jueves, diciembre 01, 2011

JANE EYRE (adaptación)




ESTE VIERNES SE ESTRENA “JANE EYRE”
Mia Wasikowska y Michael Fassbender protagonizan
la nueva adaptación del clásico de Charlotte Brontë


A CONTRACORRIENTE FILMS estrena este viernes la nueva versión de una de las historias más románticas e intensas de la literatura inglesa.

JANE EYRE está dirigida por Cary Fukunaga y cuenta con uno de los repartos de actores jóvenes con más potencial del momento. El papel de Jane Eyre lo interpreta la actriz Mia Wasikowska, protagonista de “Alicia en el País de las Maravillas” y “Los Chicos están bien”; y en el papel de Edward Rochester encontramos a uno de los actores de moda: Michael Fassbender (“Shame”, “X-Men: Primera Generación” y “Un Método Peligroso”). Completan el reparto: Jamie Bell (“Billy Elliott”, “Las Aventuras de Tintin”), Judi Dench (“Shakespeare in Love”, “Casino Royale”) y Sally Hawkins (“Happy, una historia sobre la felicidad”).

La nueva JANE EYRE se ha convertido en un fenómeno en el Reino Unido de la mano de Universal Pictures con más de 6 millones de euros de recaudación, y en Estados Unidos de la mano de Focus Features con un box office de 11 millones de dólares.


Sinopsis
Jane Eyre huye de Thornfield House, donde trabaja como institutriz contratada por el apuesto y acaudalado Edward Rochester. La aislada mansión, así como la frialdad del Sr. Rochester han puesto a prueba la resistencia y fortaleza de la joven. Pero al reflexionar sobre su pasado, Jane regresará a la mansión para descubrir el secreto que esconde el Sr. Rochester.

Han dicho de ella:

“Perfecta adaptación del clásico de Charlotte Brontë”
“Fantástica química entre Michael Fassbender y Mia Wasikowska”
El País

“El resultado es una película de una belleza formal incontestable y cuya atmósfera (Goldman debería ganar el Oscar por la increíble fotografía del filme) refleja a la perfección las emociones de los personajes de la historia”
El Periódico de Catalunya

“Hermosa.
Un espléndido ejemplo de como transformar un clásico de la literatura en una película”
The New York Times

“¡Un clásico para una nueva Generación!
Mia Wasikowska y Michael Fassbender están magníficos”
Peter Travers-Rolling Stone

“La Jane Eyre de Cary Fukunaga es a la literatura del siglo XIX,
lo que “Cisne Negro” es al ballet”
Box Office Magazine

“Una historia de amor tan inteligente como apasionada”
Elle

miércoles, noviembre 23, 2011

LA LITERATURA EN LAS COSAS (Congreso)


La literatura en las cosas, es un encuentro internacional organizado por la Fundación Tomás Eloy Martínez, la Fundación Carolina y Casa de América, que reúne a un grupo de escritores, periodistas y artistas de Iberoamérica para que conversen sobre la influencia y la presencia de la literatura en diferentes campos del arte y del conocimiento. Este encuentro se inspira en la vocación mixta de Tomás Eloy Martínez, cuya obra está atravesada por variados géneros y temas, marcada por el cruce permanente entre la ficción y la no ficción y por la influencia notable que tuvo en las versiones oficiales de la historia de su país.

Jueves, 24 de noviembre de 2011

LA LITERATURA EN LAS COSAS

Encuentro internacional

PARTICIPAN

Jacobo Bergareche (España)

Jorge Carrión (España)

Ricardo Silva Romero (Colombia)

MODERA

Carolina Martínez (Colombia)

Viernes, 25 de noviembre de 2011

18:00 Conversación

De Moby Dick a The Wire: la literatura en las series de televisión

PARTICIPAN

Martín Caparrós (Argentina)

Doménico Chiappe (Perú)

Claudio López de Lamadrid (España)

MODERA

Gumersindo Lafuente (España)

19:15 Conversación

Escribir para el futuro: la literatura en medios electrónicos y redes sociales

PARTICIPAN

Jorge Drexler (Uruguay)

Daniel Samper Pizano (Colombia)

Xavier Velasco (México)

MODERA

Sara Brito (España)

20:30 Conversación

Letra y música: la literatura en la música

PARTICIPAN

Cristian Alarcón (Argentina-Chile)

Leila Guerriero (Argentina)

Gabriela Wiener (Perú)

MODERA

Guillermo Altares (España)

18:00 Conversación

¿Cómo se renueva el viejo Nuevo Periodismo? La literatura en el periodismo.

PARTICIPAN

Martín Caparrós (Argentina)

Carlos Franz (Chile)

Rodrigo Fresán (Argentina)

MODERA

Ezequiel Martínez (Argentina)

19:30 Conversación

Homenaje a Tomás Eloy Martínez

PARTICIPAN

Martín Caparrós (Argentina)

Carlos Franz (Chile)

Rodrigo Fresán (Argentina)

MODERA

Ezequiel Martínez (Argentina)

Entrada libre hasta completar el aforo.

Plaza de Cibeles, 2. 28014 Madrid. España.

Tel.: 91 595 48 00

sábado, noviembre 05, 2011

EL VELO PINTADO (adaptación)

EL VELO PINTADO
W. SOMERSET MAUGHAM
EDITORIAL LARA, BARCELONA, 1946

- No es justo que me culpes, porque era tonta, frívola y vulgar. A mi me educaron así. Todas mis amigas también lo eran. Me parece que es lo mismo que si culparas a una persona que no tenga buen oído por aburrirse en un concierto sinfónico. ¿Es justo que me culpes porque tú me hayas adornado con unas cualidades que yo no tenía? Nunca intenté engañarte fingiendo algo de que careciera. Yo era solamente bonita y alegre. No creo que se te ocurra pedir un collar de perlas o un abrigo de pieles en el barracón de una feria, sino una trompeta de hoja de lata o un sombrero de papel. Págs. 179, 180.





- No habría hecho falta que a Kitty le dijeran que la Madre Superiora pertenecía a una de las mejores familias de Francia; algo había en su porte que indicaba su rancio abolengo. Tenía la autoridad de aquellos que saben que no pueden ser desobedecidos. En ella se mezclaba la condescendencia de una gran señora con la humildad de una santa. En su bello y enérgico rostro, ajado por las privaciones y sufrimientos, había una apasionada austeridad y, al mismo tiempo, una solicitud y una bondad que permitía a los niños acercarse a ella, alborotando sin ningún temor, seguros de su profundo afecto. Págs. 172, 173.



- Que vous êtes belle, ma chere enfant- dijo la Madre Superiora. Es un encanto mirarla. No me extraña que los niños la adoren.
Kitty enrojeció y, sin saber por qué, las lágrimas inundaron sus ojos. Se cubrió el rostro con las manos.
- Me avergüenza usted, Madre.
- Vamos, no sea tonta. La belleza es también un don de Dios, uno de los más raros y preciosos, y debemos estarle agradecidos si somos tan afortunados al poseerlo y también si no la tenemos, porque otros lo tendrán para nuestra satisfacción. Pág. 201.



- No entiende nada. La vida, verdaderamente, es extraña. Me siento como si hubiera pasado toda la existencia junto a un estanque y, de repente, me encontrara ante un mar. Me espanta un poco y, a la vez, me llena de júbilo. No quiero morir. Tengo la misma sensación de aquellos antiguos marinos que se hacían a la mar en busca de lo desconocido. Creo que mi alma ansía lo ignorado. Pág. 207.



- Sólo hay un medio de ganarse los corazones –dijo lentamente-; haciéndonos dentro de nosotros iguales a aquellos de quienes queremos ser amados. Pág. 239.



- No sé. No sé si, en realidad, importa que sólo busquen una ilusión. Sus vidas, en sí, son maravillosas. A mi me parece que lo único que hace que podamos mirar sin disgusto este mundo en que vivimos es la belleza que de vez en cuando los hombres hacen surgir del caos. Los cuadros que pintan, la música que componen, los libros que escriben… y las vidas que viven. Y de todas esas cosas, la más rica en belleza es la vida. Es la obra de arte perfecta. Pág. 262.


- Quiero que sea una niña, para educarla de modo que no pueda cometer los errores que he cometido yo. Cuando recuerdo qué clase de niña fui, me horrorizo y me hallo odiosa. Pero no fue culpa mía. Voy a educar a mi hija para que se sienta libre y sea capaz de valerse por sí misma. No voy a traer al mundo una criatura para amarla, criarla y educarla y después entregarla a un hombre que se la quiera llevar a cambio de vestirla y alimentarla durante el resto de su vida. Pág. 318.


lunes, octubre 03, 2011

LAS MARISMAS (adaptación)

LAS MARISMAS
ARNALDUR INDRIDASON

Ed. RBA, Barcelona, 2009

- Por alguna razón el hombre empezó a explicar que estaba en medio de una separación matrimonial que tal vez podría convertirse en un asunto policial. La muy zorra le había engañado mientras él estaba de viaje. Un día llegó de Oslo, esa deprimente ciudad, añadió, donde había estado con un antiguo compañero de colegio. Erlendur y Sigurdur Óli se preguntaban qué había sido más deprimente, que su mujer lo engañara o tener que pasar una noche en Oslo. Pág. 31

- Antes Las Marismas era un pequeño pueblo independiente, aquí en medio de Reykiavik –siguió Erlendur-. Las casas se construyeron durante y después de la guerra. Cuando Islandia se convirtió en república, las calles se bautizaron con los nombres de las sagas islandesas: avenida de Gunnar, calle de Skeggi, etc… Aquí se ha reunido una fauna variopinta procedente de todas las capas sociales, desde gente de clase media hasta gente rica, con sus casas señoriales, pasando por gente que no sabe dónde caerse muerta y alquila un sótano barato como éste. Pág. 177

- Uno piensa que no le va a afectar. Uno se cree lo bastante fuerte para aguantarlo todo. Uno piensa que se blinda con los años y que puede ver la suciedad a distancia, como si no fuera con uno, y conservar de esa manera su salud mental. Pero la verdad es que no hay distancia. No hay blindaje. Nadie es lo bastante fuerte. El horror te persigue como un espíritu maligno que se instala en tu mente y no te deja en paz hasta que te parece que esa suciedad es la vida misma, y te olvidas de cómo vive la gente normal. Así son las cosas. Como un mal espíritu que se ha evadido y alborota en tu cabeza hasta que finalmente te convierte en un inútil… Esto son las malditas marismas. Pág. 199

domingo, septiembre 11, 2011

EL NIÑO CON EL PIJAMA DE RAYAS (adaptación)




EL NIÑO CON EL PIJAMA DE RAYAS
JOHN BOYNE
SALAMANDRA, BARCELONA, 2008

• Su hermano se acercó a la ventana y, mientras contemplaba a aquellos cientos de personas que trajinaban o deambulaban a lo lejos, reparó en que todos –los niños pequeños, los niños no tan pequeños, los padres, los abuelos, los tíos, los hombres que vivían en las calles y que no parecían tener familia- llevaban la misma ropa: un pijama gris de rayas y una gorra gris de rayas.
- Qué curioso- murmuró, y se apartó de la ventana. Pág. 44


• Pero mientras lo pensaba, sus piernas, que no paraban de moverse, lo iban acercando más y más a aquel punto, que entretanto se había convertido en una manchita y empezaba a dar muestras de convertirse en un borrón. Y poco después el borrón se convirtió en una figura. Y entonces, a medida que Bruno se acercaba más, vio que aquella cosa no era ni un punto ni una manchita ni un borrón ni una figura, sino una persona. Y que aquella persona era un niño. Pág. 106

• El Furias y Eva estuvieron dos horas en la casa, y no llamaron a Gretel ni a Bruno para que bajaran a despedirse. El niño los vio marchar desde la ventana de su dormitorio; se dirigieron hacia un coche conducido por un chófer, algo que impresionó mucho a Bruno, que se fijó en que el Furias no abrió la puerta a su acompañante sino que se montó en el vehículo y se puso a leer el periódico, mientras ella volvía a despedirse de Madre y le daba las gracias por la agradable velada. “Que hombre tan horrible”, pensó Bruno. Pág. 124

• Muy lentamente, volvió la cabeza y miró a Shmuel, que ya no lloraba sino que tenía los ojos fijos en el suelo; parecía tratar de convencer a su alma para que saliera de su cuerpecito, flotara hacia la puerta y se elevara por el cielo, deslizándose a través de las nubes hasta estar muy lejos de allí. Pág. 171

• Bruno sintió ganas de abrazar a Shmuel y decirle lo bien que le caía y cuánto había disfrutado hablando con él durante todo ese año. Por su parte, Shmuel sintió ganas de abrazar a Bruno y darle las gracias por sus muchos detalles, por todas las veces que le había llevado comida y porque iba a ayudarlo a encontrar a su padre. Pero ninguno de los dos abrazó al otro. Pág. 206

sábado, agosto 20, 2011

DÉJAME ENTRAR (adaptación)




DÉJAME ENTRAR
JOHN AJVIDE LINDQVIST
(Trad. Gema Pecharromán)
Ed. Espasa Calpe, Madrid, 2008




- La euforia de los cazadores era de los otros; el terror de la víctima, suyo. Pág. 16

- Pobres de las personas que están solas en un mundo sin belleza… Alguna compañera que estaba embarazada. Un chico que no asumía su responsabilidad. Así estaban las cosas. Continuamente. Todos pensaban nada más que en sí mismos y en lo suyo. “Mi” felicidad, “mi” éxito era lo único que se oía. Amor es poner la vida a los pies del otro, y de eso son incapaces las personas de hoy día. Pág. 25

- Esto es Suecia. Cógete una silla y ponla en la acera. Siéntate en la silla y espera. Si esperas suficiente llegará alguien a darte dienro. O a hacerse cargo de ti de alguna manera. Pág. 154

- Él se quedó mirándole la nuca. ¿Qué es lo que pasa? Aquel pensamiento ya se le había ocurrido a Oskar abajo, en el sótano, cuando estuvo recogiendo las botellas y se secó la sangre de la mano con un trozo de tela del cuarto de la basura, que Eli era una vampira. Eso explicaba un montón de cosas. Que nunca saliera de día. Que pudiera ver en la oscuridad, cosa que él sabía de sobra que podía hacer. Además de un montón de cosas: la manera de hablar, el cubo, la agilidad, cosas que sin duda podían tener una explicación natural… pero es que, además, estaba la forma en que había chupado la sangre del suelo, y lo que realmente le congelaba las entrañas cuando pensaba en ello: ¿Puedo entrar? Dime que puedo entrar. Pág. 215

- Lacke la vio cuando con sus últimas coronas se compró un paquete de Prince rojo en el kiosco del Amante, de camino a casa de Gösta. Había estado durmiendo toda la tarde y se sentía como Raskolnikov: el mundo: el mundo era borrosamente irreal. Echó una ojeada a la instantánea de la oveja y asintió para sí. En su estado actual no le parecía raro que la policía se dedicara a detener ovejas. Pág. 307

jueves, julio 07, 2011

HARRY POTTER... FINAL (pressbook)




“Harry Potter and the Deathly Hallows – Part 2,” is the final adventure in the Harry Potter film series. The much-anticipated motion picture event is the second of two full-length parts.
In the epic finale, the battle between the good and evil forces of the wizarding world escalates into an all-out war. The stakes have never been higher and no one is safe. But it is Harry Potter who may be called upon to make the ultimate sacrifice as he draws closer to the climactic showdown with Lord Voldemort.
It all ends here.

“Harry Potter and the Deathly Hallows – Part 2” stars Daniel Radcliffe, Rupert Grint and Emma Watson, reprising their roles as Harry Potter, Ron Weasley and Hermione Granger. The film’s ensemble cast also includes Helena Bonham Carter, Robbie Coltrane, Warwick Davis, Tom Felton, Ralph Fiennes, Michael Gambon, Ciarán Hinds, John Hurt, Jason Isaacs, Matthew Lewis, Gary Oldman, Alan Rickman, Maggie Smith, David Thewlis, Julie Walters and Bonnie Wright.
The film was directed by David Yates, who also helmed the blockbusters “Harry Potter and the Order of the Phoenix,” “Harry Potter and the Half-Blood Prince” and “Harry Potter and the Deathly Hallows – Part 1.” David Heyman, the producer of all of the Harry Potter films, produced the final film, together with David Barron and J.K. Rowling. Screenwriter Steve Kloves adapted the screenplay, based on the book by J.K. Rowling. Lionel Wigram is the executive producer.
Behind the scenes, the creative team included director of photography Eduardo Serra, production designer Stuart Craig, editor Mark Day, visual effects supervisor Tim Burke, special effects supervisor John Richardson, and costume designer Jany Temime. The music is composed by Alexandre Desplat.
Warner Bros. Pictures presents a Heyday Films Production, a David Yates Film, “Harry Potter and the Deathly Hallows – Part 2,” which marks the last installment in the most successful film franchise of all time.
“Harry Potter and the Deathly Hallows – Part 2” is the first Harry Potter film to be released in both 3D and 2D. Concurrently with its nationwide theatrical distribution, the film will be released in select IMAX® theatres. The film has been digitally re-mastered into the unparalleled image and sound quality of The IMAX Experience® through proprietary IMAX DMR® technology.
The film will be distributed worldwide by Warner Bros. Pictures, a Warner Bros. Entertainment Company.




ABOUT THE PRODUCTION

“You’re a Wizard, Harry.”

Ten years ago, those four words signified the beginning of the extraordinary cinematic journey of a boy whose name became synonymous with magic: Harry Potter. Over the next decade, the film franchise that bears his name changed movie history while also changing the lives of its multi-generational ensemble cast and the filmmakers who devoted themselves to bringing J.K. Rowling’s seven-volume literary masterpiece to the screen.
Commencing with 2001’s “Harry Potter and the Philosopher’s Stone” and culminating with the two-part adaptation of the final title, “Harry Potter and the Deathly Hallows,” the films have become the top-grossing franchise of all time, capturing the imagination of audiences around the world. Additionally, both the books and the movies have been woven into our culture, adding words like Muggle, Quidditch, Hogwarts and even Expelliarmus! to the global lexicon.
David Heyman, who, in 1997, discovered the as-yet-unpublished Harry Potter manuscript and has produced all of the movies, acknowledges, “I could never have imagined when we embarked on the first film the level of response from audiences through the years. It’s been beyond my wildest dreams, so I look back on it with great pride and with gratitude, for the fans and especially for Jo Rowling.”
Collectively, the Harry Potter movies were an unprecedented undertaking for all involved—no other motion picture series had ever followed a linear story surrounding the same characters over the course of eight full-length features.
Producer David Barron notes, “It really has been unique, but it was entirely dependent on having rich enough source material, and that, of course, began with the books.”
Creatively, states author and producer J.K Rowling, the single thread of the story was very much by design. “I had a very, very clear idea of where Harry was going to go. This was just one story that I wanted to tell. For me, that was key if the books were ever going to be made into films; it had to be done that way. When I met David Heyman, he completely understood.”
Rowling found another invaluable collaborator in screenwriter Steve Kloves, who has adapted six of the seven books. “Steve really got the books,” she says, adding, “I was always accepting of the fact that changes must occur in the process of moving from the page to the screen. But even the scenes that were different were always very true to the spirit of the books.”
Kloves remarks, “We had one cohesive, bracing tale that literally had no end when we began, since only the first three books had been published. Although that sometimes made for challenging circumstances, my instincts were pretty true. But in those instances when I was in need of assistance, I had an ally whose counsel I felt was reasonably sound: Jo,” he deadpans. “While she was never explicit, she was always available and highly adept at gently nudging me in the right direction. In the end, one principle proved pretty reliable: follow the characters.”
Director David Yates says, “In following the characters, many of the values that Jo celebrates in the books come to the fore in the films—the value of loyalty and love and friendship and understanding versus intolerance and evil.”
“The power of love is a huge theme throughout the books and the films, as well,” Rowling adds. “There are lots of different kinds of love expressed over the course of the story, but friendship is probably the strongest form of love that you see in the movies.”
The love between friends is embodied most in the characters of Harry Potter, Ron Weasley and Hermione Granger. They were portrayed by three young actors who literally grew up on the screen: Daniel Radcliffe, Rupert Grint and Emma Watson.
Radcliffe relates, “I couldn’t even attempt to sum up what the role of Harry Potter has meant to me, but I can say that I never took the opportunity to play him lightly. It may have been the same character, but like anyone else, Harry changed a lot over the years so, as an actor, I looked at each film as an opportunity to do something fresh and to develop another set of skills.”
“I feel very privileged to have played Hermione,” says Watson. “I think she’s someone young girls can look up to because she’s always true to herself. She’s very smart and an incredibly courageous and loyal friend who keeps a cool head in extremely difficult situations. It was wonderful to be able to bring across those elements of her personality throughout the films.”
“I know I’ll miss playing Ron because there was a time when I was him more than I wasn’t him,” Grint laughs. “And I really liked the development of his character. He started out as a kid who was quite easily scared and it was nice to see him grow up to be brave and resourceful, particularly in this last movie where they are in such an unpredictable and dangerous place.”
Heyman notes, “Over the course of these films, we’ve truly had the who’s who of British acting royalty on our stages, which was tremendous. But watching our young cast grow into fine actors and fine people has been one of the great joys of working on the Harry Potter films. We’re incredibly proud of them.”
Audiences have also watched all of the young characters in Harry Potter go from childhood to adulthood and, as they have matured, so have the stories. “It’s about engaging the imagination because those are ‘muscles’ that also need to be developed as a child grows up,” says Alan Rickman, who has played the enigmatic Professor Severus Snape in all of the movies. “In order for that to happen properly, there have to be some big themes to think about. What’s right and what’s wrong? Who do I trust and who don’t I? What does it mean to be brave…and what does loyalty mean? It’s all in there.”
With each successive title, the stakes were raised and the dangers amplified as Lord Voldemort returned and now reigns.
In “Harry Potter and the Deathly Hallows – Part 2,” the young wizards are now on the front lines of a world at war. Heyman declares, “This is the final battle for Hogwarts, the final battle for the wizarding world and—something we’ve been building towards throughout this series—the final conflict between Harry and Voldemort.”
Yates says, “It was important to end the series with an epic finale, so we have battles and dragons, spiders and giants...but at heart, this is a story about the characters. Spectacle is important, but caring about the people in the middle of it is what pulls the audience into the journey with them.”
“There’s a lot more action, but the emotional core of the story has always been what these movies are about, and we would never want to overshadow that,” Barron says.
Heyman agrees. “The all-out war between good and evil is thrilling, but there is still an emotional underpinning. And because we’ve been invested in these characters for so long, it feels there is much more at stake.”
The climactic conclusion of the story reveals some surprising new facets of several beloved characters. Yates affirms, “One of the most interesting things about the way this story unfolds is that the line separating the forces of darkness and light is blurred and we see that certain people are more complex than they first appeared,” adds Yates.
“All of the characters—Harry included—are flawed,” Rowling adds. “We don’t have one wholly good or wholly bad person…with the exception of Voldemort. He is wholly evil. There are no redeeming qualities there,” she smiles.
The final film brings the characters back to some familiar places, including the now-iconic Hogwarts School of Witchcraft and Wizardry, which was not seen at all in “Part 1,” marking a first for the series. Conceived by Rowling and realized by production designer Stuart Craig, Hogwarts has been a home, a headquarters and a haven to its students and faculty.
But it is about to become a battlefield.

“If it’s true what you say, that he has the Elder Wand,
I’m afraid you really don’t stand a chance.”

“Harry Potter and the Deathly Hallows – Part 2” begins where “Part 1” ended: with a theft that will have lasting repercussions. The stone crypt of Albus Dumbledore is desecrated and a distinctively shaped wand is taken from the late headmaster’s hands. With triumphant malice, the thief—Lord Voldemort himself—raises the Elder Wand high into the air, sending lightning bolts into the swirling dark clouds above.
As legend has it, the Elder Wand is one of the titular Deathly Hallows—along with the Resurrection Stone and the Invisibility Cloak—which together provide one with mastery over Death. Each has valuable properties of its own, with the Elder Wand said to be the most powerful wand in existence.
Ralph Fiennes, who once again portrays the Dark Lord, offers, “Voldemort is under the belief that whoever possesses the Elder Wand would have supremacy, but it’s more complicated than that, much to his frustration.”
Voldemort had learned of the Elder Wand from Mr. Ollivander, whom he tortured into revealing its location. The expert wand maker warns Harry that if Voldemort does have the Elder Wand, Harry has no chance against him. But the added threat won’t deter Harry Potter from his mission—to find and destroy the remaining Horcruxes, items in which the Dark Lord has embedded pieces of his soul in his quest for immortality. Three have been destroyed, four remain, but as long as even one survives, the Dark Lord cannot be defeated.
Yates comments, “At the beginning of ‘Part 2,’ Harry is a man rather than a boy and is ruthlessly sure of his task. He needs to kill Voldemort. He knows he must be the one to finish it and he is determined to see it through.”

“Even amongst goblins, you’re famous, Harry Potter.”

A clue as to the whereabouts of another Horcrux comes from someone else Harry first met on Diagon Alley all those years ago: a goblin named Griphook, who works at Gringotts Bank.
Warwick Davis, who had actually provided the voice of Griphook in “Harry Potter and the Philosopher’s Stone,” returns to portray the character in the final film. Davis is also known to audiences as Hogwarts’ Professor Filius Flitwick and says that playing both roles “really allowed me to stretch my acting muscles because the two characters are poles apart. Flitwick is a wizard and quite a warm character, whereas Griphook is a goblin who thinks wizards are untrustworthy. Then again, it’s Griphook who tries to manipulate the situation to his own advantage. If you encounter a goblin, beware,” he grins. “They’re very selfish and will do anything to get their way.”
Griphook tells Harry that there is a duplicate of the sword of Gryffindor in Bellatrix Lestrange’s vault at Gringotts Bank, although, unbeknownst to her it is a counterfeit and Harry is in possession of the real one. The goblin divulges that it is only one of many objects in Madame Lestrange’s vault and Harry suspects that the vault of a trusted Death Eater might be the perfect place to hide a Horcrux.
“Basically, they have to pull off a bank heist,” Yates says. “They need to break in to see if there’s a Horcrux in Bellatrix’s vault. If they find it and destroy it, they are one step closer to killing Voldemort. But robbing Gringotts is not going to be easy, to say the least. There are a number of obstacles in their way.”
Griphook agrees to help them get into Gringotts for a steep price: the sword of Gryffindor. Gaining entry to Bellatrix’s vault is another matter. With the aid of some Polyjuice Potion, they will be accompanied by Madame Lestrange herself—or rather Hermione Granger in the guise of Bellatrix.
Since her introduction in “Harry Potter and the Order of the Phoenix,” one of the hallmarks of Bellatrix Lestrange has been how utterly mad she is, and Helena Bonham Carter had always reveled in the boundless nature of her character. Portraying Hermione pretending to be Bellatrix, however, required a few definite boundaries. Bonham Carter attests, “It’s not actually Bellatrix; it’s Hermione’s version of Bellatrix. They are total opposites so it was good fun because it gave me another texture to play.”
Capturing the dichotomy involved the collaboration of Bonham Carter, Yates and the person who knows Hermione better than anyone: Emma Watson.
Yates recalls, “We had a big rehearsal session where Emma basically did the scene, demonstrating how she would walk and how she would say her lines and we videotaped it so Helena could incorporate that into her performance.”
Bonham Carter adds, “Emma and I discussed the scene at length and she gave me terrific bullet points, which became my Hermione guidebook.”
“One of the things I really wanted Helena to get across is how awkward the whole experience is for Hermione,” Watson observes. “She is very uncomfortable because, for one thing, Hermione is somewhat prudish and Bellatrix is wild and goes around in a leather corset. And Bellatrix is evil and arrogant while Hermione is a good person, so being mean and demanding to everyone doesn’t come naturally to her at all.”
With Ron disguised as a Death Eater, and Harry and Griphook hidden beneath the Invisibility Cloak, the group makes their way into Gringotts, where rows of goblin bank tellers barely look up from their ledgers.
For the Gringotts sequence, Davis did double duty, not only acting but casting. He explains, “I represent actors under five feet tall, so the filmmakers came to me and asked me to help them find more than 60 people to play goblins, who could also handle the extensive prosthetics. We had actors come in from all over Europe, so it was like the United Nations of goblins.”
Turning dozens of actors into goblins also entailed a multilateral effort from special make-up effects designer Nick Dudman and his team. They began by sculpting the goblin faces, with the caveat that no two could be identical. Dudman confirms, “We had to carefully monitor the designs so they wouldn’t look alike because we wanted to make them each individual. We then mass produced all the prosthetic pieces, but every one had to be hand-painted and the hairs of the eyebrows had to be placed one-by-one into the silicone. It’s incredibly labor intensive.”
An assembly line of approximately 170 make-up artists was recruited to apply the goblins’ make-up, which took as long as four hours per goblin. In order to ensure that each one was done according to Dudman’s specifications, he ran a three-day workshop, training a multi-national team to apply the make-up over and over again until he felt they were accurate. Nevertheless, Dudman emphasizes, “Nobody left that room without me checking them.”
Since the goblins were bankers, costume designer Jany Temime and her department dressed them all very conservatively in three-piece pinstripe suits, each of which was specially made.
The Gringotts scene in “Philosopher’s Stone” was actually shot on location, with the Australian Embassy doubling for the wizard bank. That location was not an option for “Deathly Hallows – Part 2,” as the action would result in a considerable amount of destruction. The Gringotts Bank set was instead constructed in the flight shed at Leavesden Studios.
Stuart Craig, who has served as the production designer on all of the Harry Potter films, saw it as an opportunity to improve on the bank design, making it bolder while staying true to the spirit of the original. “This is a magical bank, so we wanted it to look very traditional but to exaggerate it. There is more polished marble than you could ever imagine—marble floors, marble walls, marble columns, marble counters. It’s all faux, but it looks amazing. And we had fun with the goblins being imperiously perched on their very high stools at their very high desks looking down on their customers. We also made three enormous chandeliers because it was impossible to find any that were big enough for our needs.”
Through a combination of subterfuge and magic, Harry, Hermione and Ron trick their way down to the Gringotts vaults, which are located in a vast cavern beneath the building. It can only be accessed via a cart that careens along a spiraling track akin to that of a roller coaster…and at similar speeds, albeit without the safety restraints. Special effects supervisor John Richardson recounts, “We built the cart from the ground up based on Stuart Craig’s designs. Unlike most vehicles, where we had multiple versions, there was only one cart, so it had to be able to be attached to different rigs as well as be mounted on the track, enabling it to move up and down and tilt side to side.”
At the cavern’s deepest level, Harry, Ron and Hermione are faced with the bank’s maximum security system—a giant, fire-breathing dragon that is as much a prisoner as it is a guard. The fearsome winged dragon was the latest creature rendered through CGI by the visual effects team, headed by Tim Burke.
With Griphook disclosing the dragon’s vulnerability, the group manages to evade it and get to Bellatrix’s vault. The door opens to reveal an inestimable fortune in gold coins and various artifacts. But Bellatrix has instituted one final security measure: a Gemino curse, which causes every object they touch to sprout unlimited multiples of itself. Sensing the presence of a Horcrux—Helga Hufflepuff’s cup—Harry has seconds to get it and get out before they are all crushed under the mounting treasure trove.
Working within the limited space constraints, Richardson’s team crafted a series of scissor lifts that rose up to give the illusion of the treasure mounting. The props department, led by property master Barry Wilkinson and supervising modeler Pierre Bohanna, molded more than 200,000 golden coins and thousands of other items to fill the vault. Visual effects were then utilized to reproduce each item, exactly and exponentially.
Once Harry, Ron and Hermione have the Horcrux in hand, it will take a combination of ingenuity and compassion to escape Gringotts. But greater perils await the trio, who find themselves alone again with no turning back.
“Ultimately,” states Radcliffe, “they all know the reason they are on this journey, and it’s bigger than any one of them, or all three of them, or even their friends and families. For these 17 year olds to have the maturity and courage to recognize that what’s at stake is more important than any of their individual lives is quite impressive, and I also think it’s what makes it a very moving story.”

“The boy has discovered our secret, Nagini.”

Harry Potter’s singular connection with Lord Voldemort has caused the young wizard fear and pain, but it has also provided him with a unique insight into the mind of the Dark Lord. Now it is showing him that Voldemort knows what they have been up to. Worse, instead of weakening him, the destruction of each Horcrux has made him like a wounded animal…desperate and even more dangerous.
Yates offers, “When Voldemort discovers that Harry has been hunting Horcruxes, he realizes for the first time that he might be vulnerable and we see him start to fragment, not physically as much as internally.”
“Something essential is ripped out of Voldemort every time a Horcrux is destroyed and David encouraged me to play those scenes as if he’s imploding,” Fiennes recalls. “David was fantastic; there wasn’t one shot—even those that would only be seen for a fraction of a second—where he didn’t try to mine every aspect of what’s going on within Voldemort, and I really valued that.”
The director says, “Ralph and I both wanted to explore Voldemort’s fear, his anger—all the things that make him the monster he is.”
Speaking from an effects standpoint, Tim Burke shares that they wanted the eradication of each Horcrux to have a physical manifestation. “We needed to represent the evil of Voldemort with dark and disturbing images that really tap into people’s subconscious fears.”
From the time Voldemort was resurrected onscreen in “Harry Potter and the Goblet of Fire,” visual effects were employed to complete his serpentine visage. Burke details, “We used a process called digital prosthetics, where we took away a few of Ralph’s features and added the snakelike qualities like the slits for his nostrils. All of the nuances of his expressions had to be tracked in every single frame where Voldemort appears, and that’s no small feat.”
In a more literal sense, the visual effects team also brought to life the actual snake, Nagini, who is never far from Voldemort’s side. Fiennes says, “He is very tender with her. It is quite possibly the most intimate relationship he’s ever had, like a fellow spirit.”





“You’re Aberforth. Dumbledore’s brother.”

Through Voldemort’s eyes, Harry also gleans that another Horcrux lies within Hogwarts School of Witchcraft and Wizardry. Rowling says, “It makes complete sense that Voldemort would have hidden a Horcrux at Hogwarts since he mostly hid them in locations that were significant to him, and Hogwarts was once his home. That’s a major thing he and Harry have in common—for both of them, Hogwarts had been a place of refuge.”
However, the place that had once been a safe haven for Harry is now enemy territory, with Death Eaters in control of the school and Dementors patrolling the perimeter. Returning to Hogwarts will put him and everyone there at tremendous risk, but it is a risk he must take.
Harry, Ron and Hermione will have to sneak in through a secret passage in Hogsmeade. But the instant they apparate into view, alarms start to blare. The trio are about to be cornered when a door opens and a seemingly familiar figure ushers them inside. For an instant, they almost believe it is the late Professor Albus Dumbledore, but their rescuer is soon revealed to be his estranged brother, Aberforth.
Joining the Harry Potter ensemble, Ciarán Hinds was cast as Aberforth Dumbledore, whose lingering resentment towards his brother stems back to events in their youth. Hinds elaborates, “There was a friction between them because of choices Albus made to the detriment of their little sister, Ariana. And it would appear from the way Aberforth speaks of him that he just wasn’t ever able to move on from that.”
Although the filmmakers did not want Hinds’ Aberforth to look identical to Michael Gambon’s Albus, Dudman and make-up designer Amanda Knight collaborated to give the brothers a strong family resemblance





“Snape knows. He knows that Harry was spotted…”

Harry’s steadfastness proves more potent than Aberforth’s rancor. He relents and sends for help, which comes in the form of an old friend: Neville Longbottom, played again by Matthew Lewis. Though they are thrilled to be reunited with their Gryffindor housemate, Harry, Ron and Hermione are stunned by the obvious abuse to which Neville has been subjected. It is their first indication of just how much things have changed at their school, which also has a new headmaster, Severus Snape.
“Hogwarts is a shadow of its former self,” Heyman relates. “The Death Eaters have taken charge and any infraction of their rules is met with considerable brutality.”
“It’s become a pretty grim place, more like a prison than a school of magic,” says Yates, who adds that he and cinematographer Eduardo Serra applied a distinct shooting style in order to set the tone. “We incorporated a specific palette of colors: blues and cooler tones that were muted. These developed into warmer and more operatic yellows and reds—the color of fire, the color of blood… There are sections of Part 2 that I wanted to feel like a war movie on an epic scale.”
Guided by Neville through a hidden tunnel, Harry, Hermione and Ron arrive at Hogwarts, where they are met with an eruption of joy and relief by many of their old friends, including Luna Lovegood (Evanna Lynch), Cho Chang (Katie Leung), Seamus Finnigan (Devon Murray) and Dean Thomas (Alfie Enoch). There is also a sense of hope that Harry’s homecoming signals the start of a new rebellion for Dumbledore’s Army. “His very presence inspires them,” Barron states. “It gives them confidence that they are not alone.”
For the time being, Harry needs their help to piece together the clues to the whereabouts of a Horcrux, which he knows has something to do with Rowena Ravenclaw. Luna and Cho, both Ravenclaws, surmise that it could be Rowena’s lost diadem, which they define as a kind of tiara…and which no one alive has ever seen. Before Harry can act on the information, Ginny Weasley rushes in and, checking her own elation at seeing Harry, tells them that Harry has been spotted…and Snape knows.
Bonnie Wright reprises the role of Ginny, whose relationship with Harry Potter has grown from a schoolgirl crush to a full-fledged romance. “In that instant they are reunited and the bond between them is obvious, but there is no time for them to connect because everything is moving so fast,” she notes. “And Ginny understands he has greater responsibilities, which is part of what drew Harry to her. She doesn’t see him as ‘the Chosen One’; she sees him as Harry. I loved taking Ginny from a very shy little girl to this confident young woman.”
Snape has summoned everyone to the Great Hall, which is now cold and gray, in stark contrast to the welcoming warmth of years past. Gone are the long tables filled with sumptuous foods, and the glowing light from suspended candles. Instead of the boisterous gathering of classmates, the students march silently in tight rows, grouped according to their houses. In this instance, however, the close formation provides the perfect camouflage for a bespectacled young man with a telltale scar.
As the inscrutable Professor Snape, Alan Rickman, with his trademark deliberate delivery, warns the assembled students that anyone caught helping Harry Potter would be dealt with…severely. Yates remarks, “The way Alan not only uses words but the space between words is completely delicious. I’ve never worked with an actor who’s delivered lines as slowly as Alan,” the director quips, “but he makes you hang on every word, every pause, every breath because you can’t wait to hear what’s coming next.”
“Some of it is just handing yourself over to the material,” says Rickman. “Jo laid out such a sure road map. We see what Snape’s hair is like and what he wears: he’s got only one set of clothes, clearly,” he laughs. “We know he lives a solitary existence. We’re told he never really raises his voice. It’s about an explosive energy…but a contained one.”
Snape’s words have barely left his mouth when Harry steps out to confront the man he saw kill Professor Dumbledore and then had the audacity to take his place. Harry’s daring mobilizes both his friends and his teachers, including Professors McGonagall and Flitwick. And in the doorway stands Remus Lupin (David Thewlis) and Kingsley Shacklebolt (George Harris), as well as members of the Weasley clan: parents Molly (Julie Walters) and Arthur (Mark Williams), twins Fred and George (James and Oliver Phelps), and newlyweds Bill and Fleur (Domhnall Gleeson and Cleménce Poésy). On the heels of the Chosen One’s return, the surviving members of the Order of the Phoenix have risen to make their stand against the forces of the Dark Lord.
Maggie Smith reprises the part of Minerva McGonagall, who steps between Snape and Harry and engages in a fiery wand duel with her former colleague. “Maggie is a world-class actress, who makes the most of every line and every scene she’s in. I loved getting to work with her again,” says Yates.
Snape retreats in dramatic fashion, but the celebration is short-lived as Lord Voldemort makes his omnipresence known. With war looming on the horizon, McGonagall casts a spell that summons all of Hogwarts’ forces to defend the castle, magically bringing to life the stone sentries that have stood silent watch for years. The once-inanimate soldiers were designed and sculpted by Stuart Craig’s art department, and then animated via visual effects.
Tim Burke’s VFX team was also responsible for creating the wand-generated force field, which he says was inspired by jellyfish. “Jellyfish have amazing structures, yet appear translucent and often emit phosphorescent light. We used this inspiration for our wand effect, which helped give it an organic feel.”
The wizards know the force field won’t hold off the combined onslaught of the Death Eaters for long, but it will buy them enough time for Neville, Seamus and Ginny to rig a booming reception for the invaders. And it will give Harry time to continue his mission. “Because,” as Heyman asserts, “if he doesn’t find the remaining Horcruxes, there is no hope of victory.”





“If we die for them, I’m gonna kill you, Harry!”

As the battle escalates, Harry, Hermione and Ron split up—with Harry searching for the Horcrux, and Hermione and Ron going after the means to annihilate it. The sword of Gryffindor, which they used to destroy Salazar Slytherin’s locket in “Part 1,” was lost to them at Gringotts, but Ron has a revelation. Rupert Grint clarifies, “He has the idea to use a Basilisk fang to destroy the Horcruxes, they way Harry did with Tom Riddle’s diary in the Chamber of Secrets.”
The Basilisk was killed, but his skeleton—with fangs intact—remains. Ron and Hermione make their way down to the Chamber, the design of which was unchanged from the series’ second film, with one addition: the skeleton of the long-dead Basilisk, which was specially sculpted by Nick Dudman’s department.
Pulling out one of the fangs, Ron hands it to Hermione, who, with a bit of bolstering, stabs it into the cup, which spews a torrent of anger and terror that leaves them drenched and breathless. Without a word, they fall into each other’s arms for the kiss that fans have been awaiting.
It was a moment Grint and Watson had also been anticipating, albeit for different reasons. “Because I’ve known Emma since we were little kids, I thought it would feel weird,” Grint admits. “No disrespect to Emma, who is obviously lovely, but I just couldn’t imagine it. I got quite nervous about it the more I built it up in my head.”
As it turns out, Watson shared his anxiety. “The fact that Rupert and I have such a strong friendship is actually what made it a bit uncomfortable,” she confides. “If you’ve grown up with someone who is literally like a sibling to you and are then put in a situation where you have to kiss them, in a romantic sense, it’s really awkward.”
Understanding their concerns, David Yates did not tell them when they would be filming the kiss until the evening before and then gave each a bit of directorly advice. “I told them just to forget Rupert and Emma and let Ron and Hermione take over. They totally committed to it, and it was charming…absolutely smashing.”
Meanwhile, Harry is rushing to the Ravenclaw Common Room when he is stopped in his tracks by Luna Lovegood, who shows a rare forceful side of her personality. Evanna Lynch says, “Harry is thinking he doesn’t have time for any of Luna’s crazy theories, but she has something imperative to tell him. When he won’t listen, she gets frustrated and yells at him, which he doesn’t expect from Luna.”
Reminding him that no one alive has seen Rowena Ravenclaw’s diadem, Luna sends Harry to see the one person, or rather ghost, who might be able to help him. Kelly Macdonald appears as Ravenclaw Tower’s legendary Gray Lady, who is actually the ghost of Rowena’s daughter, Helena. Unwilling to tell Harry outright where the diadem is, she presents him with a riddle, the answer to which sends him running to the Room of Requirement, where the Horcrux is hidden amongst what looks like centuries’ worth of discarded furniture, books, and myriad other random artifacts.
Craig describes, “The Room of Requirement occupied one of our biggest spaces—some 200 feet by 300 feet—and was filled from floor to ceiling with furniture and all sorts of objects of every shape and size. Set dresser Stephenie McMillan and her people were buying used furniture for months and months prior to filming—just an amazing amount of things.”
Green screens bordered the set, which would allow the visual effects team to expand the space and add to the sheer volume of items, in keeping with David Yates’ edict to make the room feel “like a mountain range of stuff.” The director affirms, “It needed to feel like it stretched on forever, beyond the horizon.”
Mixed in amongst the piles are specific articles that eagle-eyed Harry Potter film fans might recognize. McMillan says, “We recycled many props from the previous films: old desks, all the tables and benches from the Great Hall, brooms, the professors’ stools, chess pieces, the set dressing from Professor Slughorn’s party…”
“There were pieces from all the films…a lot of history,” Heyman says. “That’s what made it one of my favorite sets.”
One stack of furniture had to be rigged to permit the actors to climb it safely—first when Harry goes after the Horcrux and then when Draco Malfoy goes after Harry. Draco tracked Harry down to demand back his wand, which Harry took from him at Malfoy Manor in “Part 1.” It was there that Draco had curiously saved Harry’s life by not revealing Harry’s identity to his Aunt Bellatrix.
Returning in the role of Draco, Tom Felton observes, “It’s never really explained why Draco chose to do that; it’s nice that Jo left it to our interpretation. As for me, I believe he reached a point where he wants to be good, but evil is in his DNA. It’s a difficult struggle for Draco but a lot of fun for me to play it.”
“Draco evolved from a fairly two-dimensional bully to a very complex character,” Rowling attests. “Tom blew us away with what he did with the role as Draco began to crack and show a range of emotion you would never have expected from the early films.”
Accompanied by Blaise and Goyle, two of his Slytherin lackeys, Draco corners Harry in the Room of Requirement. But the confrontation turns deadly when Goyle’s wand literally backfires, engulfing the entire room in a living Fiendfyre. Although most of the flames would be added in post-production, Richardson’s special effects team strategically placed flambeaus around the room. “We certainly felt the heat,” Felton nods, “so it’s a mixture of visualizing what’s going to be there and seeing what’s right in front of you.”
With the fire cutting off every avenue of escape, Harry—along with Hermione and Ron, who returned just in time—grab brooms and fly. Now they must choose whether to leave Draco behind or risk their own lives saving their longtime nemesis. Ron makes his opinion on the rescue clear, but for Harry, there is no choice. Grint declares, “That was a cool scene. It was great to be back on the brooms, especially since we knew it would be for the last time.”
Over the course of the films, the broom rigs have constantly evolved, enabling the filmmakers to achieve more intricate flying sequences and to accommodate the young cast as they grew up. Richardson says, “We ended up with a gimbal-mounted broom with a seat that was molded to the rider who was securely strapped on, so even if the broomstick turned upside down, they’d stay with it. Then the gimbal sat on a six-axis motion base. Between the two, we could get a completely fluid flying movement that could be as erratic or as sweeping as we wanted.”
Nevertheless, the final film required another upgrade, as the rescue sequence involved tandem flying. “For that,” Richardson adds, “we had to build a different type of broomstick rig, which was mounted on a track so we could fly it at high speeds past a table on a hydraulic ramp that tilted and collapsed at the precise right time. The flier on the broom had to link arms with the guy on the table and swing him onto the back of the broom, cowboy style. That was tricky to work out, but I think it came out great.”
Executing the challenging rescue was a group effort by members of the cast as well as the stunt team, led by stunt coordinator Greg Powell. Powell also collaborated closely with Richardson and second unit director Stephen Woolfenden on the explosion of the footbridge, which is one of Hogwarts’ last lines of defense.
Woolfenden’s unit captured aerials of the bridge high above Fort William in Scotland. “It looks down onto the beautiful loch, and the backdrop is stunning,” he says.
The actual demolition was accomplished using a hydraulic bridge located at Pinewood Studios. Powell says, “It’s all on hydraulics, but when it goes, it freefalls down, so it left the stuntmen in midair for that one beat, which looked really good.”
At the bridge, Neville squares off with legions of Death Eaters, which proves, says Matthew Lewis, “There’s a bit more to Neville than meets the eye.” Having played the role throughout the franchise, the actor was happy to see his character realize the heroic potential he always knew was there. “Neville never seemed to be a lionhearted person, not someone who deserved to be in the proud house of Gryffindor. But Harry always believed in him and that made Neville start to believe in himself, and all the strength and valor that was bubbling just beneath the surface finally comes out. Now he’s become this brave freedom fighter, which is really cool and very rewarding.”
Yates says, “By the end of the battle, Neville has been battered and bloodied, but he refuses to give up the fight, which is wonderfully moving.”





“Harry Potter. The boy who lived. Come to die.”

The battle for Hogwarts is raging around them, but Harry, Hermione and Ron are still waging another war…for the entire wizarding world. The trail of the next, and possibly most dangerous, Horcrux leads them to the school’s Boathouse, where the trio witnesses a pivotal encounter between Snape and Voldemort.
Heyman says, “One of the most intriguing things about Jo’s books is that the characters inhabit a gray area between light and darkness, good and evil, as we all do. Snape’s history, for one, is much more complicated than we ever imagined, and I think audiences will really enjoy seeing his full story revealed.”
“You always knew he had an agenda,” notes Rickman. “It was a question of what that agenda would turn out to be… The risks grew as he stepped into muddier and muddier waters. Eventually, it became about redemption and loyalty and, in Snape’s case—without giving anything away—a certain kind of courage of conviction.”
In the book, the critical exchange between the Dark Lord and Severus Snape was set in the Shrieking Shack, but David Yates got permission from Rowling herself to reset the scene for “Harry Potter and the Deathly Hallows – Part 2.”
Constructed in the Flight Shed at Leavesden, the Boathouse sits on the edge of the water below the Hogwarts castle. Craig designed the building with Tudor-style glass walls, so, he says, “You’re always aware of the fighting in the background, because the fires are reflected in the glass and in the water.”
Water also reflects memories in the Pensieve in Dumbledore’s office, where Harry realizes what he must do. Daniel Radcliffe recounts, “In ‘Order of the Phoenix,’ Harry learned of the prophecy that said ‘Neither can live while the other survives.’ Since then, at every step of his journey, he’s known it would come to a head at some point, and he’s absolutely aware that this is it.”
“Harry knows that his and Voldemort’s destinies are intertwined,” Heyman says. “Confronted with the choice to go out and face the Dark Lord or allow everyone else to die, Harry is prepared to meet his fate. And Dan was amazing. He conveyed a wisdom and a maturity in those scenes that was way beyond his years. He really considered the emotions and the reasons behind each of Harry’s actions and brought a real truth to his performance.”
Yates adds, “One of my favorite scenes is when Harry takes that long walk alone to save everybody else. There’s something really beautiful and haunting in his resolve.”





“Come on, Tom. Let’s finish this the way we started it…
Together.”

The long-awaited showdown between Harry and Voldemort “brings them back to the place where they each became who they were,” Rowling states. “It had to end at Hogwarts.”
Their battle plays out through the school’s once-hallowed halls. Yates staged the sequence so it was not just two wizards in a wand duel, but two sworn enemies locked in mortal combat that can only end when one…or both…are dead.
The director elaborates, “We have them racing through the halls hurling spells at each other, but it also gets very physical. There’s a point where they have each other by the throat and fall off a high balustrade, and they’re twisting and turning, until you’re not sure where one ends and the other begins. I was very keen to explore that because, thematically, that connection is what we’d been developing throughout the films.”
Craig and his team crafted the set to provide a multi-leveled arena. The production designer says, “Our principal objective was to introduce another element to the battlefield that would provide for more interesting blocking, so David (Yates) was involved in the design plan from the start. We created a series of staircases so that either Harry or Voldemort could be in the ascendancy and the other below, but it could switch very easily.”
“I must have climbed more stairs for that scene than I have in my entire life,” Radcliffe laughs. “But it was incredible.”
Merging practical design and virtual design has always been integral to establishing the worlds of the Harry Potter movies, but that amalgamation was particularly vital in staging the battle at Hogwarts in “Harry Potter and the Deathly Hallows – Part 2.” For the first time, the wide exterior shots of Hogwarts Castle were not captured with practical models, but were instead rendered though the use of CGI.
Yates says, “We constructed a good part of it, as always, but we also built a digital Hogwarts, which gave us the freedom to take the action in and around the school, anywhere we wanted.”
But Harry and Voldemort are not the only ones fighting to the death. All around them the good and evil forces of the wizarding world—including creatures great and small—are engaged in a climactic all-out war, which bring brings back many familiar faces on both sides.
David Barron states, “We were fantastically lucky because virtually the entire cast wanted to be part of the finale, some of whom are only briefly seen, but it was important to them, and to us, that they be there. There are even a few characters who came to an untimely end in the previous films who make their presence felt in surprising ways, like Gary Oldman as Sirius Black and Michael Gambon as Dumbledore.”
The returning cast also included Robbie Coltrane as Rubeus Hagrid, Emma Thompson as Professor Sybil Trelawney, Jim Broadbent as Professor Horace Slughorn, Miriam Margolyes as Professor Pomona Sprout, Gemma Jones as Madam Pomfrey, David Bradley as Argus Filch, Jason Isaacs and Helen McCrory as Lucius and Narcissa Malfoy, Natalia Tena as Nymphadora Tonks, and Dave Legeno as Fenrir Greyback.
The war against the Death Eaters takes a terrible toll on a number of favorite characters. Beloved wizards have fallen and Bellatrix Lestrange is poised to kill another—Ginny Weasley—when Molly Weasley steps into the fray.
Playing the Weasley family matriarch, Julie Walters offers, “Of course, Bellatrix is thinking, ‘Come on, Granny,’ but she has no idea what she’s up against when she takes on the fierce, protective love of a mother.”
The power of a mother’s love has been an inherent theme throughout the Harry Potter stories, beginning with Lily Potter, whose supreme sacrifice for her son allowed him to be “the boy who lived.” Rowling relates, “I lost my own mother six months into writing Harry Potter and then I became a mother shortly after. Motherhood, in every way, had a huge influence on my own life as I was writing the series, so it naturally seeped into the story in a relevant way.”
Faced with a decision that could spell life or death for Harry, Narcissa Malfoy proves that the strength of a mother’s love is not confined to any one side. “Narcissa may be a Lestrange by birth and a Malfoy by marriage, but it is the passionate loyalty to her son that defines her. Risking her own life, she protects Draco—first and foremost, she is a mother.”
On the other hand, “Voldemort sees no necessity for love or friendship or compassion,” Radcliffe observes. “He thinks of them as quite contemptible, a weakness, but that is his own weakness.”
The casualties of the war extend beyond people to the stately Hogwarts School of Witchcraft and Wizardry, which is left in utter ruin. Though the resulting devastation appears to be haphazard, Craig counters that it was all by design. “It wasn’t just a question of knocking some walls down; the silhouette was as significant as a piece of sculpture. The Great Hall, for example, was the spine of Hogwarts, so in demolishing that, we knew it had to be an image that would leave a lasting impression.”
“There is the sense that this is what war does; it decimates your places of safety and security,” Rowling says. “Yes, they may only be physical places. But when it’s home, that’s everything.”
The Great Hall had been one of the earliest and largest sets ever erected and it was a constant at Leavesden throughout the entire series. The sight of the production’s longest-standing set reduced to rubble had a tremendous impact on the filmmakers, cast and crew.
Radcliffe recalls, “It was hard to watch something that had always been so vast and so solid suddenly be knocked down.”
“It was quite shocking,” Grint nods. “We grew up on those sets, so it was difficult for all of us to see.”
“The idea of everything being taken down permanently felt a bit tragic,” Watson says. “I guess I imagined they would always be there,” she smiles.
Heyman, who had, years ago, witnessed the Hogwarts sets being built, offers, “To see the grandeur of Hogwarts destroyed was very emotional. In a very graphic way, it really brought home the fact that we were rapidly moving toward the end of the journey.”
Emotions were high for everyone involved in the production as each day marked the “last time” for some aspect of filming until it was, in fact, a wrap.
At the end of their decade-long journey, the cast and filmmakers all share a sense of gratitude and pride as they bring the historic film series to a close.
David Barron recalls, “I thought I was prepared because we knew the day was coming for so long, but it was surprisingly moving for all of us. Everybody put so much of themselves into these movies, and on this one we all shared the added goal of making it a fitting finale to the series.”
“Part of one’s job is to say goodbye,” Alan Rickman says. “There comes that time when it is right and proper to let it go; otherwise you can’t move on. And so the best thing one can say is that it all ended the right way.”
Rupert Grint offers, “The Harry Potter experience was an amazing time of my life, and something I’ll never forget. I’m so proud to have been a part of it.”
“How do I put into words what all of this has meant to me?” Emma Watson muses. “I don’t consider it over because it will always be a part of who I am, and I feel so blessed to have shared in it.”
Daniel Radcliffe reflects, “I know I’ll never see a frame of these films that I don’t connect immediately to a memory of a place or a time or a person. Even now I can’t fully express how important it’s been to me, but I can say it was a great time and it’s something I will never be able to recreate.”
David Yates agrees. “It’s really hard to contextualize it, except to say it’s been enormous fun—intense and very challenging at times, but never not fun. I wouldn’t have missed it for the world and I’m proud and happy to have seen it through to the end.”
“This was a wonderful collaboration,” J.K. Rowling shares. “I was proud to work and form lasting friendships with some immensely talented people. So the overall experience of the films for me has been truly outstanding.”
“I count myself extremely fortunate to have been part of Harry Potter, but none of us would have had this opportunity were it not for Jo Rowling and the world she so brilliantly created,” David Heyman concludes. “One of the things I love about the books is that the stories are timeless…and hopefully we’ve achieved that with the movies.”

SE ESTRENA EL 15 DE JULIO

domingo, junio 26, 2011

MEMORIAS DE ÁFRICA (adaptación)

MEMORIAS DE ÁFRICA
ISAK DINESEN
Ed. RBA, Barcelona, 1993


- El amor a la mujer y a la feminidad es una característica masculina, y el amor al hombre y a la masculinidad es una característica femenina, y hay una sensibilidad especial hacia los países y razas del sur que es una cualidad nórdica. Los normandos debieron enamorarse de los países extranjeros, Francia primero, luego Inglaterra. Aquellos viejos milords de la historia y literatura del siglo XVIII que están siempre viajando por Italia, Grecia y España no tenían nada de meridional en sus naturalezas, sino que les atraía y les fascinaba algo que era completamente distinto a ellos. Los antiguos pintores, filósofos y poetas germánicos y escandinavos cuando llegaban por primera vez a Florencia y Roma, se arrodillaban, para adorar al sur. Pág. 19

- Después de un cierto tiempo aprendí a comportarme como ellos y dejé de hablar de los tiempos difíciles o a quejarme como una persona desdichada. Pero yo era una europea y no había vivido el tiempo suficiente en el país como para adquirir la absoluta pasividad de los nativos, como hacen algunos europeos que llevan muchos decenios en África. Yo era joven y por instinto de conservación tenía que concentrar mis energías en algo si no quería dejarme arrastrar como el polvo de los caminos de la granja o el humo en la llanura. Por las tardes empecé a escribir cuentos de hadas y relatos fantásticos que me llevaban lejos, a otros países y a otros tiempos. Pág. 43

- Aunque yo sé una canción de África –pensaba-, de la jirafa y de la luna nueva africana tendida de espaldas, de los arados en los campos y de los rostros sudorosos de los recolectores de café, ¿sabrá África una canción sobre mí? ¿Vibrará el aire en la llanura con un olor que yo he llevado, o los niños inventarán un juego en el cual esté mi nombre, la luna llena proyectará una sombra sobre la grava del camino que era como yo, o me buscarán las águilas de Ngong? Pág. 70

- Ingrid Lindstrom venía a quedarse en la granja cuando podía dejar uno o dos días la suya, sus pavos y su huerto de legumbres en Njoro. Ingrid tenía la piel tan clara como el alma y era hija y esposa de oficiales suecos […]. Ella y yo, en los malos tiempos, habíamos llorado la una en brazos de la otra, ante el pensamiento de que podíamos perder nuestra tierra. Era feliz cuando Ingrid venía a estar conmigo porque tenía la sincera e insinuante jovialidad de una vieja campesina sueca, y en su rostro curtido brillaba la vigorosa y fuerte dentadura de una valkiria sonriente. Además, todo el mundo quiere a los suecos, porque en medio de sus penas se las guardan dentro de su pecho y se muestran tan valerosos que irradian su luz a lo lejos. Pág. 176

jueves, mayo 05, 2011

LA CARRETERA (adaptación)


LA CARRETERA
CORMAC McCARTHY
DEBOLSILLO, BARCELONA, 2009


- Salió a la luz gris y se quedó allí de pie y fugazmente vio la verdad absoluta del mundo. El frío y despiadado girar de la tierra intestada. Oscuridad implacable. Los perros ciegos del sol en su carrera. El aplastante vacío negro del universo. Y en alguna parte dos animales perseguidos temblando como zorros escondidos en su madriguera. Tiempo prestado y mundo prestado y ojos prestados con que llorarlo. Págs. 99-100.

- Olor a lluvia. El chico estaba despierto. Tienes que hablarme, dijo.
- Lo intento.
- Perdona que te haya despertado.
- No pasa nada.
- Se levantó y fue andando hasta la carretera. Su mancha negra corriendo de lo oscuro a lo oscuro. Luego un retumbo en la distancia. No un trueno. Se notaba bajo los pies. Un sonido sin análogo y por tanto sin descripción posible. Algo imponderable que se movía allí en la oscuridad. La tierra misma contrayéndose de frío. No se repitió. ¿Qué época era del año? ¿Qué edad tenía el niño? Se quedó de pie en la carretera. Silencio. El salitre secándose de la tierra. Las formas lodosas de ciudades inundadas quemadas hasta la marca de nivel del agua. En una intersección unos dólmenes dispuestos en el suelo donde los huesos-oráculo iban convirtiéndose en polvo. El viento como único sonido. ¿Qué dirás? ¿Que un hombre, un hombre vivo, pronunció estas frases? ¿Que afiló una péñola con una navaja para garabatear estas cosas usando endrina o negro de humo? ¿En algún momento computable y tabulable? Viene a robarme los ojos. A sellarme la boca con tierra. Pág. 192


- La carretera atravesaba un lodazal seco donde tubos de hielo sobresalían del fango congelado como estalagmitas. Restos de un fuego antiguo junto a la carretera. Más allá un largo paso elevado de hormigón. Un pantano muerto. Árboles muertos surgiendo del agua gris con colgajos de una turba gris y residual. Las salpicaduras de ceniza sedosa en el encintado. Se apoyó en el arenoso antepecho de hormigón. Tal vez en su destrucción sería posible al fin ver cómo estaba hecho el mundo. Océanos, montañas. El fatigoso contraespectáculo de las cosas dejando de existir. La extensa tierra baldía, hidróptica y fríamente secular. El silencio. Pág. 201.

- ¿Te acuerdas de aquel niño, papá?
- Sí, me acuerdo.
- ¿Tú crees que estará bien, el niño?
- Oh, seguro que sí. Estará bien.
- ¿Tú crees que se habrá perdido?
- No. No lo creo.
- Me da miedo que se haya perdido.
- Yo creo que estará bien.
- Pero ¿quién lo encontrará si es que se ha perdido? ¿Quién encontrará al niño?
- La bondad encontrará al niño. Así ha sido siempre y así volverá a ser. Pág. 206.

martes, abril 12, 2011

CAPERUCITA ROJA ¿A QUIÉN TIENES MIEDO? (pressbook)



De la directora Catherine Hardwicke (Crepúsculo, Trece), llega el thriller de fantasía Caperucita roja (¿A quién tienes miedo?).
Amanda Seyfried (Cartas a Julieta, Mamma Mia!) lidera el elenco de grandes actores que aparecen en la película: Gary Oldman (El caballero oscuro, saga Harry Potter), Billy Burke (saga Crepúsculo), Shiloh Fernandez (Skateland), Max Irons (El retrato de Dorian Gray), la nominada al Óscar® Virginia Madsen (Entre copas), Lukas Haas (Origen) y la ganadora de un Óscar® Juie Christie (Lejos de ella, Darling).
Durante décadas, los habitantes del pueblo de Daggerhorn han mantenido un complicado pacto con el hombre lobo. Sacrifican a un animal una vez al mes para saciar el apetito de la bestia que les atemoriza cada luna llena. Pero bajo una luna de color rojo sangre, el lobo se lleva la vida de un ser humano, aumentando así el precio del pacto.
La víctima es la hermana mayor de Valerie (Seyfried), una hermosa joven que acaba de descubrir que sus padres (Burke y Madsen) van a casarla con Henry (Irons), el heredero de la familia más rica del pueblo. Pero ella está enamorada de Peter (Fernandez), el humilde leñador al que ha amado toda su vida. Para evitar que los separen, la pareja decide fugarse, pero, en un terrible instante, el lobo trastoca sus planes.
Sedientos de venganza, los vecinos del pueblo acuden al Padre Solomon, un cazador de hombres lobo, para que termine con la bestia de una vez por todas, Pero la llegada de Solomon solo revoluciona aún más al pueblo cuando les advierte a todos que el lobo adquiere forma humana durante el día y que podría ser cualquiera de ellos. Todos son sospechosos. El pánico se apodera del pueblo cuando el número de víctimas comienza a aumentar con cada luna roja y la paz que reinaba entre los habitantes se transforma en discordia. Además, Valerie descubre que tiene un vínculo único con el lobo que los atrae y los une de forma inexorable, lo que la convierte en sospechosa y a la vez en cebo.
El guión de Caperucita roja (¿A quién tienes miedo?) es de David Leslie Johnson (La huérfana). La producción de la película corre a cargo de Appian Way, por parte de Jennifer Davisson Killoran (La huérfana), Leonardo DiCaprio y Julie Yorn (Imparable) con Jim Rowe, Michael Ireland y Catherine Hardwicke como productores ejecutivos.
El equipo creativo de detrás de las cámaras lo forman la directora de fotografía Mandy Walker (Australia), el diseñador de producción dos veces nominado al Óscar® Tom Sanders (Salvar al soldado Ryan, Drácula), los editores Nancy Richardson (Crepúsculo) y Julia Wong (X-Men 3: La decisión final), la diseñadora de vestuario Cindy Evans (Una pareja de tres, Thirteen) y el director de efectos especiales Jeffery A. Okun (Ultimátum a la Tierra). La música es de Brian Reitzell (Lost in Translation) y Alex Heffes (El rito).
Warner Bros. Pictures presenta una producción de Appian Way dirigida por Catherine Hardwicke: Caperucita roja (¿A quién tienes miedo?) La película será distribuida por Warner Bros. Pictures, empresa de Warner Bros. Enterteinement.


SOBRE LA PRODUCCIÓN
CUENTO ANTIGUO. SANGRE NUEVA.

Al escuchar el título Caperucita roja, el público contemporáneo probablemente piense en una niña con capa roja dirigiéndose a casa de su abuela. Pero, en realidad, el cuento original era una historia con moraleja sobre el peligro y la decepción ideada para asustar a jóvenes mentes impresionables.
La directora Catherine Hardwicke nos explica que las raíces más siniestras del cuento son las que se prestan por si solas a convertirse en un thriller de fantasía. “Casi todos nosotros crecimos con una versión light de Caperucita roja, pero el cuento original tiene algunos elementos más oscuros que lo hacen mucho más intrigante. La idea de la niña que se adentra sola en el bosque y el lobo que la acecha y luego habla con ella... encierra mucho misterio y atrapa nuestra imaginación a muchos niveles. Cuando somos niños, el cuento puede parecernos otra cosa, pero si volvemos a escucharlo de adolescentes o adultos, respondemos a él de una forma completamente distinta”.
La productora Jennifer Davisson Killoran comenta: “Es un cuento emblemático y aunque hayamos oído varias versiones, hay cosas que son universales: la capa roja, el lobo, la mentira y el miedo. Es muy simple y a la vez muy aterrador. Nos gustó la idea de coger este legendario cuento y adaptarlo para un público moderno”.
El mensaje implícito de la fábula de Caperucita roja es: no hables con extraños. Pero ¿y si el lobo resulta ser alguien que conoces... alguien en quien confías... alguien a quien amas? Killoran indica: “El cuento juega con nuestro miedo a que alguien cercano a nosotros no sea en realidad quien aparenta ser. Para mí, el lobo feroz representa la ansiedad de no saber de verdad con quién estás tratando”.
El cuento clásico ha cambiado un poco, el depredador de la película es un hombre lobo que tiene apariencia humana hasta que la luna llena desvela su verdadera naturaleza. Sobre esta premisa, el guionista David Leslie Johnson concibió un misterioso asesinato del que todos son sospechosos y la terrorífica paranoia que provoca y afecta a una comunidad entera.
Killoran confirma: “Casi todos los personajes tienen un momento donde pierdes la fe en ellos. Lo hicimos así a conciencia para que cualquiera pudiera ser el lobo”.
“Creo que David hizo un trabajo maravilloso”, afirma Hardwicke. “Profundizó en los orígenes de la leyenda para conseguir su esencia. Luego añadió su propio toque personal y creativo a la mezcla y enriqueció mucho el cuento”.
Johnson declara: “Investigué mucho sobre cómo había cambiado la fábula de generación en generación, en distintas épocas y lugares. Mucho antes de hacer eso, la película estaba envuelta en un hermoso lacito y se presentaba como un cuento de hadas que contenía algunos detalles gráficos bastante desagradables y cuyo final no era muy apropiado. Me gustó la idea de ampliar los orígenes del cuento para crear más peligro, suspense y aventura”.
También hay una historia de amor. El presonaje principal, Valerie, se encuentra entre dos apuestos pretendientes: Peter, el amor de su infancia, y Henry, el hombre que sus padres han elegido para que sea su esposo. Las dudas sobre la identidad del hombre lobo hacen que su decisión no sea solo cuestión de amor, sino de vida o muerte. Cuando las cosas se complican, tiene un encuentro con el lobo y descubre, para su sorpresa, que tienen un vínculo único y muy personal.
Amanda Seyfried interpreta el papel de Valerie, cuya característica capa roja da nombre al cuento. “El triángulo amoroso lo hace más interesante porque Valerie no sabe en quién confiar”, comenta la actriz. “Ella ama a Peter, pero de pronto comienza a ver ciertos detalles en él que le hacen dudar. ¿Podría el amor de su vida ser un hombre lobo? Además, su relación con Henry se vuelve más estrecha y ve lo buen hombre que es, pero también comienzan a surgirle dudas sobre él. Tiene que averiguar si lo que quiere es lo mismo que lo que necesita”.
La combinación de amor adolescente, suspense y leyenda antigua atrajo inmediatamente a Hardwicke, quien recuerda: “En cuanto leí el guión, me entusiasmé mucho porque transcurría en un mundo de fantasía pero tenía un lado oscuro. Se trataba de un thriller con giros inesperados además de una irresistible historia de amor, que también me sorprendió en varias ocasiones. Me enganchó mucho a medida que la cosa se complicaba y cada vez se revelaban más secretos y mentiras”.
Para los productores, elegir a Catherine Hardwicke para dirigir Caperucita roja (¿A quién tienes miedo?) fue fácil. Killoran asegura: “Catherine ha demostrado que tiene un don para llegar al público más joven de una forma que muy pocos pueden. Se ve muy claro en todas sus películas; nunca son condescendientes o estereotípicas. Tiene una forma muy sincera de transmitir cómo se comunican los adolescentes, cómo piensan y cómo ven el mundo”.
No obstante, todas las generaciones representadas en el reparto disfrutaron trabajando con Hardwicke, desde los talentos emergentes hasta los más veteranos de la pantalla. La ganadora de un Óscar® Julie Christie admite: “Catherine fue una completa revelación para mí. Tiene una fantástica vitalidad juvenil y está llena de alegría, pero también es una persona muy comprometida con su trabajo y que tiene mucho talento para hacer bien lo que tiene que hacer. Trabajar con ella fue una experiencia extremadamente positiva para mí”.
“Cuando vi sus películas, tuve curiosidad por trabajar con Catherine”, dice Gary Oldman. “Eso fue una de las cosas que me impulsaron a participar en el proyecto. Y cuando la conocí, me encantó su entusiasmo”.
Billy Burke, el único miembro del reparto que ya había trabajado con Hardwicke en Crepúsculo, comenta: “Catherine ocupa un lugar especial en mi corazón. Nunca he conocido a alguien con el nivel de energía que ella tiene, y es contagioso. De alguna forma da energía a todos los que están en el plató compartiendo su sentido de la determinación”.
Seyfried está de acuerdo. “Uno quiere a un director que dé a la película ese entusiasmo y emoción. A ella le encanta hacer películas y tiene muchísima imaginación. Cuando estábamos en preproducción, me enseñó dibujos, fotos y vídeos que había montado, que me ayudaron mucho a entender las diferentes facetas de mi personaje. Es sinceramente la directora más creativa con la que he trabajado”.

¿CÓMO DEJAR FUERA LO QUE YA ESTÁ DENTRO?

Hardwicke dice que pensó inmediatamente en Amanda Seyfried en el casting para el papel de Valerie. “Desde el primer momento en que vi a Amanda, supe que era especial”, afirma la directora. “Tenía todo lo que necesitábamos para su personaje, especialmente porque Valerie no es la clásica damisela en apuros. Amanda es dura, sexy, divertida y vulnerable, lo tiene todo. Y su aspecto físico es como sacado de un cuento de hadas. Es como etérea y tiene unos ojos asombrosos a los que uno no se puede resistir”.
A su vez, Seyfried dice que la nueva versión de un cuento antiguo es lo que le atrajo a hacer la película. “No conozco a nadie que no haya leído Caperucita roja en su infancia, así que me gustó eso de coger un cuento que todos hemos oído y divertirme un poco con él. El thriller parecía emocionante y el escenario medieval le daba un toque gótico y añadía romanticismo”.
Valerie se encuentra en la cima del triángulo amoroso de la película y a la vez está directamente vinculada al misterio del hombre lobo. Cuando parece que la bestia es alguien cercano a ella, Valerie tiene razones para dudar de todos los que la rodean. “En el transcurso de la historia, ella intenta averiguar quién puede ser, basándose en las señales que recibe”, explica Seyfried. “Es aterrador para ella porque, en distintas ocasiones, tiene razones para sospechar de todo el mundo”.
Hardwicke añade: “La paranoia comienza a aparecer cuando Valerie empieza a ver pequeños destalles que no había notado antes, y ahora significan algo distinto. Toda su vida ha visto a su familia y a sus amigos de una forma y de pronto las cosas cambian, y la sombra de la duda se cierne sobre ella”.
No pasa mucho tiempo antes de que esa sombra caiga sobre los dos diferentes jovencitos que se disputan el corazón de Valerie, Peter y Herny, interpretados por los noveles Shiloh Fernandez y Max Irons respectivamente.
Fernandez relata: “Peter es leñador y el novio de Valerie. Mantienen su relación en secreto porque él es un pobre huérfano y le consideran un extraño. Al principio de la película, descubre que la han prometido con Henry, así que Peter pide a Valerie que se fuguen juntos. Quiere enseñarle el mundo que ella nunca ha visto, la ciudad, el océano... todo, siempre y cuando puedan estar juntos. Pero antes de que puedan escapar ocurre una tragedia: se enteran de que el hombre lobo ha asesinado a Lucie, la hermana de Valerie”.
También averiguamos que Lucie había estado enamorada de Henry, pero que él solo tenía ojos para Valerie. Irons comenta: “Henry es el herrero del pueblo y el hijo de la familia más adinerada. No entiende cómo Valerie puede estar enamorada de Peter, porque cree sinceramente que él es la mejor elección por la vida que puede ofrecerle”.
“Es el típico dilema amoroso: ¿elijo la opción segura, que en este caso, también resulta ser increíblemente guapo o al que parece algo peligroso pero es sexy y atrevido? Creo que cualquier jovencita soñaría con estar en esta situación, especialmente si los chicos son Shiloh y Max”, se ríe Hardwicke.
“Shiloh tiene mucho carisma y hubo una química fantástica entre él y Amanda”, continúa la directora. “También le dio algo de misterio a su personaje y nos lleva a preguntarnos qué es lo que esconde bajo esa fachada”.
Killoran añade: “Max tiene esa maravillosa presencia intrigante. Lo que me encantó de su actuación es que todo lo que hace viene de un hogar poderoso y noble, pero te deja entrever que Henry también podría tener un lado oscuro. Cuando hicimos el casting para estos papeles, quisimos hacerlo de tal manera que la decisión de Valerie no fuera obvia; tenía que ser una elección difícil entre dos hombres tan maravillosos como diferentes, que ambos valieran la pena”.
Viniendo de perspectivas diferentes, los padres de Valerie, Suzette y Cesaire, tienen puntos de vista que entran en conflicto sobre si será Peter o Henry quien pueda hacer feliz a su hija a largo plazo.
Virginia Madsen, que interpreta a Suzette, cuenta: “Suzette cree que la única forma de que su hija tenga una vida mejor es casarla con el chico rico, Henry, que también resulta ser muy bueno. Piensa que Valerie merece algo mejor que el pobre leñador, el chico malo. Eso es solo pasión y nunca durará. Después del asesinato de su hija mayor, Lucie, amenaza con revelar secretos que la hacen ser más protectora con la hija que le queda. Al final, Suzette no quiere que Valerie termine como ella, casada con un leñador, que además es un borracho”.
En el papel de Cesaire, Billy Burke admite que su personaje “es un hombre al que le gusta empinar el codo, pero su hija le quiere y le perdona sus errores. Quizá su atracción por Peter se debe en parte al viejo cliché de que a las chicas tienden a gustarles los hombres que les recuerdan a sus propios padres. Cesaire es también leñador, así que a él le gusta Peter y le considera un buen pretendiente para su hija. Eso es solo parte del abismo que se ha abierto entre él y su mujer durante los años, debido probablemente a su problema con la bebida. Pero Cesaire no ve que eso haga daño a nadie, ni a sí mismo”.
El miembro de la familia al que Valerie se siente más unida es su abuela. “Comparten un vínculo muy grande”, confirma Seyfried. “Siempre han conectado a un nivel más allá del que Valerie tiene con sus padres. Valerie siempre ha admirado lo independiente que es su abuela”.
En Caperucita roja (¿A quién tienes miedo?), la abuela, interpretada por Julie Christie, no se parece en nada a la del cuento clásico. Hardwicke subraya, “una de las primeras cosas que dije fue que nuestra abuela no sería de ninguna manera una vieja demacrada y arrugada. Es muy bohemia, lleva largas trenzas, vive fuera del pueblo, en las profundidades del bosque, y la rodea una atmósfera de misterio.”
“Nos emocionamos mucho cuando conseguimos a Julie Christie para el papel”, continúa. “Es tan increíble y bella, que me dejó sin aliento. Y Julie agradeció que su personaje no fuera una abuela anciana y estirada”.
“Es una inconformista”, dice Christie del ecléctico estilo de vida de su personaje. “Es artista y herbolaria y tiene algo de curandera. Es muy sabia y comprensiva y ha sido como una protectora para Valerie, que siempre ha podido confiar a su abuela sus secretos más íntimos”.
Después de que el lobo atacara a su propia familia, Valerie corre a casa de su abuela, a pesar de que los hombres del pueblo, sedientos de venganza, se unen para seguir el rastro de la bestia y matarla. Aunque el lobo se lleva a muchos por delante, los hombres vuelven creyendo que han vencido a la bestia. Mientras tanto, el cura del pueblo, el Padre Auguste, con la intención de hacer lo mejor por los suyos, llama al afamado cazador de hombres lobo Padre Solomon para que venga a Daggerhorn.
Lukas Haas, que interpreta al Padre Auguste, comenta: “Siente verdadera admiración por el Padre Solomon. Creo que en realidad el Padre Auguste solo quiere hacer lo correcto, pero el hecho de que el lobo haya matado de nuevo puede haberle servido también de excusa para llamar a su ídolo. Puede que su predilección por su héroe le haya nublado el juicio, pero Auguste pronto comienza a darse cuenta de quién es la persona que de verdad supone un peligro para su pueblo”.
Gary Oldman interpreta el papel del ferviente Padre Solomon, a quien describe como ”un hombre poseído, aunque no le considero un villano. Más bien, ha visto el fondo del abismo y ahora está totalmente convencido de la honradez de su misión. Cree de verdad que es la espada de Dios... y tiene un don para la moda”, dice el actor, inexpresivo. “Pensé que me divertiría hacer el papel. También sentí curiosidad por el oscuro matiz que se le daba al ya oscuro cuento. Cuando somos pequeños, los cuentos como Caperucita roja son probablemente la primera vez que somos conscientes del miedo. ¿Qué nos aguarda en el bosque? En las manos de Catherine Hardwicke, lo vemos a través de un prisma diferente”.
“Trabajar con Gary Oldman era un sueño hecho realidad”, afirma Hardwicke. “Nunca deja de sorprenderme. No solo es un actor intrépido, es generoso, servicial y tremendamente divertido. A todos los miembros el equipo del plató les encantaban Gary y Julie”.
El Padre Solomon llega cuando el pueblo está a punto de celebrar la muerte del lobo, pero Solomon les sermonea diciéndoles que el terror aún no ha terminado. “Su ‘víctima’, les informa, es solo un lobo gris común, mientras que el hombre lobo sigue más vivo que nunca. Después, les informa de la cruda realidad: la criatura que se transforma en humano durante el día, vive entre ellos. Solo bajo la luna llena uno de sus vecinos de confianza adquiere la forma del lobo. Y lo que es peor, no es una luna llena normal, sino un fenómeno cósmico que ocurre solo una vez cada trece años, cuando Marte y la luna se alinean, una luna color rojo sangre. Cuando la luna roja brilla en el cielo nocturno, el leve mordisco del hombre lobo transforma a la víctima de presa a depredador, de humano a hombre lobo. Durante los tres siguientes días, las almas de todos los habitantes del pueblo correrán peligro.

¿A QUIÉN TIENES MIEDO?

El principal antagonista del cuento, por supuesto, es el lobo. En Caperucita roja (¿A quién tienes miedo?) no se hizo casting para este personaje, sino que se creó mágicamente por ordenador. Sin embargo, Killoran declara: “A menudo, las películas de hombres lobo se centran en la transformación, pero nosotros precisamente nos mantuvimos alejados de ese enfoque. Esta historia no trata sobre la transición de humano a lobo; trata sobre un lobo que resulta que también es humano”.
El director de efectos especiales Jeffrey A. Okun trabajó con Hardwicke en la creación de su hombre lobo, que tenía que ser tan fiero como astuto. Dice: “Catherine fue muy específica con que el lobo tenía que ser poderoso y malvado, pero también muy inteligente. El reto que nos propuso no fue tanto como crear una criatura creíble sino un personaje creíble”.
Teniendo en cuenta esa condición, Okun y el equipo de efectos especiales de Rhythm y Hues trabajaron para darle expresión al rostro de la bestia, especialmente a los profundos ojos marrones que sirven a Valerie de pista para descubrir la identidad de su alter-ego humano. Para perpetuar el misterio de la identidad del hombre lobo, Okun también le puso rasgos de cada personaje. Explica: “El truco fue coger un poco de la interpretación de cada actor para que el público pudiera percibir en él algo característico de alguien y dudar de esa persona...”.
Para hacer que la morfología del lobo fuera lo más orgánica posible, se llevó a cabo una importante investigación. El equipo de efectos especiales estudió minuciosamente los movimientos de no solo lobos sino también de hienas, guepardos, panteras, leones y diversas razas de perros. “Nuestro objetivo era mezclar la fuerza bruta canina con el sutil sigilo felino para no pillarnos los dedos haciendo pensar al espectador si el lobo es macho o hembra”, comenta Okun.
En el plató, el equipo de efectos especiales junto al equipo de escenas de acción a las órdenes de Andy Cheng, utilizó una variedad de métodos para proporcionar al reparto una presencia física con la que interactuar. A cada uno de los lobos de atrezo se les puso un apodo no muy feroz, como enumera Okun: “Teníamos una silueta de poliestireno tamaño real llamada Stuffy (Rellenito), una cabeza de lobo peluda llamada Fluffy (Peludito) y una silueta de cartón llamada Flatty (Planito)”.
La creación de imágenes por ordenador también fue muy útil para lograr algunos de los elementos inanimados de la película. Los platós para las secuencias exteriores e interiores, incluido el pueblo de Daggerhorn entero, se construyeron en estudios insonorizados en las instalaciones de Canada Motion Picture Park de Vancouver, Columbia Británica. Después, la producción amplió los limites de los platós con ayuda de una combinación de efectos gráficos de alta tecnología y unos espejos, un instrumento menos avanzado.
Había, sin embargo, una toma que no necesitaba ampliación: un momento de fantasía que fue rodado en la cima de una montaña cercana. Cuando Valerie y Peter caminan hacia el pico, su capa roja se agita en el aire haciendo contraste con el manto de blanca nieve que cubre la montaña. El productor ejecutivo Jim Rowe recuerda: “Tuvimos que mantener la unidad al mínimo porque, a pesar de que estábamos rodando en verano, a esa altura el tiempo puede cambiar sin previo aviso y uno tiene que ser capaz de salir pitando de allí. Pero salió bien y no tuvimos ningún problema”.
En los confines de los estudios insonorizados, la tarea de la cineasta Mandy Walker era la de crear la iluminación para las escenas de días soleados y las de noches de luna llena. Hardwicke comenta: “No era solo crear la iluminación exterior en un plató interior; teníamos fuego y nieve y todos esos diferentes efectos y todo tenía que mezclarse a la perfección. Nunca dejará de sorprenderme lo que Mandy hizo”.
Además, para el diseño de los decorados de Caperucita roja (¿A quién tienes miedo?), Hardwicke también trabajó con el diseñador de producción Tom Sanders y la diseñadora de vestuario Cindy Evans para recrear el ambiente general y la ambientación de la película.
“Catherine es muy gráfica”, destaca Killoran. “Cuando nos conocimos, trajo una presentación increíble para contarnos cómo veía ella la película, transmitía un sentimiento de modernismo a una especie de mundo gótico. Gran parte de lo que vemos en la película estaba en esa primera presentación”.
Aunque es evidente que el plató no es del todo contemporáneo, los creadores de la película no querían que se identificara ninguna época ni lugar específicos. “Queríamos situar la historia en nuestro propio mundo de fantasía, siendo acordes con los orígenes del cuento”, afirma Hardwicke.
El rústico pueblo de Daggerhorn fue decorado con algunos rasgos destacables, concebido según las necesidades de la amenaza bajo la que viven los habitantes. Muchos de los edificios se alzan sobre pilotes “porque esta gente teme al lobo y de esta forma pueden subir escaleras y apuntalar las puertas, de manera que es más difícil que el lobo les alcance”, aclara la directora.
Otra pista visual son los pinchos que tienen los laterales y los tejados de todos los edificios, además de los árboles que hay en el pueblo y los que lo rodean. Tom Sanders comenta: “La idea era que todo el pueblo fuera como un zarzal donde los conejos de la fábula se refugian de los lobos. Esa es la razón por la que allá donde miramos, vemos pinchos. Y en medio del zarzal está la casa de la abuela”.
Hardwicke recuerda: “Al principio nos habíamos imaginado la casa de la abuela como una sencilla e informal casita en un árbol, pero a Tom se le ocurrió esa idea y la llevó a cabo. Situó la casa en medio de todos esos enormes árboles y uno no puede ver bien dónde terminan los árboles y dónde empieza la casa. Y hay diferentes capas y niveles que añaden mucho interés visual. La naturaleza campechana de la casa encajaba a la perfección con la personalidad de la abuela”.
Para enfatizar la naturaleza rústica del pueblo, construimos todo el mobiliario del pueblo a mano. El encargado de los decorados, Shane Vieau, comenta: “Pensamos que podríamos encontrar cualquier cosa que necesitáramos, pero a medida que nos íbamos metiendo en ello, nos dimos cuenta de que todo tenía que tener una forma y tamaño específicos. Como teníamos nuestra propia madera cortada, comenzamos a construir el mobiliario y a partir de ahí fuimos progresando. Algunas personas de nuestro equipo eran carpinteros expertos así que les encantó hacerlo”.
En los platós se usaron telas para dar color a los tonos insulsos inherentes en la madera, piedra y metales.
Sin embargo, solo hay un lugar donde aparece el color rojo: la característica capa de Valerie, de donde viene el título Caperucita roja. Al principio de la preproducción, Hardwicke consultó con el ilustrador Kit Stolen sobre los conceptos iniciales de la importantísima capa. Después, la directora se reunió con la diseñadora de vestuario Cindy Evans. “Cindy y yo trabajamos juntas en Los amos de Dogtown y Thirteen, y me alegró mucho volver a trabajar con ella. Tiene un gusto exquisito y se preocupa de verdad por cada detalle para que el traje le quede bien al personaje. Cindy empezó a trabajar en el diseño de la capa investigando diseños y telas de todo el mundo”.
En realidad hay dos modelos de la capa roja: una, la que aparece en una escena de fantasía, mide 6 metros de largo y está hecha toda de terciopelo, y la principal, la que lleva en toda la película. Evans detalla: “Hicimos una amplia investigación sobre telas e incluso consideramos tejer nuestra propia tela hasta que di con una fuerte matka de seda de dos tonos, más conocida como seda cruda, que era perfecta. Hice serigrafiar un patrón de espirales aproximadamente de 25 centímetros alrededor del borde y después se bordó a mano sobre el patrón usando 6 tonos diferentes de rojo... Y salió bastante bonito”.
“Era preciosa”, asegura Amanda Seyfried. “Al ponérmela me sentía como un doncella de cuento”.
Para los trajes de los dos pretendientes de Valerie, Evans quiso hacer contraste, fijándose en que “el estilo de Peter viene determinado por la pobreza; el de Henry de la riqueza. Queríamos que Peter tuviera un aspecto humilde. Como leñador pobre, Peter se habría hecho la ropa de retales de cuero y trozos de tela cosidos juntos. Henry era lo contrario; al venir de una familia acomodada, tenía dinero para ropa más elaborada”.
Evans y Hardwicke reservaron el aspecto más extravagante para el Padre Solomon, cuyo traje de terciopelo morado “representa su influencia y su riqueza”, dice Evans. “Hace siglos, solo se usaban los tintes más caros para reproducir el color morado. Era el color de la realeza y, para nosotros, era la manera de dar a entender que él es un individuo poderoso”.
Evans y su equipo también fueron responsables del vestuario del resto del reparto principal, además del de muchos extras. Todos los trajes se tejieron a partir de telas naturales y seda cruda y cada pieza tenía que teñirse individualmente y luego envejecerse.
Entre los trajes de los habitantes del pueblo, el público podrá ver alguno que le suene de figuras de cuentos, como los tres personajes porcinos que tuvieron sus propios problemas con un lobo feroz.
Hardwicke afirma: “Creo que una de las razones por la que los cuentos como Caperucita roja han durado tanto tiempo es porque nos permiten explorar y entender nuestros lados oscuros, incluso de pequeños. Retratan la envidia y el miedo, incluso la muerte, y nos permiten tratarlos de una forma muy visceral”.


SOBRE EL REPARTO

AMANDA SEYFRIED (Valerie) pronto se ha convertido en una de las actrices más solicitadas de hoy en día. Este año también actuará junto a Justin Timberlake, Olivia Wilde y Cillian Murphy en Now, un thriller de ciencia ficción del escritor y director Andrew Niccol, que transcurre en una sociedad en la que el tiempo es literalmente oro. Después comenzará la producción del thriller Gone en el que aparece bajo la dirección de Heitor Dhalia.
También es conocida por su multifacética interpretación, luciendo su habilidad tanto para actuar como para cantar en el taquillazo internacional Mamma Mia! dirigida por Phyllida Lloyd. Acompañando a Seyfried en el musical estaban Meryl Streep y Pierce Brosnan, el cual se estrenó en verano de 2008 y recaudando más de 600 millones de dólares en todo el mundo.
En 2010, Seyfried actuó en tres películas diferentes, entre las más recientes se encuentra la comedia romántica de Gary Winick Cartas a Julieta, con Vanessa Redgrave y Gael García Bernal. También apareció junto a Channing Tatum en el drama romántico Querido John, basada en el best seller de Nicholas Sparks y dirigida por Lasse Hallström; y en Chloe, un thriller dirigido por Atom Egoyan en el que actuó junto a Julianne Moore y Liam Neeson.
Actualmente Seyfried actúa en la dramática y galardonada serie de televisión de la HBO Big Love, en la que se gana elogios por su papel de mujer joven que lucha contra la poligamia de sus padres.
Nacida en Pennsylvania, Seyfried comenzó su carrera como modelo a la edad de 11 años. En su adolescencia, llamó por primera vez la atención en la televisión matutina, con papeles en series como As the World Turns y All My Children.
Su mayor éxito llegó en 2004 con su debut cinematográfico en el taquillazo Chicas malas, dirigida por Mark Waters con un guión de Tina Fey. Junto a sus compañeras de reparto Lindsay Lohan y Rachel McAdams, Seyfried ganó un premio MTV Movie Award a la Mejor Imagen en Pantalla. Al año siguiente, Seyfried actuó en la aclamada película independiente Nueve vidas, que se estrenó entre aplausos en el festival de cine de Sundance y ganó algunos premios en festivales internacionales. Escrita y dirigida por Rodrigo García, en la película también aparecían Sissy Spacek, Glenn Close, Holly Hunter, Robin Wright y Dakota Fanning.
Entre otras de sus películas está el drama basado en un hecho real de Nick Cassavetes Alpha Dog, en la que aparecen Bruce Willis, Emilie Hirsch y Justin Timberlake; el drama American Gun, con Donald Sutherland, Forest Whitaker y Marcia Gay Harden y el thriller de terror Jennifer’s body, en el que actúa junto a Megan Fox.

GARY OLDMAN (Padre Solomon) es mundialmente conocido por su trabajo en algunas de las principales sagas de películas de todos los tiempos. El padrino de Harry Potter, Sirius Black, el aliado de Batman en la lucha contra el crimen, el teniente Gordon, Drácula, Beethoven, Lee Harvey Oswald y Sid Vicous son solo algunos de los memorables papeles que ha interpretado como presencia indeleble en el cine durante 20 años.
En 2008, Oldman retomó el papel del teniente Gordon en el taquillazo del año El caballero oscuro, habiendo retratado por primera vez al personaje en Batman begins. También interpretó a Sirius Black en Harry Potter y el prisionero de Azkaban, Harry Potter y el Cáliz de Fuego y en Harry Potter y la Orden del Fénix.
Entre sus próximas películas podemos nombrar Tinker, Tailor, Soldier, Spy; Guns, Girls and Gambling; Criminal Empire for Dummies y Money for Nothing.
Oldman comenzó su carrera en 1979 en los teatros de Londres. Entre 1985 y 1989 actuó exclusivamente en el London’s Royal Court Theatre y, en 1985, la revista londinense Time Out le nombró Mejor actor novel por su trabajo en The Pope’s Wedding. Ese mismo año compartió con Anthony Hopkins el premio London Critics’ Circle al Mejor Actor.
En 1986, Oldman debutó en la exitosa película Sid & Nancy, por la que ganó el premio Evening Standard British Film Award al Actor Novel más prometedor por su interpretación de la leyenda del pop rock Sid Vicious. El año siguiente actuó en Ábrete de orejas, de Stephen Fears, por la que ganó el premio London Film Critics Circle al Mejor Actor por su interpretación del condenado dramaturgo británico Joe Orton. Desde entonces se ha convertido en uno de los actores más respetados de la industria del cine, actuando tanto en las películas más taquilleras como en las más aclamadas del cine independiente. Entre las películas más antiguas de Oldman están Track 29, Ley criminal y Héroes de papel, de Nicolas Roeg; Rosencrantz y Guildenstern han muerto, de Tom Stoppard, por la que ganó una nominación al premio Independent Spirit al Mejor Actor; El clan de los irlandeses; Henry y June; J.F.K.: caso abierto, de Oliver Stone, en la que interpretó a Lee Harvey Oswald; y Drácula, de Francis Ford Coppola, en la que interpretó el papel protagonista.
Otros trabajos cinematográficos posteriores de Oldman son sus papeles memorables en Amor a quemarropa, de Tony Scott; Romeo is bleeding (doble juego); The professional (El Profesional) y El quinto elemento, de Luc Besson; Amor inmortal; Homicidio en primer grado; La letra escarlata, de Roland Joffe; Basquiat, de Julian Schnabel; Air Force One (El avión del presidente), de Wolfgang Petersen; la versión cinematográfica de Perdidos en el espacio y Hannibal, de Ridley Scott. Últimamente ha aparecido en la adaptación de Robert Zemeckis del clásico navideño de Charles Dickens Cuento de Navidad y en El libro de Eli.
En 1995, Oldman y el jefe/socio de producción Douglas Urbanski formaron la productora The SE8 Group, que produjo el debut de Oldman como director y guionista en Los golpes de la vida. La película fue invitada al quincuagésimo festival de cine de Cannes de 1997 en la competición principal, donde Kathy Burke ganó el premio a la Mejor Actriz por su papel. Además, Oldman ganó dos premios BAFTA a la Mejor Película Británica y al Mejor Guión, el premio Channel 4 Director’s Award en el Festival Internacional de Cine de Edimburgo y el Empire Award al Mejor Director Novel. También fue productor ejecutivo y apareció en la película del SE8 Group Candidata al poder, que recibió dos nominaciones al Óscar® y otorgó a Oldman una nominación al premio Screen Actors Guild Award® al Mejor Actor Secundario.
En televisión, Oldman ganó una nominación al premio Emmy por su aparición estelar interpretando a un actor alcohólico en la famosa comedia Friends. Entre sus trabajos más antiguos en televisión están las películas Meantime, dirigida por Mike Leigh y The firm, dirigida por Alan Clarke.

BILLY BURKE (Cesaire) también es conocido por los fans del género por su papel de Charlie Swan en la saga cinematográfica de éxito Crepúsculo. Interpretó el papel en la primera película, Crepúsculo, lo que también supuso su primera colaboración con la directora Catherine Hardwicke. Burke retomó el papel en la continuación de la saga, en las películas Luna nueva y Eclipse y aparecerá de nuevo en La saga Crepúsculo: Amanecer, que se estrenará en dos partes: la primera de ellas en noviembre de 2011 y la segunda en 2012. Burke tiene otras películas pendientes de estreno, tales como Furia ciega, coprotagonizada por Nicolas Cage y la película indie Highland Park.
También aparece en los thrillers dirigidos por Gregory Hoblit, Rastro oculto (Untraceable), con Diane Lane y Fracture con Anthony Hopkins y Ryan Gosling; la comedia romántica de Robert Benton El juego del amor; el drama basado en hechos reales de Jay Russell Brigada 49, con John Travolta y Joaquin Phoenix; La hora de la araña de Lee Tamahori; Sin límite del escritor y director Robert Towne y la película de Jim Abraham Mafia. ¡Estafa como puedas!. Burke también ha trabajado en películas independientes como Forfeit y Dill Scallion, por nombrar solo algunas.
En televisión, Burke ha trabajado recientemente en papeles para la serie de la TNT Rizzoli and Isles y la serie de la TBS Mis chicos y yo. Anteriormente colaboró en siete espeluznantes episodios de la segunda temporada de 24. También apareció en la serie Wonderland, creada por Peter Berg, además de colaborar en las series Ley y Orden, Fringe y The Closer.
Además de la interpretación, Burke es un músico consagrado que toca la guitarra y el piano. Actuó en Seattle con el grupo de rock Outcast Theatre durante muchos años. Su álbum debut, Removed, salió a la venta el pasado mes de junio.

SHILOH FERNANDEZ (Peter) también protagoniza la película independiente Skateland que se estrenará el próximo mes de marzo, pero que ya se presentó en la sección a concurso del Festival de Cine de Sundance en 2010, ganándose el aplauso del público en otros festivales de cine, como en el SXSW.
Fernandez creció en una pequeña ciudad del Norte de California, Ukiah, y con 19 años se mudó a Los Ángeles para iniciarse en el mundo de la interpretación. Los primeros elogios que recibió fue gracias a la película para televisión del 2006 El último adiós. Al año siguiente fue su debut en el cine con el thriller indie Interstate.
Las siguientes películas incluyen el drama Red, con Brian Cox, estrenada en el Festival de Cine de Sundance en 2008, Gardens of the Night con John Malkovich, Jeremy Sisto y Harold Perrineau; From Within, con Thomas Dekker; Deadgirl, estrenada en el Festival Internacional de Cine de Toronto en 2008; la aclamada por la crítica Cadillac Records, coprotagonizada por Adrien Brody, Beyoncé Knowles, Jeffrey Wright y Gabrielle Union; 16 to Life y Happiness Runs.
En televisión, Fernandez protagonizó el spin-off de Gossip Girl y ha hecho numerosas colaboraciones en series como Jericho, la serie United States of Tara de Showtime y creada por Diablo Cody, Three Rivers y CSI: Nueva York.

MAX IRONS (Henry) ha obtenido recientemente una nominación al prestigioso premio Ian Charleson Award por su interpretación en Wallenstein de Friedrich Schiller en el Chichester Festival Theatre, lo que supuso su debut profesional en los escenarios.
Más recientemente lo hemos podido ver en la miniserie británica The Runaway basada en el éxito de Martina Cole.
Irons se graduó en la escuela de música y teatro The Guildhall School of Music and Drama en el verano de 2008. Durante su formación, perfeccionó su arte en papeles para obras como Edipo, The Revenger’s Tragedy, El jardín de los cerezos, Plenty, The London Cuckolds, Noche de reyes, Semi-Monde, Under The Blue Sky y New Girl in Town.
Nacido en Londres, Iron se une al legado de su familia para formar parte del mundo de la interpretación. Sus padres son Jeremy Irons y Sinead Cusack, ambos actores premiados, y su abuelo el gran actor irlandés Cyril Cusack.

VIRGINIA MADSEN (Suzette) obtuvo la nominación al Oscar®, al Globo de Oro y al Screen Actors Guild (SAG) Award® por su trabajo en el éxito de Alexander Payne de 2004 Entre copas. Por su interpretación en esta película, Madsen ganó un premio Independent Spirit Award, además de premios a la Mejor Actriz de Reparto de asociaciones de críticos como las de Nueva York, Chicago, Los Ángeles, Toronto y Broadcast Film Critics. Madsen y sus compañeros de reparto en Entre copas compartieron el premio SAG Award® al Mejor Reparto Cinematográfico.
Más recientemente, Madsen protagonizó Firewall con Harrison Ford; la última película de Robert Altman El último show, con Meryl Streep y Kevin Kline; El granjero astronauta, con Billy Bob Thornton; El número 23 de Joel Schumacher, con Jim Carrey; la película indie Ripple Effect, de la que también fue productora ejecutiva; Diminished Capacity con Matthew Broderick y Exorcismo en Connecticut. Además, Madsen tiene otras películas pendientes de estreno, como Father of Invention, con Kevin Spacey; The Art of Love y The Bell Jar, basada en la famosa novela de Sylvia Plath.
Madsen también ha creado su propia productora con Karly Meola, Title IX Productions. Su primer proyecto fue el documental I Know A Woman Like That, estrenado en el año 2009 en el Festival de Cine Phoenix y de forma oficial en 2009 en el Festival de Cine de Chicago. El documental, dirigido por la madre de Madsen, Elaine Madsen, es el retrato de algunas mujeres extraordinarias de 64 a 94 años. Title IX tiene además otros proyectos en desarrollo.
Otras películas anteriores de Madsen incluyen El poder de la justicia de Francis Ford Coppola, con Matt Damon; Fantasmas del pasado de Rob Reiner, con Alec Baldwin, Whoopi Goldberg y James Woods; el clásico de terror Candyman, el dominio de la mente; Labios ardientes de Dennis Hopper; Slam Dance (Sin vía de escape) de Wayne Wang y Dune de David Lynch.
En la pequeña pantalla, Madsen ha protagonizado la serie de la ABC Scoundrels y ha trabajado también en la temporada final de Monk de Tony Shalhoub.

LUKAS HAAS (Padre Auguste) ha aparecido recientemente en Origen de Christopher Nolan con Leonardo DiCaprio. Sus próximas películas incluyen el thriller Contraband, con Mark Wahlberg, Meth Head y Crazy Eyes.
Haas tenía solo nueve años cuando empezó su carrera cinematográfica en Único testigo de Peter Weir, donde su interpretación de un niño del grupo religioso de los amish que presencia un asesinato cautivó tanto a los críticos como a la audiencia. Siguió interpretando papeles en películas como El misterio de la dama blanca, The Wizard of Loneliness, la película de Alan J. Pakula Amores compartidos, La caja de música de Costa-Gavras y la película de Martha Coolidge El precio de la ambición, en la cual el joven actor protagoniza con Laura Dern una escena de seducción muy polémica.
Otras de sus películas posteriores son Convictos, escrita por Horton Foote; Alan and Naomi; El charlatán con Steve Martin; Todos dicen I Love You de Woody Allen; Mars Attacks! de Tim Burton; El desayuno de los campeones de Alan Rudolph, en la que desmotró su talento musical en la banda sonora; Brick de Rian Johnson; Last Days de Gus Van Sant; Alpha Dog de Nick Cassavetes; Material Girls de Martha Coolidge; las películas indies Gardener of Eden y El republicano (The Tripper), dirigidas por Kevin Connolly y David Arquette respectivamente en el debut como director de ambos y Death In Love, la cual compitió en el Festival de Cine de Sundance en 2008.
En televisión, Haas ha participado recientemente en algunas series, como la de éxito 24, Mentes criminales y El séquito. Anteriormente, obtuvo la nominación al Emmy por su actuación en el papel principal de la película Juicio a un menor.
Sus primeros trabajos también incluyen la producción teatral en 1988 en el Lilcoln Center Esperando a Godot, en la cual Haas actuaba con Steve Martin y Robin Williams, bajo la dirección de Mike Nichols.
Además de la interpretación, Haas también ha cosechado éxito en la música, ya que es un pianista y baterista de gran talento y ha actuado con artistas de la talla de Outkast y Macy Gray, llegando a tener su propio EP.

JULIE CHRISTIE (Abuela) es una legendaria actriz ganadora de numerosos premios en una trayectoria de más de medio siglo. Ganadora de un Oscar® y nominada al mismo tres veces más como Mejor Actriz, su papel más reciente es su conmovedora interpretación en la película indie de 2008 Lejos de ella. Además de la nominación al Oscar®, su trabajo en esta película también le valió un Globo de Oro, un Screen Actors Guild Award® y premios a la Mejor Actriz por parte de los principales grupos de críticos, como el New York Film Critics y el London Film Critics, entre otros.
Nacida en la India, Christie se educó en Inglaterra y más tarde estudió interpretación. Hizo su debut cinematográfico en 1963 en Billy, el embustero, dirigida por John Schlessinger. Dos años después, se reunió con Schlessinger para protagonizar Darling, por la cual Christie ganó un Oscar®, además de un BAFTA, ambos a la Mejor Actriz. Continuó protagonizando películas como la épica película de David Lean Doctor Zhivago; Farenheit 451 de Francois Truffaut; Lejos del mundanal ruido, dirigida por Schlessinger y la película de Richard Lester Petula.
La segunda nominación al Oscar® fue por su interpretación en el Western de 1971 de Robert Altman Los vividores, con Warren Beatty. Durante los años 70, protagonizó también con Beatty Shampoo de Hal Ashby y el remake de El cielo puede esperar, que Beatty codigirió con Buck Henry.
Christie recibió su tercera nominación al Oscar® por su papel en la película de Alan Rudolph Afterglow, por la cual también ganó un premio Independent Spirit Award y un premio Evening Standard British Film Award. Además, los grupos de críticos más importantes la nombraron Mejor Actriz.
Su larga lista de películas también incluye la película de Kenneth Branagh Hamlet, DragonHeart (Corazón de dragón) de Rob Cohen, Troya de Wolfgang Petersen, Harry Potter y el prisionero de Azkaban de Alfonso Cuarón, Descubriendo Nunca Jamás de Marc Forster y la antología New York, I Love You.


SOBRE LOS CINEASTAS

CATHERINE HARDWICKE (Directora/Productora Ejecutiva) dirigió la película Crepúsculo, primera de la saga cinematográfica basada en las novelas de éxito de Stephenie Meyer. La película recaudó 69,6 millones de dólares en su primer fin de semana en la cartelera, el mejor estreno de una directora, y continuó recaudando casi 400 millones de dólares en todo el mundo. En pleno rodaje de la película, Hardwicke escribía Crepúsculo: Diario de la directora, publicado por Little Brown, en el que muestra sus fotos personales del rodaje y sus experiencias durante la dirección. El libro ocupó las listas de superventas del New York Times y USA Today.
Hardwicke va a dirigir un buen número de películas como Hamlet, protagonizada por Emile Hirsch, el thriller de ciencia ficción The Maze Runner y Maximum Ride, la adaptación a la gran pantalla de la serie de libros del escritor James Patterson. Otros de su proyectos futuros son The Monkey Wrench Gang, basado en la novela original ecologista de Edward Abbey y Swerve, una comedia basada en el guión original de Hardwicke sobre nuestra relación de amor/odio con el consumismo.
Su debut como directora fue en la aclamada película de 2003 Thirteen, para la cual también co-escribió el guión. La película estaba protagonizada por Holly Hunter, Evan Rachel Wood y Nikki Reed y todas recibieron premios por su interpretación, incluyendo la nominación al Oscar® para Hunter. Hardwicke ganó el Premio de Dirección en el Festival de Cine de Sundance en 2003 y las nominaciones a la Mejor Película Revelación y al Mejor Guión Revelación de los premios Independent Spirit Award. Además, la película ganó premios en los festivales de Deauville, Locarno y Nantucket. Más tarde, Hardwicke dirigió Los amos de Dogtown y la épica Natividad.
Antes de comenzar su carrera como directora, Hardwicke había demostrado su destacable estilo visual cuando trabajó como diseñadora de producción en más de 20 películas. Colaboró con notables directores como Cameron Crowe, en Vanilla Sky; David O. Russell, en Tres reyes; Costa-Gavras, en Mad City; Lisa Cholodenko, en Laurel Canyon y Richard Linklater, en The Newton Boys y Suburbia.
Procedente de la ciudad de MacAllen en el sur de Texas, Hardwicke estudió arte en México y se graduó en Arquitectura en la Universidad de Texas en Austin. Entonces entró en un curso de postgrado de la escuela de cine de UCLA, donde realizó su primer corto animado. La película le valió el premio Nissan Focus y viajó gracias al programa de cine de la Universidad de California “Best of UCLA”.

JENNIFER DAVISSON KILLORAN (Productora) es la presidenta de la productora de Leonardo DiCaprio, Appian Way, donde supervisa un amplio número de películas. Lo más reciente que ha producido es el thriller La huérfana y actualmente prepara la versión real del clásico de anime Akira. Appian Way incluye una amplia y diversa gama de películas como Wolf of Wall Street, basada en la memoria de un conocido broker de Wall Street; la película basada en la clásica serie de televisión La cuarta dimensión y la adaptación de Erik Larson sobre el asesino en serie H. H. Holmes, The Devil in the White City.
En la pequeña pantalla, Killoran trabajó como productora ejecutiva en la serie de documentales de gran éxito Greensburg, en el cual la ciudad de Greensburg, Kansas, se reconstruye y se convierte en “verde” después de haber sido arrasada por un tornado.
Además de trabajar en Appian Way, Jennifer ha trabajado como representante de Rick Yorn durante los últimos 11 años.

LEONARDO DiCAPRIO (Productor) es un galardonado actor y ha sido nominado tres veces a los Oscar®. Ha protagonizado recientemente la película de éxito Origen de Christopher Nolan y el thriller dramático Shutter Island, que supuso su cuarta colaboración con el director Martin Scorsese. Actualmente se encuentra rodando el papel principal en J. Edgar bajo la dirección de Clint Eastwood.
DiCaprio ganó su último Oscar® en 2007 por su interpretación en el drama de Edward Zwick Diamante de Sangre, que también le valió las nominaciones a los Globos de Oro, los premios Critics’ Choice y los premios Screen Actors Guild® (SAG). Ese mismo año, estuvo nominado al Globo de Oro, al premio BAFTA, al premio Critics’ Choice y al SAG® por su papel en la película ganadora del Oscar® a la Mejor Película, Infiltrados, dirigida por Scorsese. También compartió la nominación al Mejor Reparto Cinematográfico de los SAG® por su participación en el reparto de Infiltrados.
Anteriormente, obtuvo la nominación a los Oscar® por su interpretación en la aclamada película biográfica de Scorsese El aviador. La interpretación de Howard Hughes que realizó DiCaprio en dicha película le valió el Globo de Oro al Mejor Actor Dramático, así como las nominaciones a los premios Critics’ Choice y al BAFTA. Además, obtuvo una nominación al Mejor Actor y otra al Mejor Reparto de los premios SAG® por El aviador.

Además de su carrera como actor, DiCaprio creó su propia productora, Appian Way, con la que escribió, produjo y narró el aclamado documental de trasfondo medioambiental 11th Hour. Entre las producciones de Appian Way se encuentran Shutter Island, La huérfana, Enemigos públicos, Gardener of Eden, El aviador y El asesinato de Richard Nixon.
DiCaprio, nacido en Hollywood, California, comenzó su carrera como actor a los 14 años. Su primer papel le llegó en 1993 de la mano de Michael Caton-Jones en la adaptación cinematográfica del drama autobiográfico de Tobias Wolff Vida de este chico. Ese mismo año, coprotagonizó la película de Lasse Hallström, ¿A quién ama Gilbert Grape?, obteniendo sus primeras nominaciones al Oscar® y los Globos de Oro por su interpretación de un joven deficiente psíquico. Además, obtuvo el premio National Board of Review al Mejor Actor Secundario y el premio de las Nuevas Generaciones de la asociación de críticos Los Angeles Film Critics Association por su trabajo en dicha película.
En 1995, DiCaprio protagonizó tres películas muy diferentes, empezando con el western Rápida y mortal de Sam Raimi. También recibió grandes alabanzas por su interpretación del drogadicto Jim Carroll en el impresionante drama Diario de un rebelde, y posteriormente como el perturbado poeta pansexual Arthur Rimbaud en Eclipse total de Agnieszka Holland. Al año siguiente, DiCaprio protagonizó una adaptación contemporánea para la gran pantalla de Romeo y Julieta de William Shakepeare, dirigida por Baz Luhrmann, con la que obtuvo el premio al Mejor Actor en el Festival Internacional de Cine de Berlín. También participó en el estelar reparto de La habitación de Marvin, compartiendo la nominación al Mejor Reparto Cinematográfico de los premios SAG®.
En 1997, DiCaprio protagonizó junto a Kate Winslet la exitosísima Titanic, por la que fue nominado a los Globos de Oro. La película batió todos los récords de taquilla en su trayectoria hasta ganar 11 Oscars®, incluyendo el de Mejor Película. Otros títulos posteriores incluyen su doble papel en El hombre de la máscara de hierro; La playa (The Beach); Celebrity de Woody Allen; Atrápame si puedes de Steven Spielberg, que le valió la nominación a los Globos de Oro; Gangs of New York, que marcó su primera colaboración con Martin Scorsese; Red de mentiras de Ridley Scott y Revolutionary Road de Sam Mendes, que volvió a reunir a DiCaprio y Winslet y por la cual el actor obtuvo su séptima nominación a los Globos de Oro.
DiCaprio también es conocido por su implicación en campañas de respeto al medioambiente en todo el mundo. Tras crear la Leonardo DiCaprio Foundation en 1998 y, posteriormente, LeonardoDiCaprio.org ha colaborado con otras organizaciones para fomentar el respeto al medioambiente. A comienzos de 2008, la DiCaprio Foundation se unió a la California Community Foundation y, en la actualidad se denomina Leonardo DiCaprio Fund en CCF. Además, DiCaprio participa en los consejos del NRDC y Global Green USA.

JULIE YORN (Productora) ha producido recientemente el thriller de acción Imparable de Tony Scott, protagonizado por Denzel Washington, Chris Pine y Rosario Dawson. La película recaudó más de 150 millones de dólares en todo el mundo. Actualmente se encuentra produciendo We Bought a Zoo, escrita y dirigida por Cameron Crowe y protagonizada por Matt Damon, Scarlett Johansson y Elle Fanning; además de la aventura del rey Arturo Excalibur de Bryan Singer, prevista para 2012.
Las películas anteriores de Yorn como productora incluyen la comedia Bride Wars, protagonizada por Anne Hathaway y Kate Hudson; el thriller de cine negro Max Payne, protagonizada por Mark Wahlberg y la película indie The Christmas Cottage, protagonizada por Marcia Gay Harden, Jared Padalecki y Peter O'Toole.
Por otra parte, Yorn ha trabajado como productora ejecutiva de películas como Atraco en la iglesia (First Sunday), protagonizada por Ice Cube; El exorcismo de Emily Rose; Los renegados del diablo de Rob Zombie; el drama basado en asesinatos reales Wonderland; la película de Kasi Lemmons Eve’s Bayou y las películas dirigidas por Steve Buscemi Animal Factory y Trees Lounge (Una última copa).
Para televisión, Yorn trabajó como productora ejecutiva de la miniserie de 2008 Comanche Moon, precuela de Larry McMurtry al clásico Paloma solitaria.

DAVID LESLIE JOHNSON (Guionista) escribió el thriller de terror La huérfana, protagonizada por Vera Farmiga y Peter Sarsgaard bajo la dirección de Jaume Collet-Sera, película para la que realizó su primer guión.
Actualmente trabaja con Dan Mazeau en Wrath of the Titans, la continuación a la película de 2010 Furia de titanes, además de otros proyectos en desarrollo.
Johnson estudió en la Ohio State University en Columbus, Ohio, y se graduó en Bellas Artes en la especialidad de Fotografía y Cine. Empezó su carrera como asistente de producción en la película de Frank Darabont Cadena perpetua, la cual se rodó en la ciudad natal de Johnson, Mansfield, Ohio, en el histórico reformatorio de la ciudad, donde su bisabuelo fue guardia de prisiones. Johnson pasó los siguientes cinco años como asistente de Darabont, aprovechando la oportunidad de perfeccionarse como guionista.

MICHAEL IRELAND (Productor Ejecutivo) trabaja para la productora de Leonardo DiCaprio, Appian Way. Trabajó por primera vez como productor ejecutivo en la película La huérfana.
Antes de dedicarse al cine, Ireland fue director de desarrollo en la MTV y se graduó en la Universidad de California del Sur en la especialidad de guionista en 1999.

JIM ROWE (Productor Ejecutivo) fue ayudante de director en más de 20 películas antes de dar el salto como responsable de la unidad de producción en Un san Valentín de muerte, donde también trabajó como co-productor.
Como responsable de la unidad de producción también trabajó en las películas Juego de espías, The Perfect Score (La puntuación perfecta), Scooby Doo 2, Underworld: Evolution, Pequeño pero matón, Flipado sobre ruedas, y la película de 2007 aclamada por la crítica de Zack Snyder Watchmen.
Ha colaborado de forma reciente con Snyder en su próxima película, la esperada Sucker Punch, en la que Rowe trabaja como productor ejecutivo.

MANDY WALKER (Directora de Fotografía) ha recibido premios en su Australia natal por su trabajo en un buen número de películas, los más recientes son un premio de los críticos del Film Critics Circle de Australia (FCCA) Award y otro Satellite Award por su trabajo en la película épica de Baz Luhrmann Australia, protagonizada por Nicole Kidman y Hugh Jackman. También recibió el premio a la Cinematógrafa del Año en el Festival de cine de Hollywood de 2008 y ganó el prestigioso premio Lucy Award de mujeres del cine. Ya había trabajado antes con Luhrmann y Kidman en la famosa campaña de Chanel Nº 5.
En 2002, los compañeros de Walker reconocieron su trabajo con un Premio de Honor de la Asociación Cinematográfica de Australia (ACS) por su trabajo en Lantana. Ese mismo año, también recibió nominaciones al FCCA Award por su trabajo en esa película y por la película Australian Rules. Anteriormente ganó un premio Australian Film Institute (AFI) a la Mejor Cinematografía por la película de 1996 Parklands, por la que también recibió su primer Premio de Honor ACS. Al año siguiente, obtuvo las nominaciones al premio AFI y al FCCA por El pozo.
En 2004, Walker obtuvo la nominación al Independent Spirit Award por su trabajo en el drama real El precio de la verdad. Otras de sus películas son Walk the Talk y Serenata de amor, la cual ganó la Camera d’Or en el Festival de Cine de Cannes en 1996.
La última película de Walker es Beastly del director y guionista Daniel Barnz.

TOM SANDERS (Diseñador de Producción) ha obtenido dos nominaciones al Oscar® en la categoría de Mejor Dirección Artística. Recibió su primera nominación al Oscar® por su trabajo en la película Drácula de Bram Stoker, dirigida por Francis Ford Coppola, la cual supuso la primera vez que Sanders trabajó como diseñador de producción. Su segunda nominación vino con la aclamada película dramática sobre la Segunda Guerra Mundial de Steven Spielberg Salvar al soldado Ryan. También obtuvo nominaciones al BAFTA Award al Mejor Diseño de Producción por ambas películas, además de la película épica de Mel Gibson Braveheart.
Más recientemente, Sanders fue el diseñador de producción en el drama basado en hechos reales Secretariat, dirigida por Randall Wallace, con quien había trabajado antes en el drama sobre la Guerra de Vietnam Cuando éramos soldados. Otras películas de Sanders incluyen Al límite (Edge of Darkness) de Martin Campbell, la película de Mel Gibson Apocalypto, La conspiración del pánico (Eagle Eye) de D.J. Caruso, Dicen por ahí de Rob Reiner, la película de John Woo Misión Imposible 2, Fathers’Day de Ivan Reitman y las películas de Richard Donner Asesinos y Maverick. Anteriormente había trabajado como director artístico en la película de Steven Spielberg Hook (El capitán Garfio) y las películas de Tony Scott Días de trueno y Revenge.

NANCY RICHARDSON (Editora) trabaja por cuarta vez con la directora Catherine Hardwicke en Caperucita roja (¿A quién tienes miedo?), anteriormente trabajó en la película de éxito Crepúsculo, además de las películas aclamadas por la crítica Thirteen y Los amos de Dogtown.
El trabajo reciente como editora de Richardson incluye el éxito de 2010 Eclipse, la tercera película de la saga Crepúsculo; el drama romántico de Julie Anne Robinson La última canción (The Last Song), protagonizada por Miley Cyrus y el éxito musical de 2006 Step Up. Bailando de la directora Anne Fletcher.
Graduada en la Universidad de California Berkeley, Richardson obtuvo su graduado MFA de la UCLA del departamento de cine. Su primera película como editora fue en 1988 con Lecciones inolvidables del director Ramón Menéndez y después trabajó con Charles Burnett en la comedia Nunca te acuestes enfadado. Más tarde formó equipo con Burnett en la película independiente The Annihilation of Fish y la película para la ABC Selma, Lord, Selma y se volvió a reunir con Menéndez en ¡Qué no hacer con un millón de dólares!. También trabajó como editora con el director Gregory Nava en las siguientes películas: My family, Mi Familia; la película biográfica Selena, que lanzó la carrera de Jennifer Lopez y A tres bandas.
Otras películas de Richardson son Down in the Delta, que marcó el debut de la directora Maya Angelou; Atrapado y las películas para televisión When Billie Beat Bobby and Hendrix, por la que obtuvo una nominación al Emmy.
Richardson ha trabajado en el consejo de administración de la Editors Guild durante ocho años y también ha ejercido como profesora en la UCLA School of Film, Television and Digital Media.

JULIA WONG (Editora) ha editado tanto películas de grandes estudios como películas independientes. Su películas más recientes incluyen Extract del director y guionista Mike Judge; La pantera rosa 2, protagonizada por Steve Martin; Novio por una noche, End Game de Andy Cheng, protagonizada por Cuba Gooding, Jr. y el éxito de Brett Ratner X3 (X-Men 3: La decisión final.
Wong había trabajado anteriormente con Ratner como editora auxiliar en El gran golpe (After the Sunset). En el comienzo de su carrera, trabajó como ayudante del editor en la película de Adrian Lyne Infiel y la de Steven Soderbergh Erin Brockovich.

JEFFREY A. OKUN (Director de Efectos Especiales) ha obtenido recientemente su tercera nominación al premio Visual Effects Society Award en 2009 a los Mejores Efectos Especiales del Año por su trabajo en Ultimátum a la tierra (The Day the Earth Stood Still). Ganó en 2004 el premio a los Mejores Efectos Especiales por El último Samurái, y obtuvo una nueva nominación en 2007 en la misma categoría por Diamante de sangre.
Otras películas de Okun como director de efectos especiales son Elizabethtown, Planeta rojo, Deep Blue Sea, Esfera, Stargate, puerta a la estrellas y Starfighte. La aventura comienza.
También ha trabajado en los efectos de videos musicales para una gran variedad de artistas como Sting, The Beatles, Jimi Hendrix, Janet Jackson, Wayne Newton, Bryan Adams, Amy Grant, Dolly Parton, Prince, Michael Jackson, The Neville Brothers y Rod Stewart.

CINDY EVANS (Diseñadora de vestuario) ya había trabajado con Catherine Harwicke como diseñadora de vestuario en las películas Los amos de Dogtown y Thirteen. Recientemente ha trabajado como diseñadora de vestuario en la galardonada película biográfica para la HBO Temple Grandin, protagonizada por Claire Danes y el drama contemporáneo basado en hechos reales Caza a la espía (Fair Game), dirigida por Doug Liman.
Otras películas de Evans incluyen el éxito para toda la familia de David Frankel Una pareja de tres (Marley & Me), protagonizada por Owen Wilson y Jennifer Aniston; las protagonizadas por Hilary Swank Posdata: te quiero y Diarios de la calle, ambas dirigidas por Richard LaGravanese; las películas de Charlize Theron Lejos de la tierra quemada (The Burning Plain) y En tierra de hombres; Misteriosa obsesión, protagonizada por Julianne Moore; Y entonces llegó ella, con Ben Stiller y Jennifer Aniston; el drama La calle de las tentaciones (Laurel Canyon); Buen rollito y la galardonada película de Christopher Nolan Memento.

BRIAN REITZELL (Compositor) toca numerosos instrumentos, además de ser compositor, productor musical y director. Durante la última década, ha creado su propio y exclusivo método de dar música a las películas, moviéndose entre la banda sonora, las canciones y el diseño de sonidos.
Reitzell compondrá próximamente la banda sonora de la comedia Goats, protagonizada por Minnie Driver, Will Arnett, Keri Russell y David Duchovney. Ha trabajado de forma reciente en la película Beginners y en 30 días de oscuridad como compositor y director de música, además de en Más extraño que la ficción y en la película de Peter Berg Friday Night Lights. Recibió una nominación al premio Anthony Asquith Award y otra nominación al Film Music BAFTA Award por su trabajo como compositor en la película de Sofia Coppola Lost in Translation. Había colaborado anteriormente con Coppola como director de música en Las vírgenes suicidas y Marie Antoinette (María Antonieta).
Reitzell también ejerció como director de música en CQ, Thumbsucker (Haciendo dedo) y The Brothers Bloom.

ALEX HEFFES (Compositor) puso música a las oscarizadas películas de Kevin Macdonald Un día de septiembre y El último rey de Escocia y, más recientemente, a La sombra del poder. Otras películas recientes en las que ha trabajado incluyen El rito de Mikael Håfström; el documental nominado al Oscar® Inside Job y The First Grader de Justin Chadwick. Heffes también ha puesto música a la adaptación cinematográfica de Tim Burton del musical de Stephen Sondheim, Sweeney Todd: el barbero diabólico de la calle Fleet.
Otras de sus películas son Touching the Void, la película de la HBO Tsunami: El día después, por la cual obtuvo la nominación al BAFTA Award; Mi querido Frankie; Trauma; Rosas rojas y El agente de la condicional. También colabora con el director Peter Webber en una serie de producciones multimedia para Qatar.
Tras graduarse en Oxford, Heffes primero trabajó como escritor y en proyectos que cubrían el espectro musical desde bandas de percusión hasta sinfonías en orquestas con artistas como Elthon John y miembros de Blur antes de dedicarse a la música en el cine.
En el ámbito de los conciertos, ha presentado su música en diversos lugares como en el Symphony Hall Birmingham, el London Jazz Festival y el Edinburgh Fringe Festival. Fue compositor residente en el Sangat Music Festival de Bombay, India y, en 2003, fue invitado al Sultanato de Omán para asistir a la presentación de su obertura comisionada por la Oman Royal Symphony Orchestra. Su grupo de música, Alex Heffes Trio, trabajó en las bandas sonoras de Cosas de mujeres y Circus. Actualmente trabaja en un proyecto que incluye colaboraciones con Ryuichi Sakamoto, Regina Spektor, Yasmin Levy, Mathew Barley entre otros.



CAST

Valerie AMANDA SEYFRIED
Solomon GARY OLDMAN
Cesaire BILLY BURKE
Peter SHILOH FERNANDEZ
Henry MAX IRONS
Suzette VIRGINIA MADSEN
Father Auguste LUKAS HAAS
Grandmother JULIE CHRISTIE
Roxanne SHAUNA KAIN
The Reeve MICHAEL HOGAN
Captain ADRIAN HOLMES
Claude COLE HEPPELL
Madame Lazar CHRISTINE WILLES
Adrien Lazar MICHAEL SHANKS
Prudence KACEY ROHL
Rose CARMEN LAVIGNE
Tavern Owner DON THOMPSON
Captain’s Brother MATT WARD
Young Valerie MEGAN CHARPENTIER
Young Peter DJ GREENBURG
Marguerite JENNIFER HALLEY
Lucie ALEXANDRIA MAILLOT
Wolf Voice ARCHIE RICE
Solomon’s Daughters BELLA
OLIVIA STEELE-FALCONER
Man in Wolf Costume ALEXANDER PESUSICH
Woodcutter JORDAN BECKER
Solomon’s Soldiers JAMES MICHALOPOULOS
DARREN SHAHLAVI
DALIAS BLAKE
MICHAEL ADAMTHWAITE
LAURO CHARTRAND
BRAD KELLY
PAUL WU
GAVIN BUHR
SAMUEL SMITH
Dancers CHE PRITCHARD
KAITLYN McCREADY
MICHELLE C. SMITH
SARAH ELGART
Stunt Coordinators ANDY CHENG
SCOTT NICHOLSON

Stunts

KRISTA BELL MIKE GARTHWAITE
CODY THOMSON CLAY VIRTUE
BRENT CONNOLLY CHRISTOPHER GORDON
JONATHAN KRALT CODY LAUDAN
ROB HAYTER CHRIS WEBB
GREG SCHLOSSER PHILLIP MITCHELL
ELI ZAGOUDAKIS QUENTIN SCHNEIDER
SYLVESTA STUART KYE WALSTROM
TREVOR JONES MIKE DESABRAIS
LLOYD CUNNINGHAM KORY GRIM
NESTA CHAPMAN JEFF SANCA
JOVAN NENADIC OWEN WALSTROM
DAVE HOSPES YVES CAMERON
SCOTT ATEAH DUANE DICKINSON
BRUCE CRAWFORD MELISSA R. STUBBS
TONY MORELLI MAJA STACE-SMITH
DON LEW





Soundtrack Album on WaterTower Music

“Towers Of The Void”
Written and produced by Anthony Gonzalez and Brian Reitzell

“Crystal Visions”
Written by Milo Cordell and Robertson Furze

“The Wolf”
Written by Karin Dreijer Andersson, Liliana Zavala, Christoffer Berg,
Van Rivers and Peder Mannerfelt p/k/a The Subliminal Kid
Produced by Karin Dreijer Andersson, Brian Reitzell, Liliana Zavala,
Christoffer Berg, Van Rivers and Peder Mannerfelt p/k/a The Subliminal Kid
Performed by Fever Ray
Fever Ray appears courtesy of Rabid Records

“Fire Walking”
Written and produced by Anthony Gonzalez and Brian Reitzell

"Keep The Streets Empty For Me"
Written by Cecilia Nordlund and Karin Dreijer Andersson
Performed by Fever Ray
Courtesy of Rabid Records under exclusive license to Mute
Under license from EMI Film & Television Music

"Let's Start An Orchestra"
Written and performed by Ken Andrews and Brian Reitzell

"Ozu Choral" and "Piano Study No. 1 (Symphonic)"
Written and performed by Brian Reitzell

“Crystal Visions”
Written by Milo Cordell and Robertson Furze
Performed by The Big Pink
Courtesy of 4AD Records

“Just A Fragment Of You”
Written and produced by Anthony Gonzalez and Brian Reitzell
Performed by Anthony Gonzalez and Brian Reitzell

American Humane Association monitored the animal action. No animals were harmed®.
(AHAD 02260) (logo)

Filmed by PANAVISION ® Camera & Lenses

Prints by TECHNICOLOR ®

KODAK Motion Picture Products

DOLBY Digital (logo) DTS Digital (logo) SDDS (logo)

Approved #46624 (emblem) (IATSE LABEL)
Motion Picture Association of America

This motion picture
© 2011 Warner Bros. Entertainment Inc.
Story & Screenplay
© 2011 Warner Bros. Entertainment Inc.
Original Score
 2011 Warner Olive Music LLC (ASCAP) and Warner Barham Music LLC (BMI)

Warner Bros. Distribution Closing Cloud Shield Logo
SE ESTRENA EL 15 DE ABRIL DE 2011