existe la posibilidad de que, después de todo, decidan comérselo, con sus enormes y afilados dientes. Ser rey puede que no sea tan fácil como Max imaginaba.
Al mismo tiempo, la historia describe los primeros pasos de Max hacia la madurez cuando es consciente de las complejas relaciones que tienen los Monstruos entre ellos y con él, y que hacer todo lo que quiere no es siempre la mejor elección. Contada sin ningún reparo desde el punto de vista de un niño, “Donde viven los monstruos” revela la creciente comprensión de Max de sus propios sentimientos y de los sentimientos de los demás.
El origen de la película fue el afecto y el respeto que Jonze sentía por el libro desde hacía mucho tiempo, escrito e ilustrado por Sendak, otro acérrimo creyente en no hablar de modo condescendiente a los jóvenes. Publicado en 1963, recibió una Caldecott Medal e influyó en millones de lectores de todo el mundo, permanentemente considerado por Publishers Weekly como uno de los 10 libros para niños más vendidos de todos los tiempos desde los años 70.
Su imperecedero atractivo, comenta Jonze, reside en el modo en que “refleja los auténticos sentimientos que tienen los niños y los toma en serio sin complacencias. A los niños se les da mucho material que no es sincero, por lo que una historia como ésta despierta su atención. Yo mismo recuerdo que a esa edad necesitaba saber que otros niños estaban pasando por lo mismo que yo y que pensaban igual”.
Max Records, que ahora tiene doce años, debutó en el cine con el papel de Max en “Donde viven los monstruos” y está de acuerdo. “El libro refleja lo que realmente sientes cuando eres niño. Es un libro que no sólo podría ser apreciado por los niños, pero toca la fibra de todo lo que sientes cuando estás creciendo e incluso más allá de eso”.
Fue esa idea de “más allá” lo que llevó a Jonze a ser consciente de lo que podía aportar a la historia. El hecho de convertir el breve relato en una película le dio la oportunidad de hacer la historia más compleja, de ahondar más en el mundo de Max, el terreno desconocido de la isla y el impulso que le lleva allí. Podía describir con más detalle a los propios Monstruos, esas volátiles e incesantemente expresivas criaturas que son “las fuertes emociones de Max y que todos llevamos dentro”.
A partir de ese punto, las posibilidades eran ilimitadas.
Jonze eligió al famoso novelista Dave Eggers, también fan de Donde viven los monstruos, para que colaborase con él en el guión, aunque Eggers nunca había escrito para el cine. Esto no sorprendió a Vincent Landay, colaborador de Jonze desde hace años y productor de “Donde viven los monstruos”, que comenta, “El hecho de que Spike eligiera a Dave era porque lo conocía como persona y sabía que tenía la sensibilidad adecuada para lo que él quería hacer con estos personajes. A Spike le gusta poner a la gente en situaciones en las que puede que no se hayan encontrado anteriormente porque con frecuencia eso hace que el resultado sea más auténtico”.
Poco después, los dos se reunieron con Sendak en su casa de Connecticut para discutir sus planes para la película. Indudablemente, querían que fuese fiel a los valores y la intención del autor; de otro modo, no lo hubieran intentado. De sus conversaciones iniciales, Eggers recuerda, “Queríamos hacer una película en la que no se menospreciase a un niño sino saber lo que sentía. La mayoría de los niños que aparecen en las películas no tienen confianza en sí mismos. No actúan como ellos son. Lo que pensamos inmediatamente fue que todos recordábamos claramente lo que significaba ser un niño, ser un poco inconsciente y meterse en problemas. Entendimos quién era Max. No tuvimos necesidad de centrarnos en un grupo concreto ni de preguntar a un psicólogo infantil lo que un niño piensa o cree; lo supimos de manera instintiva”.
Lo que siguió fue un anticuado proceso de intercambio de ideas entre dos guionistas noveles encerrados en una habitación, intercambiando ideas y diálogos, poniéndose en el papel de los personajes y combinando sus diferentes métodos. “Dave es un escritor muy disciplinado. Si se atasca, lo deja y luego continúa mientras que, a mí, si no me parece bien, esperaré hasta encontrar la solución. No quiero que se me escape”, admite Jonze, a lo que Eggers añade, “el método de Spike es la definición de lo orgánico. A menudo me he considerado como su impulsor, ayudándole a poner sus ideas en el papel y a rellenarlo”.
“Ante todo me preocupaba quién era Max y qué pasaba con su vida”, dice Jonze. “Quería hacer una película en la que se tomara en serio a los niños, pero Maurice me dijo, ‘Asegúrate de no tomar en serio el lado duro del chico; toma en serio su imaginación, su sentido de la alegría.’ Nunca nos planteamos si iba a ser para niños o adultos. Nos dejamos llevar por la historia”.
Sendak, que actúa como productor en la película, se implicó totalmente desde las primeras conversaciones y a lo largo de toda la producción. Comenta, “Spike mostró inmediatamente su propio punto de vista. Y yo confié en él. Sabía que tenía una visión clara de qué trataba el libro, igual que yo cuando lo escribí”.
“Me ha hecho recuperar el respeto por los jóvenes”, continúa diciendo el autor, comentando que muy poca gente de la que conoce tiene la “incisividad” de Jonze, ni su interés “en la historia, o en el mundo del que proceden. Simplemente quieren ser lo que quieren ser, sin preocuparse del porqué. Spike es como una vuelta atrás, en el sentido de que me recuerda a los jóvenes que recuerdo de los años 60; un poco alocado, pero de un modo maravilloso y aventurero. Para mí, los 60 fueron una época eufórica y espléndida”.
“Fue una inspirada colaboración creativa”, afirma el productor John Carls, que ha trabajado con Sendak desde hace 17 años, desde que ambos fundaran Wild Things Productions en 1992. “Él y Spike son muy similares como artistas. Ambos son pensadores arriesgados e innovadores, desafiando constantemente el status quo; ambos son unos tremendos perfeccionistas que ponen toda su energía en su trabajo; y ambos mantienen el recuerdo de su infancia, lo cual les aporta una perspectiva que conecta realmente con los niños”.
Al final, la película fue una combinación de sus historias y recuerdos. Según Jonze, “Maurice escribió el libro basándose en aspectos y sensaciones de su vida, de su infancia. Y yo recogí el testigo”.
“Spike es un hombre valiente y con un talento increíble”, dice Sendak. “No hizo un homenaje al libro; hizo algo propio, lo cual le convierte en un verdadero director y un verdadero artista. Me encanta la película. Es original. Tiene un toque emocional, espiritual y visual que es tan válido como el libro. Lo ha convertido en sus ‘Monstruos’, sin olvidar a los míos, de una forma brillante, moderna y fantástica que no altera en ningún modo mi libro sino que lo realza y enriquece. Son dos obras de arte muy diferentes y me gustan las dos”.

Captando el estilo, el ambiente y su alcance

Aparte de que Jonze quisiera presentar a Max como un niño real, deseaba aportar un planteamiento realista a los elementos imaginativos de la historia, explicando, “Quería crear y filmar a los Monstruos de modo que Max pudiese tocarlos, apoyarse en ellos, empujarlos, abrazarlos. Quería que fueran de tal modo que la gente pudiera sentir su aliento, su tamaño y su peso de un modo visceral e inmediato y no podía imaginarme realizar eso totalmente con un ordenador o en un plató”.
“Cada historia exige el proceso de realización más adecuado a ella”, comenta Carls. “En el caso de ‘Donde viven los monstruos,’ Spike quería realizar una película que pareciera real, y no un sueño ni una fantasía. El hecho de elegir a un actor para actuar con criaturas físicas en un escenario real era la mejor manera de lograrlo. Él y su excelente equipo artístico consiguieron dar vida a los Monstruos del modo en que nos los imaginamos al leer el libro”.
Los productores Tom Hanks y Gary Goetzman, también fans de la obra de Sendak desde hace tiempo, están de acuerdo. Goetzman comenta, “Empezamos el proceso de ‘Donde viven los monstruos’ hace doce años con Maurice y John Carls. De hecho, fue antes de que creáramos nuestra compañía de producción, Playtone, y es uno de los primeros proyectos en los que empezamos a trabajar como compañía. Pensamos en versiones de dibujos animados y generadas por ordenador, pero no fue hasta que conocimos a Spike Jonze y su enfoque que nos dimos cuenta de que habíamos encontrado a un director realmente visionario capaz de convertir este clásico de la literatura en una película”.
La película es una extraordinaria combinación de acción real, sofisticados muñecos y animación por ordenador, haciendo que Max entre directamente en contacto con monstruos de casi tres metros de alto, con sus enormes colmillos, peludos, desnudos y con ojos como platos, son al mismo tiempo feroces y simpáticos.
A las bestias les dieron vida las voces de un reparto estelar encabezado por Lauren Ambrose, Chris Cooper, James Gandolfini, Catherine O’Hara y Forest Whitaker, y luego fueron encarnados en exteriores por actores vestidos de manera similar que hicieron posible combinar el lenguaje corporal con los diálogos. Finalmente, sus rostros ya expresivos fueron retocados digitalmente para lograr toda la gama de movimientos y la sutileza que sus pensamientos y sus actos requerían.
Jonze comenta, “Sabía que iba a ser un proceso complicado. Daba la impresión de que cada decisión que tomábamos resultaba ser la manera más difícil de hacerlo. Sólo la construcción de las criaturas nos llevó ocho meses. Pero habíamos decidido cómo queríamos que fueran, y a partir de ahí trabajamos en sentido inverso para conseguirlo, y nos atuvimos a ello”.
El productor Landay, parte fundamental en los aspectos prácticos del día a día y del plan general, admite, “Soy bastante tenaz. Creo que si algo no funciona es porque no nos esforzamos lo suficiente o porque no buscamos otros medios para conseguirlo. La única manera de conseguir algo de esta magnitud es dividirla en partes y resolver cada una de ellas, paso a paso. Todo es un rompecabezas, y hacer películas es simplemente un gigantesco crucigrama. Afortunadamente, hemos creado un gran equipo a lo largo de los años, con una estrecha comunicación”.
Además de Landay, que había trabajado con Jonze en “Cómo ser John Malkovich” y “Adaptation (El ladrón de orquídeas)”, en el equipo creativo de Jonze en “Donde viven los monstruos” volvieron a participar muchos de sus viejos colegas, entre ellos el director de fotografía Lance Acord, el diseñador de producción K.K. Barrett, el montador Eric Zumbrunnen y el diseñador de vestuario Casey Storm. También volvió a contar con el talento musical de sus antiguos colaboradores Karen O y Carter Burwell.


Max es el alma de la película

La elección del actor para el papel de Max era crucial. Supuso un año de búsqueda en varios continentes, puesto que los realizadores utilizaron no sólo los métodos habituales recurriendo a agentes de casting sino que hablaron personalmente con amigos y colegas que pudieran conocer a un joven que se ajustara a sus criterios.
“Querían a un niño real—no necesariamente a un actor que encarnase a un ‘niño de película’, sino a alguien que realizase una interpretación real y emotiva”, dice Jonze, que reconoce, “A medida que avanzábamos, resultaba evidente que iba a ser difícil encontrar los dos aspectos de Max en un mismo niño. Tenía que ser un niño con una profunda vida interior y muchas cosas en la cabeza. Un primer plano suyo debería mostrar lo que piensa y lo que siente. Al mismo tiempo, necesitábamos que a veces se comportara de una manera alegre y alocada. Podíamos encontrar al uno o al otro, pero encontrar a ambos resultaba difícil”.
Jonze encontró esta dualidad en un chico casualmente llamado Max—Max Records. Records, que tenía ya cierta experiencia ante las cámaras, había intervenido en dos vídeos musicales. Él y el director conectaron inmediatamente. Según Landay, “Resultó fascinante ver a Spike trabajar con él y el modo en que consiguió que asumiera la visión que Spike tenía de Max. Nunca hizo concesiones, pero comentó, ‘Vale, sólo tiene nueve años, es todo lo que puedo conseguir de él.’ Esperaba tanto de él como de James Gandolfini”.
El papel de Records en la película constaba de dos fases: la vida familiar de Max, y después su viaje por el mar para enfrentarse a parajes inexplorados.
“La vida de Max es bastante caótica en su casa, donde muchas cosas están fuera de su control”, dice Eggers. “Sus padres están divorciados, su hermana ha llegado a la adolescencia y en cierto modo lo está abandonando porque tiene otros intereses. Llega a un punto en el que todas esas personas están demasiado atareadas para darse cuenta de que necesita atención, por lo que se pone su traje de lobo y arremete contra todo lo que encuentra. Lo siguiente que sabemos es que se va de casa”.
Estas primeras escenas ofrecen una sensación de las innumerables cuestiones, así como de los impulsos creativos, las frustraciones y las intensas emociones que pueden entrar en conflicto en la activa mente de un muchacho que intenta adaptarse al mundo y encontrar su lugar en él—y las razones de porqué, a menudo, un niño puede añorar un mundo en el que él mismo tenga el control.
Como parte de su preparación, Jonze se propuso llegar al fondo de las auténticas preocupaciones de los niños desde el punto de vista de éstos, diciendo, “Entrevisté a muchos chicos para conseguir inspiración e ideas. Hablé con ellos sobre las cosas que les ponían furiosos, las discusiones que tenían con sus padres, y cómo se sentían. Es difícil cuando tienes esa edad”.
“Cuando rodamos la película, sólo le permití a Max que leyera el guión una vez y le dije, ‘No quiero que pienses en él. Sólo quiero que llegues el día fijado y que veas lo que te vas a encontrar,’” Jonze explica su estrategia. “Quería que la película fuese fresca. La complejidad de los diálogos es muy exigente. Conseguir esto, que no sean simplemente diálogos sino que sea algo pensado y sentido y que surja de un lugar concreto, es duro. Lo que le estaba pidiendo que hiciera a Max le resultaría difícil a un actor adulto”.
En “Donde viven los monstruos”, interviene Catherine Keener en el papel de la cariñosa pero agobiada madre de Max.
Después de rodar sus primeras escenas con Records, Keener, también productora asociada de la película, permaneció durante parte del posterior rodaje en exteriores en Australia para colaborar activamente con Jonze y contribuir como colaboradora y aportar su visión trabajando con Max y los Monstruos. “La experiencia de trabajar con Max me causó una profunda impresión”, señala. “Su naturalidad y su nobleza de espíritu se manifiestan en cada escena. Fueron meses de duro trabajo y en todo momento nos aportó una gran alegría”.
“Catherine me ayudó mucho”, dice Records. “Por ejemplo, hay una escena en la que entro en la habitación de mi hermana y tengo que parecer que estoy realmente loco. Con anterioridad, Catherine se propuso hacerme gritar. Consiguió que dijera todas las palabrotas que podía pronunciar”.
Records también tuvo un mentor en Jonze, que pronto se dio cuenta de que dirigir a un muchacho exigía un planteamiento diferente al que estaba acostumbrado y era físicamente mucho más exigente. “Había poco tiempo para relajarse. Estaba constantemente atareado porque el trabajo con Max tenía que ser interactivo”, dice. “No era cuestión de que viera sus tomas y le diera indicaciones. Siempre me estaba moviendo con él, ya fuera saltando o gritando, o hablando con él para lograr una reacción. En cualquier caso, fue una dirección muy interactiva”.
Los extremos a los que llegó el director para conseguir reacciones o una emoción concreta de Records tuvo como resultado una memorable serie de interpretaciones por derecho propio que el joven actor recuerda ahora con placer. “Hacía todo tipo de locuras. Incluso llegó a poner unos grandes lanzallamas detrás de la cámara para asustarme. Contrataron a un grupo de comediantes para que hicieran trucos, y Spike aprendió a tragar fuego. Lo de tragar fuego realmente funcionó, porque no lo hacía muy bien. Los trucos de Spike realmente me hicieron a veces sentir miedo. El único inconveniente era que no me asustaba que me fueran a comer los Monstruos; lo que me asustaba era que Spike se fuera a quemar la lengua”.
Entre los momentos más destacados del rodaje, Records menciona la colosal batalla con barro entre Max y los Monstruos como uno de sus favoritos, especialmente porque parte de la acción fue realzada con pirotecnia. “Una escena realmente divertida fue cuando estaba corriendo por el bosque. Es prácticamente un campo de minas, porque están cayendo todo el barro y explotando en el suelo. El equipo de efectos especiales había escondido pequeños explosivos en las hojas y todo a mi alrededor era ‘bum, bum, bum.’”
La escena que menos le gustó a Records fue una en la que Max debe deslizarse por la gigantesca boca de uno de los Monstruos y llegar a su estómago para esconderse. La peor parte no fue ni el agobio ni el calor, ni tan siquiera los cables atados a su espalda; fue estar cubierto con un gel al que se refiere como “un barro que olía a limones podridos”.
“Siempre estaré inspirado por Max. Trabajó realmente duro pero sabía cómo divertirse. Al margen de lo difícil que fuera la escena, yo llegaba a comer y él se había puesto su traje de lobo y estaba corriendo con los otros niños. Me ayudó a recordar que se supone que hacer películas es divertido”, confiesa Jonze. “Establecí muchas relaciones diferentes en esta película, pero la que tuve con Max fue muy especial. Max contribuyó a que yo consiguiera mostrar el alma de la película. Él es el alma de la película”.

Los Monstruos encuentran sus voces y revelan sus personalidades

Inspirándose en gran medida en las ilustraciones del libro, Jonze y Eggers convirtieron a la variopinta banda de gigantes peludos con cuernos y uñas de Sendak en un grupo de personalidades individuales, cada uno con sus propios impulsos y motivaciones. Los actores elegidos para dar voz a los Monstruos fueron fundamentales en el proceso de crear sus diferentes identidades. También se centraron en el modo en que los Monstruos se relacionaban entre sí: a veces peleones y conflictivos, y otras juguetones y tiernos.
James Gandolfini interpreta al poderoso—y extremadamente sensible—jefe de facto del grupo, Carol. Lauren Ambrose es la independiente pero en ocasiones melancólica KW, que disfruta con la dinámica del grupo pero que también necesita tiempo para sí misma. Chris Cooper es Douglas, el de las plumas de gallo, lleno de energía y muy trabajador. Catherine O’Hara es la sarcástica, deliciosamente negativa y dominante Judith; y Forest Whitaker es su modesto y paciente compañero, Ira, al que le encanta agujerear todas las cosas. Paul Dano es el ‘diminuto’ Alexander, con cuernos de cabra, que sólo mide dos metros y medio, y que tiene a menudo la sensación de que no le toman en serio.
“Todos ellos están pensados para que representen aspectos diferentes y establezcan relaciones tangenciales con el mundo de Max sin ser representaciones directas”, explica Eggers. “Realmente no pensamos en ellos como criaturas. Pensamos en ellos en todo momento como personas”.
“Todo empezó con los actores que aportaron sus voces”, dice Jonze, que evitó el método tradicional de grabar las voces de los actores individuales en cabinas de sonido, prefiriendo reunirlos a todos ellos juntos en un plató para interpretar toda la película en una especie de pre-visualización física. De este modo se grabaron sus actuaciones al mismo tiempo que sus voces. “Estábamos haciendo una película en la que había muñecos y animación. Ambos medios no son espontáneos por naturaleza. Así que decidimos rodar toda la película en un plató durante dos semanas. Necesitábamos la espontaneidad que estos increíbles actores aportaron en su momento”.
Al mismo tiempo, comenta Chris Cooper, el rodaje resultó tradicional, en el sentido de que hubo una interrelación entre todos los actores. “Yo llevaba un micrófono sujeto a una cinta de pelo y me seguía otro micro sujeto a una grúa. Todo el mundo iba vestido de la misma manera. Para cada escena, Spike decidía la ambientación y nosotros teníamos la libertad de improvisar en cierto modo. Por ejemplo, James y yo, que compartíamos el mismo espacio, podíamos provocarnos mutuamente”.
Cooper, que había trabajado anteriormente con Jonze, menciona su “intrínseca confianza” entre ellos y dice, “Participé en la película dispuesto a conseguir dar vida a Douglas de un modo que fuera fiel al libro y a la idea que tenía Spike de cómo la película podía ayudar a desarrollar ese personaje”.
“Había más cámaras que actores y nos pasábamos el día improvisando sobre los maravillosos diálogos. Spike es un director increíble e imaginativo”, dice Catherine O’Hara. “No acepta un ‘sí’ por respuesta, por lo que no para de trabajar contigo hasta que…bueno, ¡aún sigo pensando en Judith!”
El plató parecía un patio de recreo minimalista en el que los actores se movían sin zapatos para evitar sonidos innecesarios a medida que se intensificaba la acción. Tal como Paul Dano comenta, “En el caso de los Monstruos, hay una contradicción entre su tamaño y su comportamiento. Parece que son adultos pero son muy infantiles. Para captar eso, hicimos muchas niñerías para provocarnos unos a otros. Cada vez nos volvíamos más locos y más divertidos, aullando y riéndonos. Es importante no perder esa energía una vez que la has conseguido”.
Se utilizaron cubos de espuma para los árboles, las cuevas y las rocas que formaban parte del paisaje de la isla de los Monstruos. Los actores se lanzaban barras de pan duro para simular la pelea con excrementos que Jonze más tarde rodaría en exteriores con las criaturas en su aspecto definitivo. Forest Whitaker recuerda, “Fue una experiencia total, interpretando a Ira e interactuando con los demás actores—peleándome con ellos, riendo y corriendo con ellos, y golpeándoles con gigantescos troncos de poliestireno. Fue una experiencia divertida, y Spike siempre estuvo presente y lleno de entusiasmo”.
Según James Gandolfini, “Fue un trabajo muy físico. Nos pasamos el tiempo corriendo, peleando, haciendo ruidos ridículos. Al final, consiguió que todos formásemos un grupo”.
Comentando que es Carol, el personaje que interpreta Gandolfini, el que establece la relación más estrecha y compleja con Max, Jonze dice, “Es una especie de líder pero al mismo tiempo es muy sensible. Comprendiendo que los Monstruos simbolizan las emociones desenfrenadas, pensé que James interpretaría muy bien ese papel. Tiene algo electrizante. A veces, yo interpretaba el papel de Max con él y él me estimulaba. Yo le ponía a prueba en lo que respecta a la cantidad de tomas que hacíamos o en el número de veces que yo volvía y le sugería nuevos diálogos”.
“Spike realmente se implica”, responde Gandolfini. “Quiere que la actuación sea lo mejor posible, por lo que se muestra tan inflexible como yo en lo que se refiere a que las cosas salgan bien y en las veces que sea necesario para conseguirlo”.
Reflexionando sobre el modo en que los Monstruos representan las sensaciones que Max está empezando a comprender, “las cosas a las que tememos”, Gandolfini dice, “Carol no es capaz de encontrar un lugar en el que sentirse seguro. No se siente cómodo en una casa porque siempre las construye y luego las echa abajo; destruye las cosas desde su interior. Ese fue uno de los aspectos sobre los que hablamos Spike y yo. Todo ello estaba en el guión, pero queríamos asegurarnos de mostrar ese aspecto de Carol”.
Max también establece una relación especial con la esquiva KW, un personaje del que Lauren Ambrose dice bromeando que “es exactamente como yo, con su largo pelo rojo con raya en medio. KW en cierto modo ha conseguido alejarse del grupo porque trata de protegerse a sí misma. A menudo se mantiene al margen, observando, y es bastante tímida”. A medida que avanza la historia, Max entiende la razón. “Pero ella abre su corazón gracias a la presencia de Max”.
Otra ventaja de grabar las voces en el plató fue que más tarde esto contribuyó a que los actores australianos se sintieran cómodos con los gigantescos trajes a la hora de animar físicamente a los Monstruos en exteriores. Según Jonze, “Los actores disfrazados veían escenas de la grabación de las voces e imitaban lo que hacían estos actores. Captaron la idea de lo que estaban haciendo y se adaptaron a lo que podía aportar el vestuario”.
“Sabiendo que Spike iba a mostrar esas escenas a los creadores de los muñecos, quise realmente encarnar a Ira lo mejor que pude”, dice Forest Whitaker, que interpreta a Ira. “Uno de los atributos de Ira es que tiene una gran tripa, y quería que eso me ayudase a crear el personaje, para transmitir su actitud y su comportamiento”. Con ese fin, el actor utilizó durante el rodaje un relleno para modificar adecuadamente su físico. “Me movía como Ira, y eso me ayudaba a hablar también como Ira. No sólo me hizo ponerme en el estado de ánimo adecuado, sino que también afectó al modo en que los demás se relacionaban conmigo. A medida que evolucionaba el proceso, todos los personajes fueron adquiriendo una mayor entidad”.
“Fue interesante ver cómo los personajes iban evolucionando a partir de lo que habían hecho los actores de voz”, comenta Jonze. “Pero es una combinación de lo que hicieron éstos al crear los papeles más lo que hicieron los actores disfrazados y lo que hicieron los animadores con los movimientos faciales. Tres elementos totalmente dispares para crear un personaje”.


“Emitieron sus terribles bramidos, hicieron rechinar sus terribles dientes, giraron sus terribles ojos y mostraron sus terribles garras”.

En lo que respecta al diseño, lo más importante del debut de los Monstruos en la gran pantalla era que tuvieran la profundidad de sentimientos, el humor, la ferocidad y la ternura que la historia exigía. Tenían que estar vivos.
Sendak tuvo “la última palabra sobre su aspecto y la manera en que se movían. Sin embargo, al mismo tiempo, yo no quería poner limitaciones, sino que se sintieran creativamente motivados por la idea del aspecto que tuvieran los monstruos”, en palabras del autor. “Cuando estaba escribiendo el libro, nadie interfirió. Nadie me dijo que los monstruos debían ser de un modo u otro, porque nadie sabía qué aspecto deberían tener”.
Jonze y Landay ahondaron por primera vez en el mundo de las películas sobre criaturas, en la historia de las interpretaciones con actores disfrazados y en la animatrónica, para ver lo que les gustaba o no y por qué. Resultó difícil encontrar un paralelismo directo. Las consultas con diseñadores y compañías de efectos especiales tuvieron como resultado opciones que Jonze consideró “demasiado parecidas a los trolls o a los monstruos”, o a veces lo contrario, “demasiado infantiles”. En numerosas ocasiones les aconsejaron el uso de imágenes generadas por ordenador y les advirtieron de que recrear las dimensiones del libro en un espacio real supondría un reto casi insuperable. Pero nunca se rindieron.
Un amigo les mencionó al artista Sonny Gerasimowicz, cuyos primeros esbozos transmitían la mezcla de humor, fantasía y patetismo que estaban buscando. Juntos experimentaron con colores, texturas y pieles y a partir de ahí pasaron al estadio con modelos.
La Jim Henson Company y su legendaria Creature Shop en Los Angeles crearon y perfeccionaron los enormes trajes a lo largo de un periodo de seis meses antes de enviarlos a Australia—donde Dave Elsey, residente en Sydney, y un equipo de vestuario australiano continuaron realizando ajustes y retoques in situ para afrontar las particulares exigencias del rodaje en exteriores, como cuando un Monstruo lanza a otro por los aires—un esfuerzo que supuso el uso de cables, poleas y aparejos especiales.
Peter Brooke, supervisor creativo de la Creature Shop, comenta, “Escaneamos la maqueta, luego ampliamos la cabeza hasta un tamaño real e hicimos un modelo con espuma, cubierto con arcilla. Volvimos a esculpir el cuerpo de la maqueta sin piel, y nos quedamos con la estructura interna. Después ampliamos el patrón de la maqueta y lo silueteamos en espuma. En una semana, logramos conseguir el aspecto y el tamaño básicos del personaje”.
Rememorando el proceso, continúa diciendo, “Tratamos de conseguir que la mayor parte del peso del traje recayera sobre las caderas del actor. Básicamente, afrontamos el trabajo como si se tratara de enormes muñecos que iban a ser manipulados desde el interior, en lugar de pensar en ellos como enormes trajes”.
A continuación, Elsey añade, “Sobre el esqueleto está la estructura muscular, que es la que da forma a la criatura. Cuando los actores flexionan sus brazos, los músculos también se flexionan; cuando se levantan, la caja torácica se expande. Eso es lo que llamamos ‘soft mechanics.’ Realizar este tipo de cosas es un auténtico arte. El actor que va dentro tiene que ser capaz de moverse y hacer de todo en su interior aparentemente sin esfuerzo. El ‘soft mechanics’ ha sido utilizado anteriormente, pero en este caso lo es a un nivel totalmente distinto. Los trajes son una increíble combinación de ingeniería y arte”.
El toque final fue conseguir que los rasgos de los Monstruos coincidieran con sus emociones. En lugar de utilizar modelos animatrónicos, que hubieran causado problemas de sincronización entre los labios y el sonido, debido a las enormes fauces de las criaturas, Jonze decidió realzar sus expresiones en el proceso de post-producción mediante animación por ordenador, realizada por el supervisor de animación y efectos visuales Daniel Jeannette.
Según Jeannette, “Incluso con las imágenes estáticas, se podría apreciar gran parte del impacto que tendrían. Vimos la película y era tan hermosa que tratamos de animar los rostros sin crear una versión de ellos totalmente por ordenador. Lo único que hicimos por ordenador fueron los movimientos”.
Jonze aclara, “Básicamente, crearon modelos en 3D del rostro de cada criatura en el ordenador. Utilizaron modelos con estructura metálica para animarlos; luego, la animación de esas estructuras metálicas determinó el aspecto de los rostros que se rodaron. Es como si hubieran sido capaces de introducir esa animación por cable bajo los rostros de los muñecos. Más tarde, esa animación movió la piel de los rostros que rodamos en el plató”.
“Parece real”, concluye Jeannette, “porque está basado en una imagen real”.
Un traje especial en el que no intervinieron los diseñadores de Henson ni Dave Elsey fue la segunda piel y el alter ego de Max: el traje de lobo que lleva mientras hace travesuras en casa y que posteriormente le ayuda a afirmar su naturaleza animal sobre los Monstruos. Ese traje—además de otras 56 versiones del mismo—fue realizado por el diseñador de vestuario Casey Storm, basándose en un dibujo de Gerasimowicz que adecuó el pijama que aparece en el libro para convertirlo en algo que llevaría un chico de ocho o nueve años. Los diseños de Storm incluían unos falsos bigotes, orejas plegables, botones rotos, broches bajo la barbilla para mantener la “cabeza” de Max erguida durante todos los líos en los que se mete, y guantes cortados.
Como Max lleva siempre puesto el traje de lobo, Records necesitaba todo un equipo de ellos en diferentes estados de uso: unos sucios y otros impecables, unos más cálidos y otros más frescos, para adaptarse al tono de ciertas escenas y a los diferentes filtros de la cámara.


“…y llegó al lugar donde viven los monstruos”.

“Cuando piensas en el escenario de los personajes del libro, están en una especie de bosques, en una isla, en una playa”, dice el diseñador de producción K.K. Barrett, que colabora por tercera vez con Jonze en “Donde viven los monstruos”. “Queríamos que el entorno en el que se mueven fuese árido y realista, con elementos naturales. Queríamos que diera la impresión de ser un lugar que nadie había visitado anteriormente”.
Tras pensar en lugares tan diferentes como Argentina, Hawaii, Nueva Zelanda, California y el sur de los Estados Unidos, los realizadores encontraron un hogar para los Monstruos en las colinas, las canteras y las zonas costeras de las afueras de Melbourne, en el extremo sur de Australia. Según Jonze, “Parecía el extremo del mundo, en aquel rocoso acantilado”. El yermo bosque de la zona resultó ser un escenario perfecto para la acción y se ajustaba al tono visual de la película.
De acuerdo con la idea de que ellos estaban descubriendo, junto con Max, el hábitat natural de las criaturas, Jonze y el director de fotografía Lance Acord les dieron a las escenas de la isla un toque acogedor. Según Acord, “Necesitábamos un cierto grado de textura y falta de definición, por lo que utilizamos bastante la subexposición para hacer que las sombras tuvieran un aspecto bastante oscuro. Los colores son menos saturados que si utilizas un negativo nítido y de alto contraste”.
El inconveniente de trabajar en un sitio en el que el lugar más próximo es la Antártida es que el equipo de producción tuvo que afrontar fuertes y a menudo impredecibles vientos y un agitado océano, que Acord recuerda vívidamente, describiendo una escena en la que Max pilota su barca, solo, hacia la costa desconocida. “Yo estaba rodando con una cámara de mano en la parte trasera de la barca. De repente, oímos gritar a la gente que iba en la otra Zodiac. Se estaban acercando unas olas embravecidas, que alcanzaban una altura de alrededor de tres metros. Impactaron sobre nuestra barca e hicieron que la cámara cayera al agua. Empezó a hundirse en el fondo del océano y, por desgracia, yo la llevaba sujeta al cinturón de lastre, por lo que me arrastró con ella. Luché por quitarme el cinturón antes de ser ahogado por mi propia cámara”.
Acord utilizó al máximo las cámaras de mano durante el rodaje porque, como comenta Jonze, “Queríamos que diera la sensación de que la película está siendo contada a través de los ojos de Max”.
Ese punto de vista fue un tema constante e influyó en diversos elementos del diseño de producción. Cuando llega a la isla, Max se encuentra con los Monstruos que están demoliendo encantados sus propias casas, y su innato placer por la destrucción prevalece sobre su necesidad menos perentoria de encontrar un lugar para dormir. Más tarde, como su Rey, Max inicia la construcción del Ultimate Fort, en el que todos vivirán juntos. Eso supuso que Barrett tuvo que diseñar cabañas y un fuerte que pudiesen soportar cierta acción pero que también pareciesen como algo surgido de los dibujos de un niño y construidos por un grupo de monstruos torpes e impacientes.
Tras abandonar sus primeros proyectos por considerarlos demasiado sofisticados, finalmente encontraron la fórmula perfecta: un círculo. “Tardamos mucho en llegar a una idea que realmente es muy simple”, admite Jonze. “La cabaña redonda, la puerta redonda con el suelo redondo; no hay una forma más sencilla que un círculo”. Barrett añade, “En nuestros esbozos aparecía constantemente un nido de pájaro circular. Pensamos que si un pájaro podía construirlo, ellos también podrían hacerlo. Cuando te fijas en las ramas y el diseño de los nidos y luego ves los dibujos de Maurice, pues tenía sentido”.
Con más de 12 metros de altura, el fuerte supuso una tarea extraordinaria. Dos veces. Jonze comenta, “Construimos dos fuertes en Australia. El primero lo construimos en el desierto para rodar las tomas de exteriores, y el segundo se construyó en un plató para rodar los interiores”. Gran parte del fuerte real estaba hecha de espuma moldeada que desafiara la gravedad, para compensar la escala aumentada de la estructura, y se pintó para que diera la impresión de estar hecho con troncos, que fueron sustituidos por troncos reales en los primeros planos.
El equipo de producción estaba integrado por más de 400 personas trabajando en tres platós diferentes y en exteriores, con un programa de rodaje dividido entre una primera unidad, una segunda unidad, una unidad reducida y una unidad de muñecos—todo lo cual variaba a diario.
Normalmente surgían nuevos retos, como es de esperar si trabajas en un terreno abrupto con actores que tienen que soportar trajes de tres metros con cabezas gigantes. Eran necesarios 45 minutos de tiempo de preparación antes de cada toma para abrir un sendero en el que el actor se moviese con confianza. “Pero”, explica Jonze, “había que hacer un sendero que no pareciera tal en pantalla, que pareciera que era el suelo del bosque. Tuvimos que rellenar baches, y se eliminaron todas las raíces y las rocas para que nadie tropezara con ellas”.
El director artístico Tim Disney recuerda otros de los problemas inherentes al rodaje: “Las huellas de 250 personas en las dunas que tenían que haber desaparecido por la mañana. ¿Podíamos llevar choppers para borrarlas? Cien toneladas de algas se interponían en el camino de Max al irse de la isla. ¿Conseguíamos barcos para devolverlas al océano o las arrancábamos? Si Spike necesitaba un bosque al pie de una montaña, lo conseguía”.

Música para calmar a la bestia salvaje

La música de la película, compuesta por Karen O y Carter Burwell, acompaña los descubrimientos de Max tanto a pequeña como a gran escala. Jonze había trabajado anteriormente con el galardonado compositor Burwell en “Cómo ser John Malkovich” y “Adaptation (El ladrón de orquídeas)” y con la solista de los Yeah Yeah Yeahs, Karen O, en numerosos trabajos musicales y cinematográficos. Los considera entre las personas más intuitivas y creativas que jamás ha conocido.
Por encima de todo, sugiere Jonze, “La música aporta no tanto una banda sonora sino más bien temas”.
“Traté de seguir a Max en su odisea emocional—nunca en guiarle”, explica Burwell. “Esto significa, por ejemplo, que cuando se encuentra con los Monstruos, pasa de la curiosidad a la fanfarronería, al miedo, a la sorpresa y al triunfo, todo ello en uno o dos minutos. Ciertamente, yo he visto ese proceso en los rostros de mis hijos”.
“Mi trabajo era aportar melodías sencillas e infantiles, que recuerden esas grandes canciones pop del pasado que no puedes olvidar, que te lleguen directamente al corazón y sean como la voz interior de Max”, dice Karen O, que reunió para este proyecto a un grupo de músicos de diferentes conjuntos a los que admira. “Escribimos la música a lo largo de dos años en cinco sesiones. Componer la música antes de que esté montada la película te da más libertad. Sin las limitaciones de una escena ya montada, podíamos concentrarnos realmente en los sentimientos que nos provocaba la obra”.
Y de sentimientos es, en definitiva, de lo que trata “Donde viven los monstruos”.
Jonze dice, “Me encanta este libro y siempre me ha encantado, desde que era niño. No quería defraudar a Maurice. Su obra es muy importante. Me dijo, ‘Haz una película personal, que sea realmente tuya.’ En cualquier caso, él había vivido con el libro como creación suya durante 40 años, y esos son muchos años para vivir con algo. Yo quería respetar eso y hacer una película que fuera fiel a sus valores.
Y eso es lo que hemos hecho”.

ESTRENO EL 18 DE DICIEMBRE 2009

martes, noviembre 03, 2009

LA FERIA DE LAS VANIDADES (adaptación)








LA FERIA DE LAS VANIDADES
WILLIAM M. THACKERAY
RANDOM HOUSE MONDADORI, BARCELONA, 2007


- Un francés ha dicho con cierto cinismo que en el negocio del amor existen dos partes: una que ama y otra que condesciende en dejarse amar. Pág. 172


- Sed prudentes, muchachas, y antes de comprometeros pensadlo bien. No os abandonéis a un amor demasiado sincero. No digáis nunca todo lo que sentís, y aún será mejor que no sintáis mucho. Ved a donde conduce un amor demasiado leal y confiado, y no os fiéis de nadie. Casaos como hacen en Francia, donde los abogados son los padrinos y confidentes. No tengáis ningún sentimiento que pueda ser para vosotras fuente de amargura. No hagáis promesas que no podríais retirar en caso necesario sin que os cueste un disgusto. Ésta es la única manera de salir adelante, de hacerse respetar y de pasar por mujer de carácter en la Feria de las Vanidades. Pág. 250


- A todos puede volvernos la espalda la fortuna; todos corremos peligro de ser reemplazados en el tablero del mundo por mejores y más jóvenes bufones, y si descendemos, si perdemos nuestra posición, nuestros amigos dejarán de conocernos, o bien, cuando tropiecen con nosotros, nos alargarán los dedos de su diestra con aire protector, lo que es todavía peor, porque esos amigos luego que hayas pasado por su lado, dirán: ¡Pobre diablo! Pág. 551


- De aquí deducen las damas, con su habitual sentido de la justicia, que toda mujer bonita ha de ser, por fuerza, tonta. ¡Ah, señoras! ¡Olvidan que entre ustedes hay muchas que, además de tontas, son feas! Pág. 559


- Verdad es que existen no pocos maridos cuya misión es no saber nada o muy poco de lo que a sus mujeres se refiere, de la misma manera que la misión de no pocas casadas parece ser la de hacer muchas cosas a espaldas de los esposos. ¡Ah, señoras, señoras! ¿Quién de vosotras no guarda alguna factura secreta de la modista? ¿cuántas poseéis vestidos o joyas que no osáis lucir con la conciencia tranquila, o que al hacerlo os echáis a temblar? Y si no tembláis, cegáis con vuestra sonrisa a vuestro marido, que no sabe distinguir el vestido nuevo del viejo o el imperdible recién comprado del que usasteis el año anterior… pág. 684


- Estaban por entonces de moda en Inglaterra el entretenimiento de las charadas, importado de Francia, que no tardó en arraigar entre nosotros, sin duda porque daba ocasión a las bellas de lucir sus encantos y a las dotadas de sutil ingenio de exhibirlo. Pág. 728


- Había vivido siempre bajo la influencia de personas vulgares, como suele ocurrir a muchas mujeres. Y puesto que cada mujer es rival de sus congéneres, a juicio de éstas la timidez pasa por necedad, la dulzura por estulticia y el silencio, que puede ser una tímida negativa a las inconsideradas afirmaciones de las otras o una tácita protesta, no halla disculpa no compasión. Pág. 891




miércoles, octubre 21, 2009

LA HUÉRFANA (pressbook)

La trágica pérdida de su hijo nonato ha dejado desconsolados a Kate (Vera Farmiga) y a John (Peter Sarsgaard), afectando tanto a su matrimonio como al frágil equilibrio mental de Kate, atormentada por pesadillas y obsesionada por los fantasmas de su pasado. Luchando por recobrar una cierta apariencia de normalidad en sus vidas, la pareja decide adoptar otro hijo. En el orfanato local, tanto John como Kate se sienten extrañamente atraídos por una chica llamada Esther (Isabelle Fuhrman)… pero Esther no es lo que aparenta y, preocupada por la seguridad de su familia, Kate intenta que John y los demás vean lo que hay detrás del dulce aspecto de Esther. Pero todos hacen caso omiso de sus advertencias hasta que puede que sea demasiado tarde… para todos.

“La huérfana” está dirigida por Jaume Collet-Serra (“La casa de cera”), a partir de un guión de David Leslie Johnson y una historia de Alex Mace. La película está protagonizada por Vera Farmiga (“Infiltrados”), Peter Sarsgaard (“Plan de vuelo: Desaparecida (Flightplan)”, Isabelle Fuhrman (“Hounddog”), CCH Pounder (“The Shield” en televisión) y Jimmy Bennett (“Star Trek”).
Joel Silver, Susan Downey, Jennifer Davisson Killoran y Leonardo DiCaprio son los productores de la película, con Steve Richards, Don Carmody y Michael Ireland como productores ejecutivos. Richard Mirisch, David Barrett y Erik Olsen son los co-productores.
El equipo técnico está encabezado por el director de fotografía Jeff Cutter, el diseñador de producción Tom Meyer, el montador Tim Alverson, la diseñadora de vestuario Antoinette Messam, y el compositor John Ottman.
Warner Bros. Pictures presenta, en asociación con Dark Castle Entertainment, una producción de Appian Way, “La huérfana”.
La película será distribuida en todo el mundo por Warner Bros. Pictures, una compañía de Warner Bros. Entertainment.

www.lahuerfana-es.com

SOBRE LA PRODUCCIÓN

¿Puedes guardar un secreto?

Tras una serie de dificultades en su matrimonio, que culmina con la pérdida de un hijo nonato, Kate y John Coleman, que tienen un hijo y una hija, deciden que la mejor manera de superarlo es ampliar su familia adoptando a una niña de nueve años. Esther ha experimentado recientemente la pérdida de su anterior familia adoptiva en un incendio doméstico, del que consiguió escaparse por muy poco.
El director Jaume Collet-Serra, que había dirigido anteriormente la película de terror “La casa de cera” para los productores Joel Silver y Susan Downey, describe a Esther como “muy misteriosa, pero al mismo tiempo parece muy inteligente y muy creativa. Kate y John, los padres adoptivos, quieren un hijo que sea especial. Y, sin duda, consiguen a alguien que es muy, muy especial”, dice sonriendo.
Sin embargo, tan pronto como acogen a Esther en su hogar, empiezan a producirse una serie de trágicos acontecimientos, lo cual lleva a Kate a creer que algo no va bien—esta chica aparentemente angelical tal vez no sea lo que aparenta ser.
“Creo que es interesante ver a una mala como ella”, afirma el productor Joel Silver. “No te gustaría verla en el mundo real, pero es divertido verla en una película. Es una psicópata con aspecto de niña que no se detendrá ante nada”.
De hecho, no se tarda mucho en comprobar que realmente algo raro pasa con Esther.
La productora Susan Downey comenta, “Kate y John estaban dispuestos a rehacer sus vidas, y decidieron adoptar a una niña mayor. Para que se integrara con los hijos que ya tenían, querían encontrar a alguien más joven que su hijo mayor y más joven que su hija pequeña, y con suerte conseguir una familia de cinco miembros realmente feliz”. Pero hay algo en Esther que no conocen.
Cuando John se encuentra por primera vez con ella, Esther está cantando dulcemente y pintando un hermoso cuadro. Kate se une a ellos y la pareja se siente inmediatamente atraída por la inteligencia de Esther y su peculiar actitud. Conservadora y tímida, Esther es claramente una chica muy especial. Kate, que es músico, y John, arquitecto, no dudan de que esta chica excepcional encaja en su familia, a pesar de—o tal vez incluso debido a—su trágico pasado.
Collet-Serra comenta, “Esther es bien recibida en la familia, pero poco después de su llegada vemos que no es tan inocente como parecía. En una película, cuando tienes a un niño malvado que hace cosas malvadas, empiezas poco a poco y de manera más sutil de lo que se podría esperar en una película de terror. Empiezan a suceder pequeñas cosas, y antes de que te des cuenta tienes a un enemigo dentro de casa, a esta chica manipulando la situación”.
La situación en la que se encuentra la familia Coleman hace que sea el momento propicio para la manipulación. Kate, que aún no ha superado su pérdida, es una alcohólica en proceso de recuperación, y su dependencia del alcohol estuvo a punto de causar una tragedia en el pasado cuando su hija Max casi se ahoga mientras estaba a su cuidado. John continúa tratando de controlar el impulso de culpar a su esposa por lo que podría haber sucedido. Las grietas de su relación son muy profundas, lo que hace que sean vulnerables y que le den a Esther una oportunidad.
Leonardo DiCaprio, socio de Appian Way y uno de los productores de la película, afirma, “Estábamos tan entusiasmados como lo estuvimos respecto al proyecto porque iba más allá de la típica película de género. Gran parte de su atractivo tiene que ver con el hecho de que es un complejo drama psicológico que se desarrolla al mismo tiempo que las típicas situaciones de miedo del género”.
La actriz Vera Farmiga, que interpreta a Kate, comenta, “Esta historia da un nuevo giro al género. No se trata sólo de sangre a borbotones; son acontecimientos terroríficos que suceden a gente real con problemas reales. Acontecimientos que te hacen estremecerte y decir, ‘¡Gracias a Dios eso no me está sucediendo a mí!’”.
Peter Sarsgaard interpreta al marido de Kate, John. El actor también apreció la base realista de la historia. “En el fondo, se trata de una familia rota. Kate se siente tremendamente culpable por el accidente de Max, por su adicción a la bebida, e incluso por el parto en el que el bebé nació muerto. A pesar de intentar superar todo eso, John aún no está seguro de poder confiar en ella, e incluso se culpa a sí mismo. Aparece Esther y arroja luz sobre todas esas cosas, utilizando a los dos para su provecho. Creo que las mejores películas de terror ponen de relieve la condición humana y explotan los miedos y los problemas a los que muchos de nosotros nos enfrentamos en nuestras vidas”.
A partir de una historia de Alex Mace de Appian Way, el guionista David Leslie Johnson escribió el guión.
“El guión de David estuvo a la altura”, afirma Silver. “Hizo que la historia y los personajes realmente cobrasen vida”.
Para Johnson fue un trabajo de amor. “Me gusta este género desde que vi ‘The Bad Seed’”, comenta. “Es uno de mis subgéneros de terror favoritos—el del niño malvado. Hay algo muy visceral en ello. Los espectadores reaccionan intensamente, ya se trate de un niño que ha sido corrompido por el diablo, o simplemente se trate de un chico malo… reaccionamos de manera instintiva ante eso. Y yo no quería hacerlo tal como se había hecho antes. Quería encontrar una nueva manera de hacerlo, y de aportar una nueva visión al tema. Se me ocurrió el giro inesperado del final, el secreto, y a partir de ahí todo funcionó de manera retrospectiva”.
“El guión de David era estupendo”, dice Collet-Serra. “Los personajes estaban muy bien desarrollados. Vi las posibilidades de hacer una película que tuviera todos los elementos: unas magníficas interpretaciones, un magnífico ambiente, tensión, por no mencionar que realmente diera miedo. ‘La huérfana’ es en realidad un thriller psicológico que se convierte en una película de terror. Pero no es un terror convencional. Toda la película gira alrededor de ese secreto, y en mi caso es muy raro leer un guión y que me sorprenda tanto el final. Era muy creíble. Eso es lo que me enganchó”.
Silver añade que, si bien los espectadores reconocerán que hay algo diferente en Esther, “Quiero que experimenten ese shock, ese momento inesperado. Quiero que salgan del cine hablando de ello del mismo modo que nosotros hicimos cuando leímos el guión”.
“David creó unos personajes por los que realmente podíamos apostar”, dice Downey. “Kate y John son una pareja con la que creo que la gente se puede identificar, porque tienen muchos defectos. Pero sus historias pasadas no se utilizan como apoyo ni como algo para darles profundidad a los personajes. Eso es lo que hizo que el guión me pareciese diferente—el componente realista de esas personas que están haciendo lo posible y creyendo que van a fracasar. Y luego está ese sorprendente giro…”.
La productora Jennifer Davisson Killoran coincide. “Desde el principio, tuve la sensación de que esta historia era fantásticamente divertida. Te mantiene haciendo conjeturas, y justo cuando crees que sabes cuál es el secreto, sucede algo inesperado y engañoso, y no estás seguro”.
Además de los aspectos de thriller de la película, Killoran también se sintió atraída por las relaciones madre-hijo, que son el núcleo de la historia. “Creo que Kate es un magnífico retrato de una mujer que trata desesperadamente de hacerlo todo bien por sus hijos, ya sean biológicos o adoptados. Simplemente quiere lo mejor para ellos”.
“Hay algo muy primario en esa relación madre-hijo”, dice Johnson, “así que pensé que ésa era la mejor relación para explotar y corromper; coger lo que debería ser el lazo más natural del mundo y convertirlos en enemigos. E hice que la madre tuviese un pasado turbulento, por lo que cuando empieza a decir que hay algo raro en Esther, todo el mundo tiene razón para dudar de ella porque no es la persona más fiable”.
Sin embargo, Johnson atribuye al director el mérito de “que no solo diese miedo, sino que también transmitiera una sensación de amenaza y mal humor en las escenas familiares. Incluso al principio, cuando las cosas aún no han ido mal, existe la sensación de que algo malo va a pasar, y eso tiene mucho que ver con el modo en que rodó la película y el estilo visual que le aportó”.
“Para ser magnífico, un thriller tiene que ser inteligente; tiene que tener ideas frescas”, comenta Silver. “Y para que funcione, tiene que tener suspense, y tiene que hacerte vivir una experiencia. Y Jaume lo hace magníficamente. Es un narrador muy paciente que se toma su tiempo para atraer a los espectadores”.
“Quería representar a una familia que tiene buenos y malos momentos. No quería ahondar en su dolor desde el principio; quería ver por qué estaban juntos, darles la oportunidad de un final feliz”, dice Collet-Serra. “Luego, cuando las cosas empiezan a ir realmente mal, vemos, sólo por un momento, el acto real de violencia. Para mí, la clave está en mostrarlo de un modo muy realista pero breve, poniendo el énfasis en la historia y las interpretaciones”.


No hay nada malo en ser diferente…

Vera Farmiga interpreta a Kate, una esposa y madre que se está recuperando de su adicción al alcohol y que recientemente ha tenido un parto en el que ha perdido a su hijo en su tercer trimestre. “Tiene un hueco enorme en su útero y en su corazón”, dice Farmiga, “pero está intentando seguir adelante y arreglar su matrimonio y su familia. Su decisión de adoptar es un acto de generosidad. Necesita hacer algo con todo el amor que sentía por ese hijo… dárselo a alguien que lo necesite. La adopción es una manera de curar y reunir a su familia de nuevo”.
Kate es también una pianista de talento. Sabemos que había hecho carrera enseñando en una prestigiosa escuela de música, y que la abandonó para formar una familia. Pero a su hijo no le importaba nada la música y su hija está totalmente sorda y no puede oírla. Sin embargo, el mayor impacto que ha sufrido fue la pérdida de un hijo, a la que siguió el terrible accidente de Max, que estuvo a punto da ahogarse y que ella podría haber evitado si no bebiera.
Pero no importa hasta que punto hayan llegado en el proceso de recuperación, su esposo no puede evitar culparla y ella no puede perdonarse. La culpa y la falta de confianza han abierto una brecha entre Kate y John, que se hace aún más profunda con la llegada de Esther, que se aprovecha de los defectos de Kate y de las dudas de John.
“Kate lo ha pasado muy mal”, comenta Silver. “Perdió a un hijo en el parto. Es alcohólica, y casi pierde a otro de sus hijos debido a ello. Está atormentada. Pero realmente ha intentado arreglar su vida y está dispuesta a seguir adelante, cuando incluye a esa chica en su vida, y eso hace que vuelva a caer”.
Farmiga dice que preparó su papel “entrando en páginas web sobre el dolor, leyendo historias de mujeres que tienen que hacer frente a la pérdida de un bebé. No resulta nada fácil rehacer un corazón destrozado después de experimentar la agonía de un aborto. El dolor es tremendo, el de un útero vacío y unos brazos vacíos. Esos testimonios fueron muy reveladores”.
“Vera era perfecta para este papel”, comenta Downey. “Añadió toda una serie de matices a Kate de modo que realmente sientes que tiene una historia, que tiene traumas del pasado a los que está haciendo frente”.
Peter Sarsgaard, un viejo amigo de Formiga, que interpreta al esposo de Kate, John, describe a su personaje como “una especie de conciliador. Trata con frecuencia de suavizar las situaciones, ponerlas en perspectiva y reunir a todo el mundo, porque cree que Kate se está tomando las cosas demasiado en serio y viendo cosas que no existen”.
Sarsgaard reconoce que su personaje dista mucho de ser perfecto. “John tiene una vida extraacadémica bastante rica, de la que se aprecian pequeños atisbos a lo largo de la película”, dice. “Creo que está principalmente interesado en lo que hay de positivo a su alrededor, por lo que cuando sucede algo malo, su primer impulse es tratar de aliviar, o incluso ignorar, la situación. Además de eso, le resulta difícil superar los problemas que Kate ha tenido en el pasado, por lo que no cree en sus advertencias cuando se trata de Esther”.
A Collet-Serra le encantó contar con Sarsgaard para la película. “Peter era el primero en mi lista”, confiesa. “Y teniendo en cuenta el resultado, la química entre él y Vera no podría haber sido mejor”.
“Las interpretaciones son fantásticas”, coincide Silver. “Vera y Peter son unos actores maravillosos. Son perfectamente creíbles como una pareja casada en crisis”.
“Con actores como Peter y Vera, simplemente les dejo actuar, filmándolos de la manera más simple”, añade Collet-Serra.
Sin embargo, trabajar con niños requiere un enfoque totalmente distinto. Según explica el director, “Lo que esperas de los niños es ese toque de inocencia. Tienes que hacerles ensayar, para que sepan lo que la escena requiere, pero con demasiados ensayos se puede perder esa inocencia. Se necesita una buena dosis de equilibrio para conservar la espontaneidad, y al mismo tiempo hacer que transmitan todas las claves emocionales”.
El director dice que fue un placer trabajar con los actores más jóvenes. “Los niños desempeñan un importante papel en esta película, y teníamos tres personajes muy diferentes que eran muy importantes”.
Downey comenta, “El personaje de Esther empieza siendo de una manera—tienes que creer que es una chica dulce y angelical que ha tenido un pasado un tanto difícil, pero que le entusiasma formar parte de esta nueva familia. Luego te das cuenta de que no, de que es bastante malvada y tiene sus intenciones. Y más tarde profundizas en por qué tiene esas intenciones. Así que necesitábamos a una actriz que pudiera conseguir todo eso. Por no mencionar el hecho de que le hicimos hablar con acento”.
Isabelle Fuhrman, relativamente desconocida, fue elegida para el papel clave de Esther. “Leí el guión y me resultó tan apasionante que me hizo sentarme en el borde de mi asiento, pensando, ‘Cielos, ¿qué sucede a continuación?’” dice Fuhrman. “Sabía que quería interpretar a Esther porque supondría un gran reto y sería muy divertido, así que me puse un vestido pasado de moda y cintas en el cuello y en las muñecas, y fui a la prueba intentando hacerme sentir como se sentía Esther”.
“Teniendo en cuenta el tema, necesitábamos a una actriz muy joven, pero al mismo tiempo muy fuerte”, comenta Collet-Serra. “Isabelle, que solo tenía 11 años, poseía esa confianza. Llegó y se apropió del personaje”.
“Esther es muy compleja. Es dulce y feliz en un momento dado, y luego, en un instante, se vuelve loca, molesta y enfadada”, comenta Fuhrman. “Da la impresión de que nadie la ha querido nunca, como si fuera una buena chica en un mundo que está en contra de ella. Tiene la sensación de ser la víctima. Traté de mostrar todas sus diferentes facetas—su lado tímido, su lado dulce, su lado amenazador y su lado extraño y loco—y combinarlas en una persona, y añadir mi propio toque. Si consigo que la gente quiera a Esther y la odie, me doy por satisfecha”.
A Silver le sorprendió la capacidad de la joven actriz para comprender el papel. “Durante el proceso de casting, todos quedamos muy convencidos con Isabelle”, dice, “y tengo que decir que teníamos razón. Está fantástica en este papel”.
Downey atestigua, “Isabelle aportó todos esos diferentes matices—hay en ella una cierta sofisticación, y también una ingenua inocencia cuando quiere transmitir eso. Al comienzo de la película, realmente crees que es una chica dulce. Luego, a medida que Esther evoluciona a lo largo de la película, Isabelle fue también capaz de transmitir los aspectos más duros y tensos”.
Dado que Esther se supone que es de origen ruso, y como el personaje de Max utiliza el lenguaje de gestos para comunicarse, Fuhrman también estuvo muy ocupada fuera del rodaje aprendiendo el lenguaje de gestos y un acento para su papel. “Fue muy divertido aprender el lenguaje de gestos”, dice. “Y me gusto el acento porque el tener una voz diferente me cambiaba un poco y me ayudaba a convertirme en el personaje”.
El lenguaje de gestos era necesario porque la hija pequeña de Kate y John, Max, es sorda. Los realizadores eligieron a la actriz novata Aryana Engineer, de solo seis años de edad, para el papel.
“Aryana era muy especial”, comenta Collet-Serra. “Era muy inocente y estaba llena de vida. En cierto sentido, esta película trata sobre el hecho de proteger la inocencia de esta niña, por lo que eso tenía que quedar muy claro”.
Engineer, que de hecho tiene problemas auditivos, llegó a la película dominando el lenguaje de gestos. También es experta en leer los labios, tal como lo hace en la película en el papel de Max.
Downey añade, “Desde el punto de vista creativo, Jaume asumió eso y siguió adelante. Hay una escena increíble al comienzo de la película que establece la estrecha relación entre Max y Kate. Todo sonido desaparece, excepto la banda sonora, y eso hace que los espectadores se pongan en el lugar de Max durante un momento”.
La unidad familiar está completada por Daniel, interpretado por el joven y solicitado actor Jimmy Bennett.
“Vimos a muchos actores para el papel de Daniel”, dice Downey, “y Jimmy destacó claramente como el perfecto complemento de la familia”.
Collet-Serra coincide. “Es un profesional. Realmente hizo suyo el personaje”.
“Leí el guión y pensé, ‘Ah, es realmente bueno’”, comenta Bennett. “Es el tipo de película que me gusta—de terror y que den miedo. Luego me llamaron y me preguntaron si estaba dispuesto a saltar desde una cabaña en un árbol que está a 6 metros de altura. Dije que sí. Por supuesto, cuando rodamos la escena, estaba sujeto a un cable y saltaba sobre los brazos de la gente. Pero fue muy divertido. Me encanta hacer acrobacias como ésa”.
En realidad, Bennett es el único de la familia que no acepta la llegada de Esther. “Daniel está empezando a tomarse las cosas con calma, y luego llega esta nueva hermana, que no es para nada guay, por lo que sus amigos piensan que es todo un memo a causa de esta nueva hermana”, dice Bennett. Daniel intenta mantener parte de la atención de la familia, pero “ya no le escuchan, no le prestan atención. Es difícil para él, porque todo lo que tiene es a su hermana pequeña Max, y él no conoce el lenguaje de los gestos, por lo que básicamente está solo una vez que aparece Esther”.
Quien facilita la entrada de Esther en la familia Coleman es la hermana Abigail, una monja de la St. Mariana’s Home for Girls. La veterana actriz CCH Pounder interpreta dicho papel, que fue literalmente escrito pensando en ella.
“Soy un gran fan suyo y, por alguna razón, mientras estaba escribiendo el guión, no dejaba de oír su voz en mi cabeza”, comenta Johnson. “Siempre que escribía el diálogo de la hermana Abigail me imaginaba la voz de CCH Pounder, por lo que finalmente decidí seguir adelante. Crucé los dedos cuando llegó el momento del casting”.
Downey recuerda, “David tenía la imagen de CCH Pounder como la hermana Abigail. Y fue una de esas agradables situaciones en que se lo planteamos, y decidió hacerlo, y la coordinación funcionó perfectamente”.
Puede que la intervención divina haya tenido algo que ver, porque, cuando hablaron de qué tipo de preparación iba a hacer para el papel de una monja, Pounder afirmó rotundamente, “Absolutamente ninguna. Crecí en un convento. Estudié con monjas durante unos 14 años. He visto toda la transformación, mujeres convirtiéndose en novicias y más tarde en monjas hechas y derechas. Creo que las hermanas pensaban que yo era una niña mala… ¡pero nada que ver con Esther!”, dice riéndose.
Chica mala o no, Pounder bordó el papel en lo que a su director concierne. “Tiene un par de escenas muy intensas, y simplemente llegó y las interpretó de un modo espectacular”, comenta.
Downey observa, “Jaume es un director increíblemente visual, y fue tan preciso en crear esos momentos auténticos con los actores como al asegurarse de que consiguiésemos plasmar adecuadamente los momentos típicos del género. Pero también sabía que quería contar una historia elegante; tenía que haber un elemento con estilo para hacer que la gente se sintiera atraída por esta espeluznante historia. Eso le supuso mucho tiempo y mucha preparación, porque quería realmente llevar a la pantalla cosas que no habíamos visto antes”.

Siempre pueden aparecer problemas

Algo que nadie había visto en más de una década fue la increíble nevada que cayó en Toronto justo antes del inicio del rodaje.
Collet-Serra recuerda, “Cuando leí por primera vez el guión, era claramente una película que transcurría en otoño. Había una escena que tenía lugar en Halloween, con las hojas cayendo—ésa era la atmósfera, y eso es lo que empezamos a preparar. Incluso rodamos algunas tomas en exteriores con coches circulando, los árboles, todo eso, para asegurarnos de que todo estaba bien. Y luego, una semana antes de que empezásemos a rodar, empezó a nevar. Creo que fue el peor invierno de los últimos 30 años en Canadá”.
“Cuando llegamos a Toronto, había nevado. Hacía un frío tremendo”, dice Silver. “Así que hicimos que la película transcurriese en invierno—hay nieve por todas partes y se puede ver el aliento de la gente. Creo que eso hace que resulte más claustrofóbica, más confinada”.
“Creo que fue una gran suerte”, confiesa Collet-Serra. “Esa atmósfera invernal—es como una metáfora del aislamiento, y ésa es la sensación que tenemos de Kate. Está completamente aislada, luchando por su familia, y eso realmente se transmite, mientras que en otoño habría sido más melancólica y más dura”.
Recordando los obstáculos del repentino cambio de tiempo, Carmody dice, “Durante las primeras semanas de rodaje en exteriores teníamos que caminar trabajosamente a través de una capa de nieve de entre sesenta y 90 centímetros; especialmente en las secuencias de la casa en el árbol. Sólo llevar el equipo allí resultaba agotador. No podíamos levantar plataformas de iluminación, ni llevar grúas. El equipo técnico tenía que arrastrar literalmente cada pieza a mano. Y estábamos rodando en una zona protegida, por lo que no podíamos poner clavos en los árboles; tuvimos que anillar los árboles y poner todo encima. Todo eso a 20 grados bajo cero y con noventa centímetros de nieve. Y luego, por supuesto, teníamos que mantener la nieve impoluta cuando estábamos rodando allí, con 115 personas pisando sobre ella. Así que no hay duda de que fue todo un reto”, dice sonriendo.
No sólo fue el tiempo el que planteó el único reto durante el rodaje. Para captar el tono espeluznante que requería la película, el director Collet-Serra quería una serie de movimientos de cámara concretos en el interior de la casa, yendo de habitación en habitación y de piso en piso. Carmody comenta, “En lugar de construir cada nivel de la casa sobre una plataforma diferente, para no estar a varios metros del suelo, construyeron una casa de tres pisos”.
Por supuesto, la tensión y la claustrofobia eran también elementos fundamentales de la película. La mayoría de los decorados de las películas se construyen normalmente a una escala mayor que una habitación normal, para que el equipo técnico pueda maniobrar en el interior. Pero la casa de los Coleman se construyó casi a escala, y también un diseño abierto con diferentes ángulos y paredes para fines psicológicos concretos, o para ocultar parte de la violencia que está teniendo lugar. “Queríamos una casa que fuera abierta para poder dar la sensación de que Esther podría siempre estar a la vuelta de la esquina escuchando”.
Jeff Cutter, el director de fotografía, iluminó la casa con la misma intención. “Jeff creó focos de luz para que nunca existiera la sensación de que pudieses ver quien estaba en la habitación; Esther podría estar allí sin que los demás lo supieran”, dice Collet-Serra. “Tiene un gran sentido narrativo y le gusta un tipo de iluminación muy naturalista, y eso es lo que yo Estaba buscando. No quería que ésta fuera una película de terror que siempre estuviese iluminada por detrás; es algo demasiado típico del género. Quería que pareciese real y sombrío. Y lo entendió”.
La casa fue diseñada por el diseñador de producción Tom Meyer, que, según Collet-Serra declara, “hizo un trabajo absolutamente fantástico. Queríamos algo que fuera moderno con una mezcla de calidez y frialdad. Encontramos una casa que era muy inhóspita—con mucho cemento—y le aportamos un poco de calidez utilizando madera. También construimos el invernadero”.
“La casa tenía lo que todo el mundo necesitaba”, añade Downey. “John es un ecoarquitecto, por lo que la casa se creó de manera que pareciese ecológica, que estaba replaneando las cosas. Y el invernadero juega su papel tanto en los aspectos emocionales como de acción de la historia, por lo que resultó un asombroso añadido”.
Cuando se planteó el tema de los interiores, la mayor parte de los cuales se construyeron en un plató, el director había hecho storyboards de algunas de las secuencias. “Tom básicamente diseñó el trazado de la casa de acuerdo con algunas de las tomas que yo quería o necesitaba”, dice Collet-Serra.
Otro importante elemento del diseño de la película era el vestuario. El mayor reto de la diseñadora de vestuario Antoinette Messam fue diseñar la ropa de Esther. “El vestuario de Antoinette contribuyó a definir al personaje”, afirma Collet-Serra. “La silueta de Esther es lo que la hace ser Esther—sus cintas, el tipo tradicional de vestidos rusos que llevaba. Estaban un poco pasados de moda, pero al mismo tiempo no eran viejos. No podían resultar tan extravagantes que pareciese que estaban fuera de lugar, simplemente tenían que parecer un poco raros, y creo que hizo un trabajo fantástico”.
“Las cosas que parecen bien, las cosas que parecen completa y terriblemente normales, son normalmente cosas de las que mantenerse alejado”, dice el actor Peter Sarsgaard. “Incluso el aspecto de Esther—parece una niña pulcra, limpia y perfecta—pero, por supuesto, es malvada hasta la médula”.
Esa yuxtaposición de lo viejo y lo nuevo, lo actual y lo de época, también está captada en la música, que es siempre un elemento crucial en una película de género. La música fue compuesta por el colaborador de Collet-Serra en “La casa de cera”, John Ottman. “Si pudiera hacer todas las películas con John, sería un absoluto placer”, dice Collet-Serra. “Y, por supuesto, Esther tiene su propio tema. Canta y silba la canción ‘Glory of Love’ a lo largo de la película. Así que John incorporó esas notas y elementos en su tema, añadiendo tensión. Otro personaje principal, Kate, es profesora de piano, por lo que la idea de John fue crear ciertos temas con ella y su relación con la familia que luego pudiésemos distorsionar, para que los temas musicales tuviesen una progresión continua. John es muy bueno para combinar la sensibilidad emocional de una película como ésta, que tiene un personaje fuerte, sin perder el aspecto de thriller”.

No me lo vas a contar, ¿verdad?

“Creo que a la gente le gustará ver esta película porque les hará pasar mucho miedo”, dice Isabelle Fuhrman. “Les hará pensar, ‘Oh, dios, oh, dios, no des la vuelta a la esquina, no des la vuelta a la esquina, no, no, no... ¡Algo va a pasar!’”.
“La tensión y el miedo van unidos”, dice el director Jaume Collet-Serra. “El aspecto terrorífico llega con la brutal violencia a la que se enfrentan la familia y los demás al luchar contra esta chica, ese enemigo que tienen dentro. Creo que el terror y el thriller psicológico son una buena combinación”.
“Es una película que quieres ver varias veces porque hay mucho en ella que te podrías haber perdido la primera vez”, dice el productor Leonardo DiCaprio. “Estoy orgulloso de la película y de todos los que han contribuido a llevarla a la pantalla”.
La productora Susan Downey afirma, “Queríamos sin duda conectar con el miedo instintivo que tiene la gente respecto a las personas que admiten en sus casas, o en sus vidas. Y creo que con las mejores intenciones Kate y John abren su casa a Esther, y se ven totalmente minados por esa chica. Eso es algo que creo que le llegará a la gente, que espero que haga sentir miedo a los espectadores. Pero también creo que los errores que estos personajes han cometido en su pasado vuelven para acosarlos porque permiten que esa chica entre en su vida y averigüe sus secretos más ocultos. Y todo el mundo tiene un secreto—Kate tiene secretos en su pasado, John los tiene en el suyo. Incluso Max se ve forzada a guardar secretos. Por supuesto, Esther tiene el mayor secreto de todos”.
El productor Joel Silver lo resume diciendo, “‘La huérfana’ es una película sofisticada, que también da miedo y es emocionante e inquietante. No es solo una película sobre una chica malvada, hay algo más peligroso y tentador. Va a hacer que los espectadores no dejen de preguntarse, ‘¿Qué le pasa a Esther?’ Y, por supuesto, queremos que hablen de ello. Pero esperamos que no desvelen el secreto”.

SOBRE EL REPARTO

VERA FARMIGA (Kate Coleman) es una premiada actriz que continúa cautivando a los espectadores con cada papel que interpreta. Recientemente ha terminado la producción de “Up in the Air” de Jason Reitman, junto a George Clooney, y pronto se la podrá ver en “The Vintner’s Luck”, de próximo estreno, una adaptación de la novela de Elizabeth Knox del mismo título dirigida por Niki Caro.
Farmiga ha intervenido recientemente en “Quid Pro Quo” de Carlos Brooks, en el drama político “Nothing But the Truth” de Rod Lurie y en la película sobre el Holocausto “El niño con el pijama de rayas”, por la que recibió un premio British Independent Film a la mejor actriz.
Anteriormente, Farmiga había conseguido el premio a la mejor actriz de la Film Critics Association de Los Angeles por su interpretación en la película independiente “Down to the Bone”. También consiguió los premios a la mejor actriz en el Festival de Cine de Sundance y en el Festival de Cine de Marrakech, y fue nominada para un premio Independent Spirit por su interpretación en dicho papel.
Entre sus restantes trabajos en cine figuran la película de Martin Scorsese, “Infiltrados”, ganadora de los Premios de la Academia y protagonizada por Matt Damon, Leonardo DiCaprio y Jack Nicholson; “Breaking and Entering” de Anthony Minghella junto a Jude Law; “El mensajero del miedo”, dirigida por Jonathan Demme; el thriller de terror “El hijo del mal” junto a Sam Rockwell; y “Never Forever”, co-protagonizada por Jung-woo Ha y David McInnis.

PETER SARSGAARD (John Coleman) es conocido por su amplio registro y su capacidad para transmitir lo que hay detrás de la fachada a menudo complicada de los personajes que interpreta. Recientemente ha intervenido en dos obras consecutivas de Chejov, elogiadas por la crítica, primero junto a Kristin Scott Thomas y Carey Mulligan en Broadway en “La gaviota”, y más tarde junto a Maggie Gyllenhaal en el off-Broadway en “El tío Vania”.
Sarsgaard también interviene en la película de Lone Scherfig, de próximo estreno, “An Education”, junto a Dominic Cooper, Emma Thompson, Alfred Molina y Carey Mulligan. Recientemente ha intervenido en “Elegy” de Isabel Coixet, protagonizada por Ben Kingsley y Penélope Cruz; “The Mysteries of Pittsburgh” de Rawson Marshall Thurber, junto a Sienna Miller; “In the Electric Mist” de Bertrand Tavernier, co-protagonizada por Tommy Lee Jones; y “Expediente Anwar”, protagonizada por Meryl Streep, Reese Witherspoon y Jake Gyllenhaal bajo la dirección de Gavin Hood.
Por su papel secundario en la película biográfica “Kinsey”, escrita y dirigida por Bill Condon y protagonizada por Liam Neeson y Laura Linney, Sarsgaard fue nominado a los premios Critics’ Choice e Independent Spirit. También recibió numerosos premios por su interpretación del editor del New Republic Charles Lane en “El precio de la verdad” de Billy Ray, siendo nominado a los Globos de Oro y a los premios Spirit como mejor actor secundario, y recibiendo premios de la Crítica de Boston, San Francisco, St. Louis, Toronto y la National Society of Film.
Sarsgaard se dio a conocer por su papel de John Lotter, el torturador y violador en “Boys Don’t Cry” de Kimberly Peirce, junto a Hilary Swank y Chloe Sevigny. Entre sus restantes trabajos en cine figuran “Year of the Dog”, dirigida por Mike White y co-protagonizada por John C. Reilly y Molly Shannon; “Jarhead. El infierno espera”, dirigida por Sam Mendes y protagonizada por Jake Gyllenhaal y Jamie Foxx; “Plan de vuelo: Desaparecida (Flightplan)”, junto a Jodie Foster; “The Dying Gaul”, con Patricia Clarkson y Campbell Scott; “Algo en común”, protagonizada por Zach Braff y Natalie Portman; “K-19: The Widowmaker”, protagonizada por Harrison Ford y Liam Neeson; y el thriller “The Skeleton Key”, con Kate Hudson y Gena Rowlands.
Sarsgaard asistió al Actors Studio Program de la Universidad de Washington en St. Louis, Missouri, tras lo cual fue elegido para la producción en el off-Broadway de la obra de Horton Foote “Laura Dennis” en la Signature Theatre Company.

ISABELLE FUHRMAN (Esther) comenzó su carrera como actriz a los siete años, interviniendo en “Cartoon Fridays” de la Cartoon Network. Desde entonces ha intervenido en dos películas y, como actriz invitada, en la popular serie de la CBS “Ghost Whisperer” y en la serie dramática de la Fox “Justice”. Fuhrman ha participado en docenas de anuncios publicitarios y ha prestado su voz a diversos proyectos, entre ellos la comedia de Eddie Murphy “Norbit”, “Desperate Housewives” y “NCIS” en televisión, así como en videojuegos para la Wii y la Disney. También intervino en varios episodios humorísticos en “The Tonight Show with Jay Leno”.
Entre sus próximas películas figura el largometraje de dibujos animados en 3D de Ben Stassen “Around the World in 50 Years 3D”, en el que pone la voz a Hatchling Shelly, una joven tortuga que pierde la pista de su amigo, Sammy, que viaja por el mundo durante 50 años y se ve alterado por el calentamiento global.
Isabelle, que se formó con los métodos de Stella Adler y Sanford Meisner, es también una excelente guitarrista y cantante que disfruta cantando y escribiendo canciones con su hermana mayor, Madeline.

CCH POUNDER (Hermana Abigail) es una actriz varias veces nominada a los Emmy, que intervendrá este otoño en la nueva serie de humor de la Fox “Brothers”, y a la que actualmente se puede ver en la nueva serie de misterio del Sci-Fi Channel “Warehouse 13”. A finales de este año, se la podrá ver en la película de James Cameron “Avatar”. Entre sus más recientes trabajos figuran papeles en “The No. 1 Ladies’ Detective Agency” de la HBO y en la película independiente “Rain”, que obtuvo excelentes críticas en el Pan African Film Festival de Los Angeles.
Durante siete años, Pounder interpretó el papel de Claudette Wyms en la aclamada serie “The Shield”, que le valió numerosos galardones, entre ellos una nominación a los Emmy como mejor actriz secundaria en una serie dramática, nominaciones a los premios NAACP Image como mejor actriz en una serie dramática, el premio MIB Prism como mejor actriz en un drama televisivo, dos premios Golden Satellite a la mejor interpretación de una actriz en una serie dramática, el premio Genii Excellence in TV del Southern California Chapter de la American Women in Radio & TV, y el premio "LOOP" de Lupus LA.
Pounder también fue nominada a los Emmy como mejor actriz secundaria por su papel de la Dra. Angela Hicks en la serie “Urgencias”, y recibió otra nominación a los Emmy como mejor actriz invitada en una serie dramática por su papel en “Expediente X”. Además, fue nominada a los Grammy por el mejor álbum hablado por Grow Old Along With Me, The Best is Yet to Come, y recibió un AUDI, el más alto galardón de la Audio Publishers Association, por Women in the Material World.
Entre sus restantes trabajos en cine figuran “Bagdad Café”, “El honor de los Prizzi”, “Postales desde el filo”, “RoboCop 3”, “Sliver (Acosada)”, “Tales from the Crypt: Demon Knight”, “Cara a cara (Face-Off)” y “El fin de los días”.

JIMMY BENNETT (Daniel Coleman) es un joven y polifacético actor que ha trabajado con algunas de las más prestigiosas figuras de Hollywood. Recientemente, ha interpretado al joven James T. Kirk en la popular película de ciencia-ficción de J. J. Abrams “Star Trek”, y ha intervenido en “Diminished Capacity”, con Matthew Broderick y Alan Alda. Pronto se le podrá ver como el protagonista de la película de fantasía de Robert Rodriguez “Shorts”.
Bennett también intervino en “Sigo como Dios”, con Steve Carell y Morgan Freeman; en “Poseidón” de Wolfgang Petersen, junto a Kurt Russell, Richard Dreyfuss y Josh Lucas; y en “Firewall”, con Harrison Ford y Virginia Madsen. También intervino en “Terror en Amityville” del productor Michael Bay, y junto a Bruce Willis en “Hostage”. Además, su voz se puede oír en la película navideña de dibujos animados “The Polar Express”, protagonizada por Tom Hanks.
Entre los restantes trabajos en cine del joven actor figuran “The Heart is Deceitful Above All Things” de Asia Argento, basada en la novela de J.T. LeRoy, y “Papá canguro”, con Eddie Murphy. También trabajó en la popular serie de televisión “Everwood”, y ha intervenido en la miniserie “Detective” y en las series “CSI”, “Judging Amy”, “The Guardian” y “Strong Medicine”.
Bennett también ha prestado su voz a personajes de algunas populares películas infantiles, entre ellas “I Want a Dog for Christmas, Charlie Brown”, “Fun With Roo (ABCs y 123s)” y “Springtime with Roo”. Cuando no actúa, le encanta el fútbol, el skateboard, la natación, escuchar música heavy metal y tocar la guitarra.

ARYANA ENGINEER (Max Coleman) hace su debut en el cine en “La huérfana”. Nacida en Vancouver, Canadá, tiene problemas de audición y domina tanto el lenguaje de gestos americano como la lectura de los labios, aportando una gran sensación de realismo a su personaje, Max, que es completamente sorda. Engineer tiene ocho años y le gusta el baile, especialmente el jazz y el ballet, y jugar con su gato, Cinder.


SOBRE LOS REALIZADORES

JAUME COLLET-SERRA (Director) nació en Barcelona, Cataluña, España en 1974. A principios de los años 90, se trasladó de Barcelona a Los Angeles para estudiar en la escuela de cine del Columbia College. Poco después de graduarse, comenzó su carrera como montador.
A continuación, Collet-Serra comenzó a dirigir vídeos musicales y más tarde anuncios publicitarios para productos como PlayStation, Budweiser, MasterCard, Miller Lite, Pontiac, Smirnoff Ice, Renault, Verizon y 7-UP, trabajando con agencias como McCann-Erickson, J. Walter Thompson, BBDO y TBWA\Chiat\Day.
Sus imágenes estilizadas, surrealistas y a menudo oscuras pronto despertaron la atención del productor Joel Silver, que le contrató para dirigir “La casa de cera” en 2005. Posteriormente, en 2007, su pasión por el fútbol hizo que volviera a España para rodar “Viviendo el sueño”.

DAVID LESLIE JOHNSON (Guionista) comenzó su carrera como ayudante de producción en “Cadena perpetua” de Frank Darabont, que se rodó en exteriores en la ciudad natal de Johnson, Mansfield, Ohio, en el histórico Mansfield Reformatory, donde el bisabuelo de Johnson había sido guarda de prisiones. Johnson pasó los siguientes cinco años como ayudante de Darabont, utilizando la oportunidad para pulir su oficio como guionista.
En 1999, Johnson escribió una adaptación de las clásicas novelas de literatura barata “Doc Savage”, y más tarde trabajó con el legendario Stan Lee de Marvel Comics, adaptando una idea original de Lee para un telefilm de dos horas. A continuación, escribió el guión de una miniserie de cuatro horas, secuela de “La cosa (El enigma de otro mundo)” de John Carpenter, que despertó la atención de la compañía de producción de Leonardo DiCaprio, Appian Way, para la que escribió el guión de “La huérfana”.
Johnson empezó muy pronto a interesarse por la narrativa y comenzó a escribir obras teatrales en segundo curso. Más tarde se interesó por el cine y, a los 19 años, escribió su primer guión. Estudió en la Ohio State University en Columbus, Ohio, y se licenció en fotografía y cine.
Actualmente tiene varios proyectos en desarrollo, volviendo a trabajar recientemente con Appian Way para escribir el guión de una película fantástica y de terror inspirada en un clásico cuento de hadas. El siguiente proyecto de Johnson será una adaptación del thriller fantasmal australiano “Lake Mungo”.

ALEX MACE (Historia) es un ejecutivo de desarrollo en la compañía de producción de Leonardo DiCaprio, Appian Way. Antes de cortarse el pelo y empezar a trabajar en el cine, Mace estaba en un grupo de rock ‘n’ roll. Se graduó en la UCLA.

JOEL SILVER (Productor), uno de los productores más prolíficos y exitosos de la historia del cine, ha producido más de 50 películas, entre ellas la innovadora trilogía “Matrix”, la enormemente popular franquicia en cuatro partes “Arma letal”, y las películas de acción “La jungla de cristal” y “Depredador”. Hasta la fecha, el catálogo de películas de Silver ha conseguido recaudar más de 10.000 millones de dólares a nivel mundial en todos los formatos.
Con su compañía Silver Pictures, actualmente está produciendo “Sherlock Holmes”, dirigida por Guy Ritchie y protagonizada por Robert Downey Jr., Jude Law y Rachel McAdams, cuyo estreno está previsto para Navidad; y el thriller de acción “The Book of Eli”, protagonizado por Denzel Washington bajo la dirección de Albert y Allen Hughes, que se estrenará en enero de 2010.
Silver ha firmado recientemente un acuerdo para su compañía de producción Dark Castle Entertainment, que le da luz verde y control creativo sobre todas las películas producidas por la compañía, que serán distribuidas por Warner Bros. Entre las próximas películas de Dark Castle figuran “Whiteout”, un thriller dirigido por Dominic Sena y protagonizado por Kate Beckinsale; la película de acción de James McTeigue “Ninja Assassin”, que Silver está produciendo con los hermanos Wachowski; y el thriller psicológico “The Factory”, protagonizado por John Cusack. Actualmente están en el proceso de producción de la película de acción “The Losers”, basada en las novelas gráficas de DC Comics, que Silver está produciendo con Akiva Goldsman. La película está siendo dirigida por Sylvain White y en ella intervienen Jeffrey Dean Morgan, Zoe Saldana, Idris Elba, Columbus Short, Chris Evans y Jason Patric.
Dark Castle había producido anteriormente varias películas de éxito, comenzando con el gran éxito de taquilla de 1999 “House on Haunted Hill”, a la que siguieron “13 fantasmas (13 Ghosts)” en 2001, “Ghost Ship (Barco fantasma)” en 2002, “Gothika” en 2003 y “La casa de cera” en 2005. Dark Castle ha estrenado recientemente la elogiada película de acción de Guy Ritchie “RocknRolla”, con un reparto coral encabezado por Gerard Butler, Tom Wilkinson, Thandie Newton y Mark Strong.
Anteriormente, “Matrix”, la producción de Silver de 1999, consiguió una recaudación de 456 millones de dólares en taquilla a nivel mundial, más que cualquier otra película de Warner Bros. Pictures en la historia del estudio en el momento de su estreno. Aclamada en todo el mundo por su innovadora narrativa y sus efectos visuales, “Matrix” consiguió cuatro Premios de la Academia, entre ellos el de mejores efectos visuales. El DVD de “Matrix”, el primero en vender un millón de copias, fue fundamental para potenciar las ventas iniciales de reproductores de DVD. La segunda entrega de la trilogía “Matrix”, “Matrix Reloaded”, recaudó más de 739 millones de dólares en taquilla a nivel mundial. Los ingresos en taquilla en el fin de semana del estreno de “Matrix Revolutions”, el último capítulo de la explosiva trilogía, alcanzaron la increíble cantidad de 203 millones de dólares a nivel mundial. Hasta la fecha, la franquicia “Matrix” ha recaudado 3.000 millones de dólares a nivel mundial en todos los formatos.
Mientras supervisaba la producción de “Matrix Reloaded” y “Matrix Revolutions”, Silver produjo el videojuego “Enter the Matrix”, que cuenta con una hora de secuencias adicionales de la película, escrito y dirigido por los hermanos Wachowski y protagonizado por Jada Pinkett Smith y Anthony Wong, que retomaban sus papeles en ambas películas. También fue productor ejecutivo de “The Animatrix”, una innovadora colección de nueve cortometrajes anime inspirados por la visionaria acción y narrativa que impulsan a “Matrix”.
Más tarde, Silver produjo el thriller de acción “V de vendetta”, basado en la popular novela gráfica y protagonizado por Natalie Portman, y el thriller de comedia y acción “Kiss Kiss, Bang Bang”, escrito y dirigido por Shane Black y protagonizado por Robert Downey Jr., Val Kilmer y Michelle Monaghan. También produjo las populares películas “Romeo debe morir”, protagonizada por Jet Li y Aaliyah; “Herida abierta”, protagonizada por Steven Seagal y DMX; y “Operación Swordfish”, protagonizada por John Travolta, Hugh Jackman y Halle Berry.
Silver, también un productor televisivo de éxito, fue productor ejecutivo de la serie de la CBS “Moonlight”, un thriller romántico con un guiño a la leyenda de los vampiros, que recibió el premio People’s Choice a la nueva serie de televisión favorita en su año de estreno. Anteriormente había sido productor ejecutivo de la elogiada serie de televisión de la UPN “Veronica Mars”, protagonizada por Kristen Bell. Silver también fue productor ejecutivo, con Richard Donner, David Giler, Walter Hill y Robert Zemeckis, de ocho temporadas de la premiada serie de la HBO “Historias de la cripta”, así como de dos películas de “Tales From the Crypt”.
Silver comenzó su carrera en la Lawrence Gordon Productions, en la que ascendió al puesto de presidente cinematográfico. Durante su ejercicio, actuó como productor asociado en “The Warriors (Los amos de la noche)” y, con Gordon, produjo “48 horas”, “Calles de fuego” y “Los millones de Brewster”.
In 1985, Silver lanzó su compañía de producción Silver Pictures con el gran éxito “Los millones de Brewster”, a la que siguieron “Jumpin’ Jack Flash (Y arranca la aventura)” y “Depredador”. Silver Pictures consolidó su posición como una de las compañías de producción más importantes de la industria con la serie “Arma letal” y los grandes éxitos de acción “La jungla de cristal” y “La jungla 2: Alerta roja”. Silver también produjo “El último boy scout”, “Demolition Man”, “Niño rico”, “Decisión crítica” y “Conspiración”.
Mucho antes de empezar su carrera como productor, cuando era estudiante en la Columbia High School en Maplewood, Nueva Jersey, en 1967, Silver y un grupo de amigos crearon un juego llamado frisbee. Este trepidante deporte en equipo se ha convertido desde entonces en un fenómeno a nivel mundial, con campeonatos en 50 países.

SUSAN DOWNEY (Productora) es una prolífica productora cinematográfica que ha colaborado con algunos de los talentos más reconocidos de la industria a ambos lados de la cámara. En su larga lista de trabajos figuran títulos que van desde populares películas de acción hasta dramas, comedias y thrillers de terror.
Downey ha producido recientemente varias películas de próximo estreno, entre las que figuran la esperada “Sherlock Holmes”, que se estrenará el día de Navidad de 2009. Dirigida por Guy Ritchie, la película, protagonizada por Robert Downey Jr., Jude Law y Rachel McAdams, es una historia de misterio y acción que lleva a la pantalla grande al legendario detective de Arthur Conan Doyle como nunca antes se había visto.
Además, Downey ha producido el thriller de acción “Whiteout”, dirigido por Dominic Sena y protagonizado por Kate Beckinsale, que se estrenará el 11 de septiembre. También ha producido el thriller de terror “The Factory”, dirigido por Morgan O’Neill y protagonizado por John Cusack, y es productora ejecutiva del drama de acción “The Book of Eli”, protagonizado por Denzel Washington bajo la dirección de Albert y Allen Hughes. Ambas películas se estrenarán en 2010.
Actualmente, Downey está actuando como productora ejecutiva de “Iron Man 2”, la secuela del gran éxito de acción “Iron Man”, que se encuentra en proceso de producción. La película, cuyo estreno está previsto para mayo de 2010, reúne de nuevo al director Jon Favreau con Robert Downey Jr., que retoma el papel titular, y Gwyneth Paltrow como la entregada ayudante del personaje central. También intervienen en el reparto Don Cheadle, Mickey Rourke y Scarlett Johansson.
Anteriormente, Downey había ocupado los puestos de co-presidenta de Dark Castle Entertainment y de vicepresidenta ejecutiva de producción en Silver Pictures. Tras entrar en Silver Pictures en 1999, supervisó el desarrollo y la producción de películas de ambas compañías, entre ellas “13 fantasmas (13 Ghosts)” y “Operación Swordfish”.
En 2002, hizo su debut en la producción como co-productora de “Ghost Ship (Barco fantasma)” y a continuación co-produjo en 2003 “Nacer para morir (Cradle 2 the Grave)”. Más tarde produjo las películas “Gothika” y “La casa de cera”, y también actuó como productora ejecutiva en el aclamado thriller cómico “Kiss Kiss, Bang Bang”.
Más recientemente, Downey ha producido el aclamado drama psicológico “La extraña que hay en ti” de Neil Jordan, protagonizado por Jodie Foster y Terrence Howard, y la elogiada comedia policíaca “RocknRolla” de Guy Ritchie, protagonizada por Gerard Butler, Tom Wilkinson, Thandie Newton, Idris Elba, Chris “Ludacris” Bridges y Jeremy Piven.
Antes de entrar en Dark Castle y Silver Pictures, Downey había trabajado en las populares comedias “Mortal Kombat” y “Mortal Kombat: Aniquilación”.
Downey se graduó en la Escuela de Cine y Televisión de la Universidad del Sur de California.

JENNIFER DAVISSON KILLORAN (Productora) es presidenta de producción en la compañía de producción de Leonardo DiCaprio, Appian Way, en la que supervisa una amplia gama de proyectos cinematográficos. Appian Way está actualmente produciendo el thriller policíaco “Beat the Reaper”, basado en la novela de Josh Bazell; el clásico anime “Akira”; una nueva versión de la intemporal película infantil “La historia interminable”; y “Wolf of Wall Street”, basada en la novela de Jordan Belfort, que narra su ascenso y caída como icono de las finanzas, junto con muchas otras.
En la pequeña pantalla, Killoran actuó como co-productora ejecutiva en la aclamada serie documental “Greensburg”, en la que la ciudad de Greensburg, Kansas, se reconstruyó “ecológicamente” tras ser destruida por un devastador tornado.
Además de trabajar en Appian Way, Jennifer ha sido representante de artistas junto a Rick Yorn durante los últimos 10 años.

LEONARDO DICAPRIO (Productor) es un galardonado actor y ha sido tres veces nominado a los Premios de la Academia. Recientemente ha sido nominado a los Globos de Oro de 2009 como mejor actor por su papel de Frank Wheeler en “Revolutionary Road”. Además, DiCaprio ha creado su propia compañía de producción, Appian Way, en la cual ha escrito, producido y narrado el aclamado documental de tema medioambiental “The 11th Hour”. DiCaprio también produjo “Gardener of Eden” y “Public Enemies”, y fue productor ejecutivo de “El aviador” y “El asesinato de Richard Nixon”.
Consiguió su más reciente nominación a los Oscar en 2007 por su interpretación en el drama “Diamantes de sangre” de Edward Zwick, siendo también nominado a los Globos de Oro y a los premios Critics’ Choice y del Screen Actors Guild (SAG) por su trabajo en dicha película. Ese mismo año, DiCaprio fue nominado a los Globos de Oro, los premios BAFTA, Critics’ Choice y SAG por su papel en “Infiltrados”, ganadora del Oscar a la mejor película, que supuso su tercera colaboración con el director Martin Scorsese. También compartió una nominación a los premios SAG a la mejor interpretación coral con sus compañeros de reparto de “Infiltrados”.
Anteriormente había sido nominado a los Premios de la Academia por su interpretación en la aclamada película biográfica de Scorsese “El aviador” en 2004. Su interpretación de Howard Hughes en dicha película también le valió un Globo de Oro al mejor actor en un drama, así como sendas nominaciones a los premios Critics’ Choice y BAFTA. Además, consiguió otras dos nominaciones a los premios SAG, una como mejor actor y otra a la mejor interpretación coral como parte del reparto de “El aviador”.
El pasado año, DiCaprio intervino en “Red de mentiras” de Ridley Scott y volvió a trabajar con Kate Winslet en ”Revolutionary Road” de Sam Mendes.
Nacido en Hollywood, California, DiCaprio empezó a actuar a los 14 años. Su consagración como actor le llegó cuando el director Michael Caton-Jones lo eligió para el papel de Tobias Wolff en la adaptación cinematográfica de 1993 del drama autobiográfico de Wolff “Vida de este chico”, en la que DiCaprio intervino junto a Robert De Niro y Ellen Barkin. Ese mismo año, DiCaprio co-protagonizó junto a Johnny Depp “¿A quién ama Gilbert Grape?” de Lasse Hallström, consiguiendo sus primeras nominaciones a los Oscar y los Globos de Oro por su interpretación de un joven mentalmente discapacitado. Además, recibió el premio de la National Board of Review al mejor actor secundario y el premio New Generation de la Film Critics Association de Los Angeles por su trabajo en dicha película.
En 1995, DiCaprio intervino en tres películas muy diferentes, comenzando con el western “Rápida y mortal” de Sam Raimi, con Sharon Stone, Gene Hackman y Russell Crowe. También recibió excelentes críticas por su interpretación del drogadicto Jim Carroll en el estremecedor drama “Diario de un rebelde”, y por su retrato del trastornado poeta pansexual Arthur Rimbaud en “Vidas al límite (Total Eclipse)” de Agnieszka Holland. Al año siguiente, DiCaprio intervino en la adaptación cinematográfica de “Romeo y Julieta de William Shakespeare” de Baz Luhrmann, por la que recibió el premio al mejor actor en el Festival Internacional de Cine de Berlín. Además, participó en el reparto estelar de “La habitación de Marvin”, compartiendo una nominación a los premios SAG a la mejor interpretación coral con sus compañeros de reparto, entre los que figuraban Meryl Streep, Diane Keaton y Robert De Niro.
En 1997, DiCaprio protagonizó el gran éxito “Titanic”, por la que fue nominado a los Globos de Oro. La película batió todos los récords de taquilla, consiguiendo 11 Oscars, entre ellos el de mejor película, y sigue siendo la película más taquillera de todos los tiempos. Entre sus posteriores trabajos en cine figuran papeles en “El hombre de la máscara de hierro”; “La playa (The Beach)”; “Celebrity” de Woody Allen; “Atrápame si puedes” de Steven Spielberg, por la que fue nominado de nuevo a los Globos de Oro; y “Gangs of New York”, que fue su primera película para el director Martin Scorsese.
Aparte de su carrera como actor, DiCaprio es conocido por su dedicación a la conservación del medio ambiente a nivel global. Tras crear la Leonardo DiCaprio Foundation en 1998 y posteriormente la LeonardoDiCaprio.org, ha colaborado con otras organizaciones para despertar la conciencia sobre el medio ambiente. La fundación pone particular énfasis en los temas del calentamiento global, las fuentes de energía alternativas y renovables y la conservación de la biodiversidad del planeta. Es miembro de las juntas directivas de la NRDC y de Global Green USA. En 2007 escribió, produjo y narró el aclamado documental de tema medioambiental “The 11th Hour”.
A principios de 2008, la DiCaprio Foundation se unió a la California Community Foundation, y ahora es conocida como The Leonardo DiCaprio Fund at CCF. La fundación continuará apoyando causas medioambientales mediante la concesión de ayudas y la participación activa.

STEVE RICHARDS (Productor ejecutivo) es co-presidente de Dark Castle Entertainment, y lleva quince años trabajando con el productor Joel Silver. Desempeñó un papel fundamental en el desarrollo del plan financiero de Dark Castle y en la creación de la asociación financiera con el CIT Group Inc., que financiará la producción de 15 películas durante los próximos cinco años.
Richards también ha actuado como productor ejecutivo en todas las películas de Dark Castle, entre ellas “Whiteout”, “The Factory” y “The Hills Run Red” de Warner Premiere. Actualmente está trabajando en el desarrollo del thriller de terror “The Summoner”. Fue también productor ejecutivo de “RocknRolla”, “La cosecha”, “13 fantasmas (13 Ghosts)”, “Ghost Ship (Barco fantasma)”, “Gothika” y “La casa de cera”. Durante la creación de Dark Castle en 1999, Richards organizó la financiación y distribución en el extranjero de la primera película de la compañía, el remake de “House on Haunted Hill” de William Castle.
En 1995, Richards entró en Silver Pictures y actualmente es presidente ejecutivo de la compañía. Entre sus películas con Silver Pictures figuran “Kiss Kiss, Bang Bang”, “Matrix Reloaded”, “The Animatrix” y dos entregas de las adaptaciones cinematográficas del juego “Dragones y mazmorras”. Además, después de entrar en Silver Pictures, Richards contribuyó a la creación de Decade Pictures y actuó como productor ejecutivo en “Made Men” y como productor asociado en “Double Tap”.
Richards comenzó su carrera como ejecutivo de producción para la compañía de producción de Tony y Ridley Scott, Scott Free.

DON CARMODY (Productor ejecutivo) lleva produciendo películas desde hace más de 30 años. Como vicepresidente de producción de la Cinepix canadiense (ahora Lionsgate Films), co-produjo las primeras películas de terror de David Cronenberg, “They Came from Within” y “Rabia”, así como la popular comedia “Los incorregibles albóndigas”. Tras fundar su propia compañía de producción en 1980, Carmody produjo los éxitos “Porky’s”, “Porky’s II” y la eternamente popular “Historias de Navidad”, así como “Cazador del espacio (Aventuras en la zona prohibida)”, “Whispers”, “The Big Town”, “Contra toda ley”, “Interferencias” y las películas de Chuck Norris “The Hitman” y “Juntos para vencer”.
Regresó con éxito a la comedia con la serie “Este muerto está muy vivo” y con “The Late Shift” para la HBO, que fue nominada para siete premios Emmy, tres Cable Ace y el Golden Laurel del Producers Guild of America.
En 2002 Carmody co-produjo el popular musical “Chicago”, que consiguió seis Premios de la Academia, entre ellos el de mejor película, tres Globos de Oro, entre ellos al mejor musical o comedia, y el Golden Laurel del Producers Guild of America a la mejor película, así como otros muchos premios y galardones en todo el mundo.
Cuenta en su haber con más de 90 películas, entre las que figuran “Johnny Mnemonic”, “Un mundo a su medida”, “Studio 54”, “El indomable Will Hunting”, ganadora del Oscar, “Juego de confidencias”, la película de culto “Los elegidos. Boondock Saints”, “El tercer milagro”, “Asesino implacable”, “The Whole Nine Yards”, “El juramento”, “Los reyes del crimen”, “Muerte de un ángel”, “El último golpe (Heist)” de David Mamet, “Condenado (City By the Sea)”, “KM. 666”, “Gothika”, “Resident Evil” y “Resident Evil: Apocalipsis”, “Asalto a la comisaría del distrito 13”, “El caso Slevin”, “Silent Hill” y “Outlander”, el pasado año.
Entre las próximas colaboraciones de Carmody con Dark Castle Entertainment de Joel Silver figuran el thriller “Whiteout”, protagonizado por Kate Beckinsale, y “The Factory”, protagonizada por John Cusack. Entre sus restantes próximas películas figuran “Amelia” de Mira Nair, protagonizada por Hilary Swank como Amelia Earhart, y la esperada secuela de “Los elegidos”: “Boondock Saints: All Saints Day”. También está produciendo la cuarta entrega de la serie “Resident Evil” y la secuela de “Silent Hill”, que se estrenarán ambas en 2010.
Combinando su talento para el terror y la comedia, recientemente se ha pasado al mundo del teatro como parte del equipo de producción de la obra del off-Broadway “Evil Dead: The Musical”, una amanerada parodia de las clásicas películas de terror de Sam Raimi “Posesión infernal” y “Terroríficamente muertos”, que se estrenó el pasado Halloween con excelentes críticas.
Carmody, que nació en Nueva Inglaterra, emigró a Canadá con sus padres siendo niño. Se graduó en la escuela de cine de Montreal y ha producido películas en todo el mundo.

MICHAEL IRELAND (Productor ejecutivo) es ejecutivo en la compañía de producción de Leonardo DiCaprio, Appian Way. Antes de trabajar en el cine, Ireland fue el director de desarrollo en la MTV. Se graduó como guionista en la Universidad del Sur de California en 1999.

RICHARD MIRISCH (Co-productor) ha trabajado como co-productor en “La cosecha”, “La casa de cera”, “Gothika”, “Ghost Ship (Barco fantasma)” y “13 fantasmas (13 Ghosts)”, de Dark Castle Entertainment. También trabajó como productor asociado en la premiada película de ciencia-ficción de los hermanos Wachowski “Matrix”, y en la popular serie de la HBO “Historias de la cripta”.
Mirisch comenzó su carrera en el cine trabajando para la Avnet/Kerner Company en “Golpe al sueño americano”, y más tarde fue ayudante del director Paul Brickman en “Men Don’t Leave”.
Graduado por la Universidad de Pennsylvania, Mirisch y su esposa, Belen, tienen una hija, Grace, y esperan otra hija para octubre.

DAVID BARRETT (Co-productor) se ha distinguido por su especial estilo visual y sus rentables producciones. Además de ser el creador y productor ejecutivo de la serie “The Mountain”, ha trabajado recientemente como productor ejecutivo en la reciente película de la NBC “Bionic Woman”, y en “Moonlight” de la CBS. También produjo “E-Ring” para la CBS, y trabajó como supervisor de producción en la popular serie de dicha cadena “Cold Case”, de la que también fue director.
Barrett ha dirigido varias series de televisión, entre ellas “Without a Trace”, “The O.C.”, “Veronica Mars”, “Smallville”, “Life on Mars”, “Eleventh Hour”, “The Mentalist”, “The Cleaner” y “CSI: Nueva York”. Ha trabajado como director de la segunda unidad en las películas “Stigmata”, “Destino final 2” en 2003, y “Terror en la niebla”, así como en la serie de televisión “Gilmore Girls”, y además de su trabajo como co-productor, es director de la segunda unidad en “La huérfana”.
Barrett, que llegó a convertirse en uno de los mejores especialistas de Hollywood, ha creado y ejecutado algunas de las más memorables secuencias de acción en cine y televisión, consiguiendo dos premios Emmy por su trabajo. Ha coordinado las escenas acrobáticas en películas como “Deep Blue Sea” y “Stigmata”, y en televisión en “Crossing Jordan”, “Lizzie McGuire” y “The Agency”, entre otras. Como especialista, ha intervenido en la gran pantalla en películas como “Pelham, uno, dos, tres”, “Matrix Reloaded”, “8 millas” y “Spider-Man”, entre otras muchas.

ERIK OLSEN (Co-productor) comenzó su carrera como ejecutivo en la compañía de producción de Joel Silver, donde contribuyó a llevar a cabo un gran número de películas, entre ellas “Gothika”, “Operación Swordfish” y “Nacer para morir (Cradle 2 the Grave)”. Trabajó como productor ejecutivo en el thriller “La cosecha”, y como productor asociado en “La casa de cera”, que fue su primera colaboración con el director de “La huérfana”, Jaume Collet-Serra.
Olsen también ha trabajado como productor ejecutivo en la película de ciencia-ficción “The Book of Eli”, dirigida por los hermanos Hughes y protagonizada por Denzel Washington, que se estrenará en 2010.

JEFF CUTTER (Director de fotografía) está actualmente trabajando en la nueva versión de la clásica película de terror “Pesadilla en Elm Street”, protagonizada por Jackie Earle Haley en el papel de Freddy Krueger. Cutter hizo su debut en el cine como director de fotografía en “La vida en juego” de Phil Joanou, protagonizada por Dwayne “The Rock” Johnson, después de trabajar durante varios años como ayudante de cámara, así como director de fotografía en trabajos para televisión como “Rhythm City Volume One”, y varios episodios piloto.
Más recientemente, ha trabajado como director de fotografía en la serie “Kings”, como director de fotografía adicional en el thriller de ciencia-ficción “Constantine”, y en el drama “Retratos de una obsesión”.

TOM MEYER (Diseñador de producción) ha recibido recientemente un premio del Art Directors Guild al mejor diseño de producción por su trabajo en la película de televisión “Pu-239”, cuyos productores ejecutivos han sido George Clooney, Steven Soderbergh y Peter Berg. Meyer ha realizado diseños para películas como “Valkiria”, “We Are Marshall”, “Alpha Dog”, “El amor es lo que tiene (A Lot Like Love)”, “Blue Crush (En el filo de las olas)”, “Misión sin permiso” y el cortometraje “Whatever We Do”, producido por Tobey Maguire, que se estrenó en el Festival de Cine de Sundance de 2003. Meyer debutó como diseñador en la comedia policíaca de 2002 “Bienvenidos a Collinwood”, dirigida por Anthony y Joe Russo, y producida por Clooney y Soderbergh. Actualmente está trabajando en la producción de “Jonah Hex”, una adaptación cinematográfica del cómic de Vertigo, que se estrenará en agosto de 2010.
Entre sus trabajos como director artístico figuran “Amor loco, amor prohibido (Crazy Beautiful)” de John Stockwell; el debut de Christopher McQuarrie como director, “Secuestro infernal”; “El cuervo: Salvación”; y “No Vacancy”. También trabajó en la pequeña pantalla en diversos anuncios publicitarios, vídeos musicales y episodios piloto de series.
Empezó su carrera a los 13 años haciendo prácticas en el famoso Actors Studio de Louisville, uno de los teatros regionales más prestigiosos del país. Tras doce años en el mundo del teatro, Meyer trabajó como ayudante de diseño en el Seattle Repertory desde 1993 a 1996, donde diseñó las nuevas producciones de “Jolson Sings Again” de Arthur Laurents, “A Fair Country” de Jon Robin Baitz y “An American Daughter” de Wendy Wasserstein, todas dirigidas por el premiado Daniel Sullivan, así como “Bill Irwin’s Experiments”, “Pretty Fire” y “SubUrbia”.

TIM ALVERSON (Montador) comenzó su carrera como ayudante de producción en la compañía de post-producción de Robert Altman. Nacido en Seattle, Washington, su gran ambición era convertirse en montador de cine, y su primer trabajo en la sala de montaje fue como aprendiz en la película de Alan Rudolph “Songwriter”.
Alverson lleva trabajando más de 25 años como montador, interviniendo en películas como “La cara del terror (The Astronaut’s Wife)”, protagonizada por Johnny Depp, el thriller de Sylvester Stallone “D-Tox”, “La llave del mal” de Iain Softley y el thriller futurista de Doug Liman “Jumper”. Entre sus películas recientes también figuran la premiada “Music Within”, protagonizada por Ron Livingston, y “Dragon Wars”, famosa por sus efectos visuales.

ANTOINETTE MESSAM (Diseñadora de vestuario) ha desarrollado su carrera en cine y televisión, y quizá sus mejores trabajos sean la película “Redemption”, protagonizada por Jamie Foxx, y los telefilmes “Jewel”, protagonizado por Farrah Fawcett y Cicely Tyson, y “Ruby’s Bucket of Blood”, protagonizado por Angela Bassett, así como la antología “Common Ground”.
Su amplia experiencia en el cine y la música le ha permitido desarrollar su innovadora línea de ropa, I Style. Gracias a su reciente trabajo en películas como la popular película independiente “Lie with Me: El diario íntimo de Leila”, se ha mantenido al corriente de las últimas tendencias en la moda, desde la calle hasta la alta costura. Messam también ha trabajado como estilista para productos como el ron Bacardi, la cerveza Miller y Ford, y crea estilos individualizados para los músicos de la EMI Music Canada que se utilizan en todos los aspectos de sus campañas de marketing y publicidad. También ha trabajado como presentadora de televisión y, más recientemente, como directora creativa de una destacada revista sobre moda y estilo de vida.
Entre sus más notables logros figura su reconocimiento como la primera diseñadora de vestuario afro-canadiense. Messam, que nació en Jamaica en el seno de una familia dedicada al mundo de la costura—su madre era una modista especializada en trajes de novia y su abuelo era un famoso sastre—, se graduó en la Academy of Design & Technology de Toronto, Canadá, en la especialidad de tejidos. Esto le llevó a conseguir un trabajo en Asia diseñando telas para zapatos de novia.
En su tiempo libre, Messam es una activa voluntaria, asesorando a los jóvenes que trabajan en la industria de la moda y en el cine. También es muy solicitada como conferenciante, y ha participado como tal en numerosas facultades y universidades, donde su objetivo es llegar a los jóvenes aspirantes a diseñadores de moda.

JOHN OTTMAN (Compositor) ha tenido éxito como compositor de cine y como montador. Recientemente ha compuesto la música, montado y actuado como productor ejecutivo en la película sobre la Segunda Guerra Mundial “Valkiria”. También compuso la música del thriller de ciencia-ficción “Invasión” y de la secuela de la popular película de acción “Los 4 fantásticos y Silver Surfer”, tras haber compuesto la banda sonora para el gran éxito “Los 4 fantásticos”. “La huérfana” supone su segunda colaboración con Jaume Collet-Serra, tras haber trabajado en su debut como director, “La casa de cera”.
Ottman ha tenido una larga asociación con el director Bryan Singer, que se remonta a su debut como co-director en el cortometraje “Lion’s Den”, del que Ottman también fue montador. Recibió un premio BAFTA y fue nominado a los premios Eddie de la American Cinema Editors por su trabajo como montador en la aclamada primera película de Singer como director, “Sospechosos habituales”, para la que también compuso la música. Desde entonces ha trabajado con Singer como compositor y montador en “Verano de corrupción”, “X2” y “Superman Returns (El regreso)”. Actualmente está componiendo la música para la película de ciencia-ficción de dibujos animados “Astro Boy”, que cuenta con las voces de Nicolas Cage y Kristen Bell.
Entre sus restantes trabajos como compositor para el cine figuran “Kiss Kiss, Bang Bang”, “El escondite”, “Cellular”, “Gothika”, “Atrapada (Trapped)”, “Arac Attack”, “Pumpkin”, “Bubble Boy”, “Mandíbulas”, “Incógnito” y “Un loco a domicilio”.
Para la pequeña pantalla ha compuesto la música para las películas de televisión por cable “Point of Origin” y “My Brother’s Keeper”. Al comienzo de su carrera, Ottman consiguió una nominación a los premios Emmy por la música del episodio piloto del remake de 1998-99 de la serie “Fantasy Island”.


WARNER BROS. PICTURES Presents

In Association with DARK CASTLE ENTERTAINMENT

An APPIAN WAY Production