CINERATURA

RAY BRADBURY

2012-02-02T11:44:00.007+01:00

EL HOMBRE ILUSTRADO
RAY BRADBURY
Ed. Minotauro, Barcelona, 1986

La vida termina como el resplandor de un film, una chispa en una pantalla. Todos los prejuicios y pasiones se reducen y se encienden por un instante en el espacio, y antes que se pueda gritar: -Aquel fue un día feliz, aquel otro un día desgraciado, aquella era una cara malvada, aquella otra una cara bondadosa-, sólo quedan del film unas pocas cenizas. La pantalla se oscurece. Pág. 37.

CINE NEGRO ¿ciclo o género?

2012-01-03T13:19:00.000+01:00

El SUEÑO ETERNO
RAYMOND CHANDLER
ALIANZA EDITORIAL, MADRID, 2001

• Iba bien arreglado, limpio, afeitado y sobrio y no me importaba nada que lo notase todo el mundo. Era sin duda lo que debe ser un detective privado bien vestido. Me disponía a visitar a cuatro millones de dólares. Pág. 7

• El anciano sacó la voz del fondo de un pozo y dijo:
- Brandy, Norris. ¿Cómo le gusta el brandy, señor Marlowe?
- De cualquier manera –dije.
El mayordomo se alejó entre las abominables plantas. El general habló de nuevo, despacio, utilizando sus fuerzas con el mismo cuidado con que una corista sin trabajo usa las últimas medias presentables que le quedan. Pág. 12

• Encendí el cigarrillo y arrojé una buena bocanada en dirección al anciano, que lo olisqueó como un terrier la madriguera de una rata. La débil sonrisa le distendió un poco las comisuras en sombra de la boca.
- Triste situación la de un hombre obligado a satisfacer sus vicios por tercero interpuesto –dijo con sequedad-. Contempla usted una reliquia muy descolorida de una existencia bastante llamativa; un inválido paralizado de ambas piernas y con sólo medio vientre. Son muy escasas las cosas que puedo comer y mi sueño está tan cerca de la vigilia que apenas merece la pena darle ese nombre. Se diría que me nutro sobre todo de calor, como una araña recién nacida, y las orquídeas son una excusa para el calor. ¿Le gustan las orquídeas?
- No demasiado –dije.
El general cerró los ojos a medias.
- Son muy desagradables. Su carne se parece demasiado a la de los hombres. Y su perfume tiene la podredumbre dulzona de una prostituta. Pág. 13

• ¿Salen juntas sus dos hijas?
- Creo que no. Me parece que las dos siguen caminos de perdición separados y un tanto divergentes. Vivian es una criatura malcriada, exigente, lista e implacable. Carmen es una niña a la que le gusta arrancarle las alas a las moscas. Ninguna de las dos tiene más sentido moral que un gato. Yo tampoco. Ningún Sternwood lo ha tenido nunca. Pág. 17

• Me senté en le borde de un sillón muy blando y profundo y miré a la señora Regan, que era merecedora de atención, además de peligrosa. Estaba tumbada en una chaise-longue modernista, sin zapatos, de manera que contemplé sus piernas, con las medias de seda más transparentes que quepa imaginar. Parecían colocadas para que se las mirase. Eran visibles hasta la rodilla y una de ellas bastante más allá. Las rodillas eran redondas, ni huesudas ni angulosas. Las pantorrillas merecían el calificativo de hermosas, y los tobillos eran esbeltos y con suficiente línea melódica para un poema sinfónico. Pág. 21

• A la mañana siguiente el tiempo era luminoso, claro y soleado. Me desperté con sabor a guante de motorista en la boca, bebí un par de tazas de café y repasé los periódicos de la mañana. Pág. 48

• - Bueno, ¿cómo te va la vida? –empezó. Tenía voz de persona que ha dormido bien y que no debe demasiado dinero. Pág. 48

• Me obsequió con una de esas sonrisas que los labios han olvidado antes de que lleguen a los ojos. Pág. 65

• Su voz era la voz exageradamente despreocupada de los tipos duros de las películas. El cine los ha hecho a todos así. Pág. 84

• Tipos que sólo son listos a medias –dijo con un cansado resoplido-. Eso es lo único que consigo. Nunca un tipo que sea listo de principio a fin. Ni una sola vez. Pág. 97

• Un vago atisbo de duda empezaba a nacerle en algún lugar. Aún no lo sabía. Es difícil para las mujeres –incluso las prudentes- darse cuenta de que su cuerpo no es irresistible. Pág. 163

• No me importó. No me importaba todo lo que me llamase, ni lo que nadie pudiera llamarme. Porque aquélla era la habitación en la que yo vivía. No tenía otra cosa que pudiera llamarse hogar. Allí estaba todo lo que era mío, todo lo que tenía relación conmigo, todo lo que podía recibir el nombre de pasado, todo lo que podía hacer las veces de familia. No era mucho; unos cuantos libros, fotografías, radio, piezas de ajedrez, cartas viejas, cosas así. Nada. Pero tales como eran contenían todos mis recuerdos. Pág. 164

• Un edificio muy desagradable. Un edificio donde el olor a viejas colillas de puros sería siempre el aroma menos ofensivo. Pág. 177

• A la salud de las polillas en la estola de visón, como dicen las señoras. Pág. 181

El HALCÓN MALTÉS
DASHIELL HAMMETT
ALIANZA EDITORIAL, MADRID, 2004

- Spade tenía el aspecto de un Satanás rubio. Pág. 9

- Era rubia, de poco más de treinta años. la belleza de su cara conoció probablemente su plenitud cinco años antes. A pesar de ser apretada de carnes tenía el cuerpo bien modelado y exquisito. Iba vestida de negro desde el sombrero a los zapatos. Como luto, la ropa presentaba un aire de improvisación. Así que hubo hablado, retrocedió desde la puerta y quedó esperando a que Spade entrara. Pág. 34

- Tras unos momentos en que apareció confundida y a punto de llorar, Brigid se echó a reír y dijo:
- Está bien. No me parezco en nada a la persona que pretendo representar. Tengo ochenta años, soy increíblemente malvada, y mi profesión es la de herrero. Pero si bien se trata de una postura fingida, estoy ya tan acostumbrada a ella que no debe usted esperar que la descarte por completo ¿estamos? Pág. 70

- Flitcraft había sido un buen ciudadano, un buen marido y un buen padre, no porque estuviera animado por un concepto del deber sino sencillamente porque era un hombre que se desenvolvía más a gusto estando de acuerdo con el ambiente. Le habían educado así. La vida que conocía era algo limpio, bien ordenado, sensato y de responsabilidad. Y ahora, una viga al caer le había demostrado que la vida no es nada de eso. Él, el buen ciudadano, esposo y padre, podía ser quitado de en medio entre su oficina y el restaurante por una viga caída de lo alto. Comprendió que los hombres mueren así, por azar, y que viven sólo mientras el ciego azar los respeta. Pág. 79
- El hombre gordo alzó su vaso y lo contempló al trasluz de la ventana. Meneó la cabeza varias veces en mudo elogio de las burbujas que subían.
- Bien, señor mío, brindo por las palabras francas y un claro entendimiento- dijo. Pág. 126

JANE EYRE (adaptación)

2011-12-01T13:24:00.003+01:00

ESTE VIERNES SE ESTRENA “JANE EYRE”
Mia Wasikowska y Michael Fassbender protagonizan
la nueva adaptación del clásico de Charlotte Brontë

A CONTRACORRIENTE FILMS estrena este viernes la nueva versión de una de las historias más románticas e intensas de la literatura inglesa.

JANE EYRE está dirigida por Cary Fukunaga y cuenta con uno de los repartos de actores jóvenes con más potencial del momento. El papel de Jane Eyre lo interpreta la actriz Mia Wasikowska, protagonista de “Alicia en el País de las Maravillas” y “Los Chicos están bien”; y en el papel de Edward Rochester encontramos a uno de los actores de moda: Michael Fassbender (“Shame”, “X-Men: Primera Generación” y “Un Método Peligroso”). Completan el reparto: Jamie Bell (“Billy Elliott”, “Las Aventuras de Tintin”), Judi Dench (“Shakespeare in Love”, “Casino Royale”) y Sally Hawkins (“Happy, una historia sobre la felicidad”).

La nueva JANE EYRE se ha convertido en un fenómeno en el Reino Unido de la mano de Universal Pictures con más de 6 millones de euros de recaudación, y en Estados Unidos de la mano de Focus Features con un box office de 11 millones de dólares.

Sinopsis
Jane Eyre huye de Thornfield House, donde trabaja como institutriz contratada por el apuesto y acaudalado Edward Rochester. La aislada mansión, así como la frialdad del Sr. Rochester han puesto a prueba la resistencia y fortaleza de la joven. Pero al reflexionar sobre su pasado, Jane regresará a la mansión para descubrir el secreto que esconde el Sr. Rochester.

Han dicho de ella:

“Perfecta adaptación del clásico de Charlotte Brontë”
“Fantástica química entre Michael Fassbender y Mia Wasikowska”
El País

“El resultado es una película de una belleza formal incontestable y cuya atmósfera (Goldman debería ganar el Oscar por la increíble fotografía del filme) refleja a la perfección las emociones de los personajes de la historia”
El Periódico de Catalunya

“Hermosa.
Un espléndido ejemplo de como transformar un clásico de la literatura en una película”
The New York Times

“¡Un clásico para una nueva Generación!
Mia Wasikowska y Michael Fassbender están magníficos”
Peter Travers-Rolling Stone

“La Jane Eyre de Cary Fukunaga es a la literatura del siglo XIX,
lo que “Cisne Negro” es al ballet”
Box Office Magazine

“Una historia de amor tan inteligente como apasionada”
Elle

LA LITERATURA EN LAS COSAS (Congreso)

2011-11-23T12:45:00.001+01:00

La literatura en las cosas, es un encuentro internacional organizado por la Fundación Tomás Eloy Martínez, la Fundación Carolina y Casa de América, que reúne a un grupo de escritores, periodistas y artistas de Iberoamérica para que conversen sobre la influencia y la presencia de la literatura en diferentes campos del arte y del conocimiento. Este encuentro se inspira en la vocación mixta de Tomás Eloy Martínez, cuya obra está atravesada por variados géneros y temas, marcada por el cruce permanente entre la ficción y la no ficción y por la influencia notable que tuvo en las versiones oficiales de la historia de su país.

Jueves, 24 de noviembre de 2011

LA LITERATURA EN LAS COSAS

Encuentro internacional

PARTICIPAN

Jacobo Bergareche (España)

Jorge Carrión (España)

Ricardo Silva Romero (Colombia)

MODERA

Carolina Martínez (Colombia)

Viernes, 25 de noviembre de 2011

18:00 Conversación

De Moby Dick a The Wire: la literatura en las series de televisión

PARTICIPAN

Martín Caparrós (Argentina)

Doménico Chiappe (Perú)

Claudio López de Lamadrid (España)

MODERA

Gumersindo Lafuente (España)

19:15 Conversación

Escribir para el futuro: la literatura en medios electrónicos y redes sociales

PARTICIPAN

Jorge Drexler (Uruguay)

Daniel Samper Pizano (Colombia)

Xavier Velasco (México)

MODERA

Sara Brito (España)

20:30 Conversación

Letra y música: la literatura en la música

PARTICIPAN

Cristian Alarcón (Argentina-Chile)

Leila Guerriero (Argentina)

Gabriela Wiener (Perú)

MODERA

Guillermo Altares (España)

18:00 Conversación

¿Cómo se renueva el viejo Nuevo Periodismo? La literatura en el periodismo.

PARTICIPAN

Martín Caparrós (Argentina)

Carlos Franz (Chile)

Rodrigo Fresán (Argentina)

MODERA

Ezequiel Martínez (Argentina)

19:30 Conversación

Homenaje a Tomás Eloy Martínez

PARTICIPAN

Martín Caparrós (Argentina)

Carlos Franz (Chile)

Rodrigo Fresán (Argentina)

MODERA

Ezequiel Martínez (Argentina)

Entrada libre hasta completar el aforo.

Plaza de Cibeles, 2. 28014 Madrid. España.

Tel.: 91 595 48 00

EL VELO PINTADO (adaptación)

2011-11-05T13:32:00.000+01:00

EL VELO PINTADO
W. SOMERSET MAUGHAM
EDITORIAL LARA, BARCELONA, 1946

- No es justo que me culpes, porque era tonta, frívola y vulgar. A mi me educaron así. Todas mis amigas también lo eran. Me parece que es lo mismo que si culparas a una persona que no tenga buen oído por aburrirse en un concierto sinfónico. ¿Es justo que me culpes porque tú me hayas adornado con unas cualidades que yo no tenía? Nunca intenté engañarte fingiendo algo de que careciera. Yo era solamente bonita y alegre. No creo que se te ocurra pedir un collar de perlas o un abrigo de pieles en el barracón de una feria, sino una trompeta de hoja de lata o un sombrero de papel. Págs. 179, 180.

- No habría hecho falta que a Kitty le dijeran que la Madre Superiora pertenecía a una de las mejores familias de Francia; algo había en su porte que indicaba su rancio abolengo. Tenía la autoridad de aquellos que saben que no pueden ser desobedecidos. En ella se mezclaba la condescendencia de una gran señora con la humildad de una santa. En su bello y enérgico rostro, ajado por las privaciones y sufrimientos, había una apasionada austeridad y, al mismo tiempo, una solicitud y una bondad que permitía a los niños acercarse a ella, alborotando sin ningún temor, seguros de su profundo afecto. Págs. 172, 173.

- Que vous êtes belle, ma chere enfant- dijo la Madre Superiora. Es un encanto mirarla. No me extraña que los niños la adoren.
Kitty enrojeció y, sin saber por qué, las lágrimas inundaron sus ojos. Se cubrió el rostro con las manos.
- Me avergüenza usted, Madre.
- Vamos, no sea tonta. La belleza es también un don de Dios, uno de los más raros y preciosos, y debemos estarle agradecidos si somos tan afortunados al poseerlo y también si no la tenemos, porque otros lo tendrán para nuestra satisfacción. Pág. 201.

- No entiende nada. La vida, verdaderamente, es extraña. Me siento como si hubiera pasado toda la existencia junto a un estanque y, de repente, me encontrara ante un mar. Me espanta un poco y, a la vez, me llena de júbilo. No quiero morir. Tengo la misma sensación de aquellos antiguos marinos que se hacían a la mar en busca de lo desconocido. Creo que mi alma ansía lo ignorado. Pág. 207.

- Sólo hay un medio de ganarse los corazones –dijo lentamente-; haciéndonos dentro de nosotros iguales a aquellos de quienes queremos ser amados. Pág. 239.

- No sé. No sé si, en realidad, importa que sólo busquen una ilusión. Sus vidas, en sí, son maravillosas. A mi me parece que lo único que hace que podamos mirar sin disgusto este mundo en que vivimos es la belleza que de vez en cuando los hombres hacen surgir del caos. Los cuadros que pintan, la música que componen, los libros que escriben… y las vidas que viven. Y de todas esas cosas, la más rica en belleza es la vida. Es la obra de arte perfecta. Pág. 262.

- Quiero que sea una niña, para educarla de modo que no pueda cometer los errores que he cometido yo. Cuando recuerdo qué clase de niña fui, me horrorizo y me hallo odiosa. Pero no fue culpa mía. Voy a educar a mi hija para que se sienta libre y sea capaz de valerse por sí misma. No voy a traer al mundo una criatura para amarla, criarla y educarla y después entregarla a un hombre que se la quiera llevar a cambio de vestirla y alimentarla durante el resto de su vida. Pág. 318.

LAS MARISMAS (adaptación)

2011-10-03T14:26:00.003+02:00

LAS MARISMAS
ARNALDUR INDRIDASON
Ed. RBA, Barcelona, 2009

- Por alguna razón el hombre empezó a explicar que estaba en medio de una separación matrimonial que tal vez podría convertirse en un asunto policial. La muy zorra le había engañado mientras él estaba de viaje. Un día llegó de Oslo, esa deprimente ciudad, añadió, donde había estado con un antiguo compañero de colegio. Erlendur y Sigurdur Óli se preguntaban qué había sido más deprimente, que su mujer lo engañara o tener que pasar una noche en Oslo. Pág. 31

- Antes Las Marismas era un pequeño pueblo independiente, aquí en medio de Reykiavik –siguió Erlendur-. Las casas se construyeron durante y después de la guerra. Cuando Islandia se convirtió en república, las calles se bautizaron con los nombres de las sagas islandesas: avenida de Gunnar, calle de Skeggi, etc… Aquí se ha reunido una fauna variopinta procedente de todas las capas sociales, desde gente de clase media hasta gente rica, con sus casas señoriales, pasando por gente que no sabe dónde caerse muerta y alquila un sótano barato como éste. Pág. 177

- Uno piensa que no le va a afectar. Uno se cree lo bastante fuerte para aguantarlo todo. Uno piensa que se blinda con los años y que puede ver la suciedad a distancia, como si no fuera con uno, y conservar de esa manera su salud mental. Pero la verdad es que no hay distancia. No hay blindaje. Nadie es lo bastante fuerte. El horror te persigue como un espíritu maligno que se instala en tu mente y no te deja en paz hasta que te parece que esa suciedad es la vida misma, y te olvidas de cómo vive la gente normal. Así son las cosas. Como un mal espíritu que se ha evadido y alborota en tu cabeza hasta que finalmente te convierte en un inútil… Esto son las malditas marismas. Pág. 199

EL NIÑO CON EL PIJAMA DE RAYAS (adaptación)

2011-09-11T13:03:00.000+02:00

EL NIÑO CON EL PIJAMA DE RAYAS
JOHN BOYNE
SALAMANDRA, BARCELONA, 2008

• Su hermano se acercó a la ventana y, mientras contemplaba a aquellos cientos de personas que trajinaban o deambulaban a lo lejos, reparó en que todos –los niños pequeños, los niños no tan pequeños, los padres, los abuelos, los tíos, los hombres que vivían en las calles y que no parecían tener familia- llevaban la misma ropa: un pijama gris de rayas y una gorra gris de rayas.
- Qué curioso- murmuró, y se apartó de la ventana. Pág. 44

• Pero mientras lo pensaba, sus piernas, que no paraban de moverse, lo iban acercando más y más a aquel punto, que entretanto se había convertido en una manchita y empezaba a dar muestras de convertirse en un borrón. Y poco después el borrón se convirtió en una figura. Y entonces, a medida que Bruno se acercaba más, vio que aquella cosa no era ni un punto ni una manchita ni un borrón ni una figura, sino una persona. Y que aquella persona era un niño. Pág. 106

• El Furias y Eva estuvieron dos horas en la casa, y no llamaron a Gretel ni a Bruno para que bajaran a despedirse. El niño los vio marchar desde la ventana de su dormitorio; se dirigieron hacia un coche conducido por un chófer, algo que impresionó mucho a Bruno, que se fijó en que el Furias no abrió la puerta a su acompañante sino que se montó en el vehículo y se puso a leer el periódico, mientras ella volvía a despedirse de Madre y le daba las gracias por la agradable velada. “Que hombre tan horrible”, pensó Bruno. Pág. 124

• Muy lentamente, volvió la cabeza y miró a Shmuel, que ya no lloraba sino que tenía los ojos fijos en el suelo; parecía tratar de convencer a su alma para que saliera de su cuerpecito, flotara hacia la puerta y se elevara por el cielo, deslizándose a través de las nubes hasta estar muy lejos de allí. Pág. 171

• Bruno sintió ganas de abrazar a Shmuel y decirle lo bien que le caía y cuánto había disfrutado hablando con él durante todo ese año. Por su parte, Shmuel sintió ganas de abrazar a Bruno y darle las gracias por sus muchos detalles, por todas las veces que le había llevado comida y porque iba a ayudarlo a encontrar a su padre. Pero ninguno de los dos abrazó al otro. Pág. 206

DÉJAME ENTRAR (adaptación)

2011-08-20T13:41:00.002+02:00

DÉJAME ENTRAR
JOHN AJVIDE LINDQVIST
(Trad. Gema Pecharromán)
Ed. Espasa Calpe, Madrid, 2008

- La euforia de los cazadores era de los otros; el terror de la víctima, suyo. Pág. 16

- Pobres de las personas que están solas en un mundo sin belleza… Alguna compañera que estaba embarazada. Un chico que no asumía su responsabilidad. Así estaban las cosas. Continuamente. Todos pensaban nada más que en sí mismos y en lo suyo. “Mi” felicidad, “mi” éxito era lo único que se oía. Amor es poner la vida a los pies del otro, y de eso son incapaces las personas de hoy día. Pág. 25

- Esto es Suecia. Cógete una silla y ponla en la acera. Siéntate en la silla y espera. Si esperas suficiente llegará alguien a darte dienro. O a hacerse cargo de ti de alguna manera. Pág. 154

- Él se quedó mirándole la nuca. ¿Qué es lo que pasa? Aquel pensamiento ya se le había ocurrido a Oskar abajo, en el sótano, cuando estuvo recogiendo las botellas y se secó la sangre de la mano con un trozo de tela del cuarto de la basura, que Eli era una vampira. Eso explicaba un montón de cosas. Que nunca saliera de día. Que pudiera ver en la oscuridad, cosa que él sabía de sobra que podía hacer. Además de un montón de cosas: la manera de hablar, el cubo, la agilidad, cosas que sin duda podían tener una explicación natural… pero es que, además, estaba la forma en que había chupado la sangre del suelo, y lo que realmente le congelaba las entrañas cuando pensaba en ello: ¿Puedo entrar? Dime que puedo entrar. Pág. 215

- Lacke la vio cuando con sus últimas coronas se compró un paquete de Prince rojo en el kiosco del Amante, de camino a casa de Gösta. Había estado durmiendo toda la tarde y se sentía como Raskolnikov: el mundo: el mundo era borrosamente irreal. Echó una ojeada a la instantánea de la oveja y asintió para sí. En su estado actual no le parecía raro que la policía se dedicara a detener ovejas. Pág. 307

HARRY POTTER... FINAL (pressbook)

2011-07-07T13:18:00.001+02:00

“Harry Potter and the Deathly Hallows – Part 2,” is the final adventure in the Harry Potter film series. The much-anticipated motion picture event is the second of two full-length parts.
In the epic finale, the battle between the good and evil forces of the wizarding world escalates into an all-out war. The stakes have never been higher and no one is safe. But it is Harry Potter who may be called upon to make the ultimate sacrifice as he draws closer to the climactic showdown with Lord Voldemort.
It all ends here.

“Harry Potter and the Deathly Hallows – Part 2” stars Daniel Radcliffe, Rupert Grint and Emma Watson, reprising their roles as Harry Potter, Ron Weasley and Hermione Granger. The film’s ensemble cast also includes Helena Bonham Carter, Robbie Coltrane, Warwick Davis, Tom Felton, Ralph Fiennes, Michael Gambon, Ciarán Hinds, John Hurt, Jason Isaacs, Matthew Lewis, Gary Oldman, Alan Rickman, Maggie Smith, David Thewlis, Julie Walters and Bonnie Wright.
The film was directed by David Yates, who also helmed the blockbusters “Harry Potter and the Order of the Phoenix,” “Harry Potter and the Half-Blood Prince” and “Harry Potter and the Deathly Hallows – Part 1.” David Heyman, the producer of all of the Harry Potter films, produced the final film, together with David Barron and J.K. Rowling. Screenwriter Steve Kloves adapted the screenplay, based on the book by J.K. Rowling. Lionel Wigram is the executive producer.
Behind the scenes, the creative team included director of photography Eduardo Serra, production designer Stuart Craig, editor Mark Day, visual effects supervisor Tim Burke, special effects supervisor John Richardson, and costume designer Jany Temime. The music is composed by Alexandre Desplat.
Warner Bros. Pictures presents a Heyday Films Production, a David Yates Film, “Harry Potter and the Deathly Hallows – Part 2,” which marks the last installment in the most successful film franchise of all time.
“Harry Potter and the Deathly Hallows – Part 2” is the first Harry Potter film to be released in both 3D and 2D. Concurrently with its nationwide theatrical distribution, the film will be released in select IMAX® theatres. The film has been digitally re-mastered into the unparalleled image and sound quality of The IMAX Experience® through proprietary IMAX DMR® technology.
The film will be distributed worldwide by Warner Bros. Pictures, a Warner Bros. Entertainment Company.

ABOUT THE PRODUCTION

“You’re a Wizard, Harry.”

Ten years ago, those four words signified the beginning of the extraordinary cinematic journey of a boy whose name became synonymous with magic: Harry Potter. Over the next decade, the film franchise that bears his name changed movie history while also changing the lives of its multi-generational ensemble cast and the filmmakers who devoted themselves to bringing J.K. Rowling’s seven-volume literary masterpiece to the screen.
Commencing with 2001’s “Harry Potter and the Philosopher’s Stone” and culminating with the two-part adaptation of the final title, “Harry Potter and the Deathly Hallows,” the films have become the top-grossing franchise of all time, capturing the imagination of audiences around the world. Additionally, both the books and the movies have been woven into our culture, adding words like Muggle, Quidditch, Hogwarts and even Expelliarmus! to the global lexicon.
David Heyman, who, in 1997, discovered the as-yet-unpublished Harry Potter manuscript and has produced all of the movies, acknowledges, “I could never have imagined when we embarked on the first film the level of response from audiences through the years. It’s been beyond my wildest dreams, so I look back on it with great pride and with gratitude, for the fans and especially for Jo Rowling.”
Collectively, the Harry Potter movies were an unprecedented undertaking for all involved—no other motion picture series had ever followed a linear story surrounding the same characters over the course of eight full-length features.
Producer David Barron notes, “It really has been unique, but it was entirely dependent on having rich enough source material, and that, of course, began with the books.”
Creatively, states author and producer J.K Rowling, the single thread of the story was very much by design. “I had a very, very clear idea of where Harry was going to go. This was just one story that I wanted to tell. For me, that was key if the books were ever going to be made into films; it had to be done that way. When I met David Heyman, he completely understood.”
Rowling found another invaluable collaborator in screenwriter Steve Kloves, who has adapted six of the seven books. “Steve really got the books,” she says, adding, “I was always accepting of the fact that changes must occur in the process of moving from the page to the screen. But even the scenes that were different were always very true to the spirit of the books.”
Kloves remarks, “We had one cohesive, bracing tale that literally had no end when we began, since only the first three books had been published. Although that sometimes made for challenging circumstances, my instincts were pretty true. But in those instances when I was in need of assistance, I had an ally whose counsel I felt was reasonably sound: Jo,” he deadpans. “While she was never explicit, she was always available and highly adept at gently nudging me in the right direction. In the end, one principle proved pretty reliable: follow the characters.”
Director David Yates says, “In following the characters, many of the values that Jo celebrates in the books come to the fore in the films—the value of loyalty and love and friendship and understanding versus intolerance and evil.”
“The power of love is a huge theme throughout the books and the films, as well,” Rowling adds. “There are lots of different kinds of love expressed over the course of the story, but friendship is probably the strongest form of love that you see in the movies.”
The love between friends is embodied most in the characters of Harry Potter, Ron Weasley and Hermione Granger. They were portrayed by three young actors who literally grew up on the screen: Daniel Radcliffe, Rupert Grint and Emma Watson.
Radcliffe relates, “I couldn’t even attempt to sum up what the role of Harry Potter has meant to me, but I can say that I never took the opportunity to play him lightly. It may have been the same character, but like anyone else, Harry changed a lot over the years so, as an actor, I looked at each film as an opportunity to do something fresh and to develop another set of skills.”
“I feel very privileged to have played Hermione,” says Watson. “I think she’s someone young girls can look up to because she’s always true to herself. She’s very smart and an incredibly courageous and loyal friend who keeps a cool head in extremely difficult situations. It was wonderful to be able to bring across those elements of her personality throughout the films.”
“I know I’ll miss playing Ron because there was a time when I was him more than I wasn’t him,” Grint laughs. “And I really liked the development of his character. He started out as a kid who was quite easily scared and it was nice to see him grow up to be brave and resourceful, particularly in this last movie where they are in such an unpredictable and dangerous place.”
Heyman notes, “Over the course of these films, we’ve truly had the who’s who of British acting royalty on our stages, which was tremendous. But watching our young cast grow into fine actors and fine people has been one of the great joys of working on the Harry Potter films. We’re incredibly proud of them.”
Audiences have also watched all of the young characters in Harry Potter go from childhood to adulthood and, as they have matured, so have the stories. “It’s about engaging the imagination because those are ‘muscles’ that also need to be developed as a child grows up,” says Alan Rickman, who has played the enigmatic Professor Severus Snape in all of the movies. “In order for that to happen properly, there have to be some big themes to think about. What’s right and what’s wrong? Who do I trust and who don’t I? What does it mean to be brave…and what does loyalty mean? It’s all in there.”
With each successive title, the stakes were raised and the dangers amplified as Lord Voldemort returned and now reigns.
In “Harry Potter and the Deathly Hallows – Part 2,” the young wizards are now on the front lines of a world at war. Heyman declares, “This is the final battle for Hogwarts, the final battle for the wizarding world and—something we’ve been building towards throughout this series—the final conflict between Harry and Voldemort.”
Yates says, “It was important to end the series with an epic finale, so we have battles and dragons, spiders and giants...but at heart, this is a story about the characters. Spectacle is important, but caring about the people in the middle of it is what pulls the audience into the journey with them.”
“There’s a lot more action, but the emotional core of the story has always been what these movies are about, and we would never want to overshadow that,” Barron says.
Heyman agrees. “The all-out war between good and evil is thrilling, but there is still an emotional underpinning. And because we’ve been invested in these characters for so long, it feels there is much more at stake.”
The climactic conclusion of the story reveals some surprising new facets of several beloved characters. Yates affirms, “One of the most interesting things about the way this story unfolds is that the line separating the forces of darkness and light is blurred and we see that certain people are more complex than they first appeared,” adds Yates.
“All of the characters—Harry included—are flawed,” Rowling adds. “We don’t have one wholly good or wholly bad person…with the exception of Voldemort. He is wholly evil. There are no redeeming qualities there,” she smiles.
The final film brings the characters back to some familiar places, including the now-iconic Hogwarts School of Witchcraft and Wizardry, which was not seen at all in “Part 1,” marking a first for the series. Conceived by Rowling and realized by production designer Stuart Craig, Hogwarts has been a home, a headquarters and a haven to its students and faculty.
But it is about to become a battlefield.

“If it’s true what you say, that he has the Elder Wand,
I’m afraid you really don’t stand a chance.”

“Harry Potter and the Deathly Hallows – Part 2” begins where “Part 1” ended: with a theft that will have lasting repercussions. The stone crypt of Albus Dumbledore is desecrated and a distinctively shaped wand is taken from the late headmaster’s hands. With triumphant malice, the thief—Lord Voldemort himself—raises the Elder Wand high into the air, sending lightning bolts into the swirling dark clouds above.
As legend has it, the Elder Wand is one of the titular Deathly Hallows—along with the Resurrection Stone and the Invisibility Cloak—which together provide one with mastery over Death. Each has valuable properties of its own, with the Elder Wand said to be the most powerful wand in existence.
Ralph Fiennes, who once again portrays the Dark Lord, offers, “Voldemort is under the belief that whoever possesses the Elder Wand would have supremacy, but it’s more complicated than that, much to his frustration.”
Voldemort had learned of the Elder Wand from Mr. Ollivander, whom he tortured into revealing its location. The expert wand maker warns Harry that if Voldemort does have the Elder Wand, Harry has no chance against him. But the added threat won’t deter Harry Potter from his mission—to find and destroy the remaining Horcruxes, items in which the Dark Lord has embedded pieces of his soul in his quest for immortality. Three have been destroyed, four remain, but as long as even one survives, the Dark Lord cannot be defeated.
Yates comments, “At the beginning of ‘Part 2,’ Harry is a man rather than a boy and is ruthlessly sure of his task. He needs to kill Voldemort. He knows he must be the one to finish it and he is determined to see it through.”

“Even amongst goblins, you’re famous, Harry Potter.”

A clue as to the whereabouts of another Horcrux comes from someone else Harry first met on Diagon Alley all those years ago: a goblin named Griphook, who works at Gringotts Bank.
Warwick Davis, who had actually provided the voice of Griphook in “Harry Potter and the Philosopher’s Stone,” returns to portray the character in the final film. Davis is also known to audiences as Hogwarts’ Professor Filius Flitwick and says that playing both roles “really allowed me to stretch my acting muscles because the two characters are poles apart. Flitwick is a wizard and quite a warm character, whereas Griphook is a goblin who thinks wizards are untrustworthy. Then again, it’s Griphook who tries to manipulate the situation to his own advantage. If you encounter a goblin, beware,” he grins. “They’re very selfish and will do anything to get their way.”
Griphook tells Harry that there is a duplicate of the sword of Gryffindor in Bellatrix Lestrange’s vault at Gringotts Bank, although, unbeknownst to her it is a counterfeit and Harry is in possession of the real one. The goblin divulges that it is only one of many objects in Madame Lestrange’s vault and Harry suspects that the vault of a trusted Death Eater might be the perfect place to hide a Horcrux.
“Basically, they have to pull off a bank heist,” Yates says. “They need to break in to see if there’s a Horcrux in Bellatrix’s vault. If they find it and destroy it, they are one step closer to killing Voldemort. But robbing Gringotts is not going to be easy, to say the least. There are a number of obstacles in their way.”
Griphook agrees to help them get into Gringotts for a steep price: the sword of Gryffindor. Gaining entry to Bellatrix’s vault is another matter. With the aid of some Polyjuice Potion, they will be accompanied by Madame Lestrange herself—or rather Hermione Granger in the guise of Bellatrix.
Since her introduction in “Harry Potter and the Order of the Phoenix,” one of the hallmarks of Bellatrix Lestrange has been how utterly mad she is, and Helena Bonham Carter had always reveled in the boundless nature of her character. Portraying Hermione pretending to be Bellatrix, however, required a few definite boundaries. Bonham Carter attests, “It’s not actually Bellatrix; it’s Hermione’s version of Bellatrix. They are total opposites so it was good fun because it gave me another texture to play.”
Capturing the dichotomy involved the collaboration of Bonham Carter, Yates and the person who knows Hermione better than anyone: Emma Watson.
Yates recalls, “We had a big rehearsal session where Emma basically did the scene, demonstrating how she would walk and how she would say her lines and we videotaped it so Helena could incorporate that into her performance.”
Bonham Carter adds, “Emma and I discussed the scene at length and she gave me terrific bullet points, which became my Hermione guidebook.”
“One of the things I really wanted Helena to get across is how awkward the whole experience is for Hermione,” Watson observes. “She is very uncomfortable because, for one thing, Hermione is somewhat prudish and Bellatrix is wild and goes around in a leather corset. And Bellatrix is evil and arrogant while Hermione is a good person, so being mean and demanding to everyone doesn’t come naturally to her at all.”
With Ron disguised as a Death Eater, and Harry and Griphook hidden beneath the Invisibility Cloak, the group makes their way into Gringotts, where rows of goblin bank tellers barely look up from their ledgers.
For the Gringotts sequence, Davis did double duty, not only acting but casting. He explains, “I represent actors under five feet tall, so the filmmakers came to me and asked me to help them find more than 60 people to play goblins, who could also handle the extensive prosthetics. We had actors come in from all over Europe, so it was like the United Nations of goblins.”
Turning dozens of actors into goblins also entailed a multilateral effort from special make-up effects designer Nick Dudman and his team. They began by sculpting the goblin faces, with the caveat that no two could be identical. Dudman confirms, “We had to carefully monitor the designs so they wouldn’t look alike because we wanted to make them each individual. We then mass produced all the prosthetic pieces, but every one had to be hand-painted and the hairs of the eyebrows had to be placed one-by-one into the silicone. It’s incredibly labor intensive.”
An assembly line of approximately 170 make-up artists was recruited to apply the goblins’ make-up, which took as long as four hours per goblin. In order to ensure that each one was done according to Dudman’s specifications, he ran a three-day workshop, training a multi-national team to apply the make-up over and over again until he felt they were accurate. Nevertheless, Dudman emphasizes, “Nobody left that room without me checking them.”
Since the goblins were bankers, costume designer Jany Temime and her department dressed them all very conservatively in three-piece pinstripe suits, each of which was specially made.
The Gringotts scene in “Philosopher’s Stone” was actually shot on location, with the Australian Embassy doubling for the wizard bank. That location was not an option for “Deathly Hallows – Part 2,” as the action would result in a considerable amount of destruction. The Gringotts Bank set was instead constructed in the flight shed at Leavesden Studios.
Stuart Craig, who has served as the production designer on all of the Harry Potter films, saw it as an opportunity to improve on the bank design, making it bolder while staying true to the spirit of the original. “This is a magical bank, so we wanted it to look very traditional but to exaggerate it. There is more polished marble than you could ever imagine—marble floors, marble walls, marble columns, marble counters. It’s all faux, but it looks amazing. And we had fun with the goblins being imperiously perched on their very high stools at their very high desks looking down on their customers. We also made three enormous chandeliers because it was impossible to find any that were big enough for our needs.”
Through a combination of subterfuge and magic, Harry, Hermione and Ron trick their way down to the Gringotts vaults, which are located in a vast cavern beneath the building. It can only be accessed via a cart that careens along a spiraling track akin to that of a roller coaster…and at similar speeds, albeit without the safety restraints. Special effects supervisor John Richardson recounts, “We built the cart from the ground up based on Stuart Craig’s designs. Unlike most vehicles, where we had multiple versions, there was only one cart, so it had to be able to be attached to different rigs as well as be mounted on the track, enabling it to move up and down and tilt side to side.”
At the cavern’s deepest level, Harry, Ron and Hermione are faced with the bank’s maximum security system—a giant, fire-breathing dragon that is as much a prisoner as it is a guard. The fearsome winged dragon was the latest creature rendered through CGI by the visual effects team, headed by Tim Burke.
With Griphook disclosing the dragon’s vulnerability, the group manages to evade it and get to Bellatrix’s vault. The door opens to reveal an inestimable fortune in gold coins and various artifacts. But Bellatrix has instituted one final security measure: a Gemino curse, which causes every object they touch to sprout unlimited multiples of itself. Sensing the presence of a Horcrux—Helga Hufflepuff’s cup—Harry has seconds to get it and get out before they are all crushed under the mounting treasure trove.
Working within the limited space constraints, Richardson’s team crafted a series of scissor lifts that rose up to give the illusion of the treasure mounting. The props department, led by property master Barry Wilkinson and supervising modeler Pierre Bohanna, molded more than 200,000 golden coins and thousands of other items to fill the vault. Visual effects were then utilized to reproduce each item, exactly and exponentially.
Once Harry, Ron and Hermione have the Horcrux in hand, it will take a combination of ingenuity and compassion to escape Gringotts. But greater perils await the trio, who find themselves alone again with no turning back.
“Ultimately,” states Radcliffe, “they all know the reason they are on this journey, and it’s bigger than any one of them, or all three of them, or even their friends and families. For these 17 year olds to have the maturity and courage to recognize that what’s at stake is more important than any of their individual lives is quite impressive, and I also think it’s what makes it a very moving story.”

“The boy has discovered our secret, Nagini.”

Harry Potter’s singular connection with Lord Voldemort has caused the young wizard fear and pain, but it has also provided him with a unique insight into the mind of the Dark Lord. Now it is showing him that Voldemort knows what they have been up to. Worse, instead of weakening him, the destruction of each Horcrux has made him like a wounded animal…desperate and even more dangerous.
Yates offers, “When Voldemort discovers that Harry has been hunting Horcruxes, he realizes for the first time that he might be vulnerable and we see him start to fragment, not physically as much as internally.”
“Something essential is ripped out of Voldemort every time a Horcrux is destroyed and David encouraged me to play those scenes as if he’s imploding,” Fiennes recalls. “David was fantastic; there wasn’t one shot—even those that would only be seen for a fraction of a second—where he didn’t try to mine every aspect of what’s going on within Voldemort, and I really valued that.”
The director says, “Ralph and I both wanted to explore Voldemort’s fear, his anger—all the things that make him the monster he is.”
Speaking from an effects standpoint, Tim Burke shares that they wanted the eradication of each Horcrux to have a physical manifestation. “We needed to represent the evil of Voldemort with dark and disturbing images that really tap into people’s subconscious fears.”
From the time Voldemort was resurrected onscreen in “Harry Potter and the Goblet of Fire,” visual effects were employed to complete his serpentine visage. Burke details, “We used a process called digital prosthetics, where we took away a few of Ralph’s features and added the snakelike qualities like the slits for his nostrils. All of the nuances of his expressions had to be tracked in every single frame where Voldemort appears, and that’s no small feat.”
In a more literal sense, the visual effects team also brought to life the actual snake, Nagini, who is never far from Voldemort’s side. Fiennes says, “He is very tender with her. It is quite possibly the most intimate relationship he’s ever had, like a fellow spirit.”

“You’re Aberforth. Dumbledore’s brother.”

Through Voldemort’s eyes, Harry also gleans that another Horcrux lies within Hogwarts School of Witchcraft and Wizardry. Rowling says, “It makes complete sense that Voldemort would have hidden a Horcrux at Hogwarts since he mostly hid them in locations that were significant to him, and Hogwarts was once his home. That’s a major thing he and Harry have in common—for both of them, Hogwarts had been a place of refuge.”
However, the place that had once been a safe haven for Harry is now enemy territory, with Death Eaters in control of the school and Dementors patrolling the perimeter. Returning to Hogwarts will put him and everyone there at tremendous risk, but it is a risk he must take.
Harry, Ron and Hermione will have to sneak in through a secret passage in Hogsmeade. But the instant they apparate into view, alarms start to blare. The trio are about to be cornered when a door opens and a seemingly familiar figure ushers them inside. For an instant, they almost believe it is the late Professor Albus Dumbledore, but their rescuer is soon revealed to be his estranged brother, Aberforth.
Joining the Harry Potter ensemble, Ciarán Hinds was cast as Aberforth Dumbledore, whose lingering resentment towards his brother stems back to events in their youth. Hinds elaborates, “There was a friction between them because of choices Albus made to the detriment of their little sister, Ariana. And it would appear from the way Aberforth speaks of him that he just wasn’t ever able to move on from that.”
Although the filmmakers did not want Hinds’ Aberforth to look identical to Michael Gambon’s Albus, Dudman and make-up designer Amanda Knight collaborated to give the brothers a strong family resemblance

“Snape knows. He knows that Harry was spotted…”

Harry’s steadfastness proves more potent than Aberforth’s rancor. He relents and sends for help, which comes in the form of an old friend: Neville Longbottom, played again by Matthew Lewis. Though they are thrilled to be reunited with their Gryffindor housemate, Harry, Ron and Hermione are stunned by the obvious abuse to which Neville has been subjected. It is their first indication of just how much things have changed at their school, which also has a new headmaster, Severus Snape.
“Hogwarts is a shadow of its former self,” Heyman relates. “The Death Eaters have taken charge and any infraction of their rules is met with considerable brutality.”
“It’s become a pretty grim place, more like a prison than a school of magic,” says Yates, who adds that he and cinematographer Eduardo Serra applied a distinct shooting style in order to set the tone. “We incorporated a specific palette of colors: blues and cooler tones that were muted. These developed into warmer and more operatic yellows and reds—the color of fire, the color of blood… There are sections of Part 2 that I wanted to feel like a war movie on an epic scale.”
Guided by Neville through a hidden tunnel, Harry, Hermione and Ron arrive at Hogwarts, where they are met with an eruption of joy and relief by many of their old friends, including Luna Lovegood (Evanna Lynch), Cho Chang (Katie Leung), Seamus Finnigan (Devon Murray) and Dean Thomas (Alfie Enoch). There is also a sense of hope that Harry’s homecoming signals the start of a new rebellion for Dumbledore’s Army. “His very presence inspires them,” Barron states. “It gives them confidence that they are not alone.”
For the time being, Harry needs their help to piece together the clues to the whereabouts of a Horcrux, which he knows has something to do with Rowena Ravenclaw. Luna and Cho, both Ravenclaws, surmise that it could be Rowena’s lost diadem, which they define as a kind of tiara…and which no one alive has ever seen. Before Harry can act on the information, Ginny Weasley rushes in and, checking her own elation at seeing Harry, tells them that Harry has been spotted…and Snape knows.
Bonnie Wright reprises the role of Ginny, whose relationship with Harry Potter has grown from a schoolgirl crush to a full-fledged romance. “In that instant they are reunited and the bond between them is obvious, but there is no time for them to connect because everything is moving so fast,” she notes. “And Ginny understands he has greater responsibilities, which is part of what drew Harry to her. She doesn’t see him as ‘the Chosen One’; she sees him as Harry. I loved taking Ginny from a very shy little girl to this confident young woman.”
Snape has summoned everyone to the Great Hall, which is now cold and gray, in stark contrast to the welcoming warmth of years past. Gone are the long tables filled with sumptuous foods, and the glowing light from suspended candles. Instead of the boisterous gathering of classmates, the students march silently in tight rows, grouped according to their houses. In this instance, however, the close formation provides the perfect camouflage for a bespectacled young man with a telltale scar.
As the inscrutable Professor Snape, Alan Rickman, with his trademark deliberate delivery, warns the assembled students that anyone caught helping Harry Potter would be dealt with…severely. Yates remarks, “The way Alan not only uses words but the space between words is completely delicious. I’ve never worked with an actor who’s delivered lines as slowly as Alan,” the director quips, “but he makes you hang on every word, every pause, every breath because you can’t wait to hear what’s coming next.”
“Some of it is just handing yourself over to the material,” says Rickman. “Jo laid out such a sure road map. We see what Snape’s hair is like and what he wears: he’s got only one set of clothes, clearly,” he laughs. “We know he lives a solitary existence. We’re told he never really raises his voice. It’s about an explosive energy…but a contained one.”
Snape’s words have barely left his mouth when Harry steps out to confront the man he saw kill Professor Dumbledore and then had the audacity to take his place. Harry’s daring mobilizes both his friends and his teachers, including Professors McGonagall and Flitwick. And in the doorway stands Remus Lupin (David Thewlis) and Kingsley Shacklebolt (George Harris), as well as members of the Weasley clan: parents Molly (Julie Walters) and Arthur (Mark Williams), twins Fred and George (James and Oliver Phelps), and newlyweds Bill and Fleur (Domhnall Gleeson and Cleménce Poésy). On the heels of the Chosen One’s return, the surviving members of the Order of the Phoenix have risen to make their stand against the forces of the Dark Lord.
Maggie Smith reprises the part of Minerva McGonagall, who steps between Snape and Harry and engages in a fiery wand duel with her former colleague. “Maggie is a world-class actress, who makes the most of every line and every scene she’s in. I loved getting to work with her again,” says Yates.
Snape retreats in dramatic fashion, but the celebration is short-lived as Lord Voldemort makes his omnipresence known. With war looming on the horizon, McGonagall casts a spell that summons all of Hogwarts’ forces to defend the castle, magically bringing to life the stone sentries that have stood silent watch for years. The once-inanimate soldiers were designed and sculpted by Stuart Craig’s art department, and then animated via visual effects.
Tim Burke’s VFX team was also responsible for creating the wand-generated force field, which he says was inspired by jellyfish. “Jellyfish have amazing structures, yet appear translucent and often emit phosphorescent light. We used this inspiration for our wand effect, which helped give it an organic feel.”
The wizards know the force field won’t hold off the combined onslaught of the Death Eaters for long, but it will buy them enough time for Neville, Seamus and Ginny to rig a booming reception for the invaders. And it will give Harry time to continue his mission. “Because,” as Heyman asserts, “if he doesn’t find the remaining Horcruxes, there is no hope of victory.”

“If we die for them, I’m gonna kill you, Harry!”

As the battle escalates, Harry, Hermione and Ron split up—with Harry searching for the Horcrux, and Hermione and Ron going after the means to annihilate it. The sword of Gryffindor, which they used to destroy Salazar Slytherin’s locket in “Part 1,” was lost to them at Gringotts, but Ron has a revelation. Rupert Grint clarifies, “He has the idea to use a Basilisk fang to destroy the Horcruxes, they way Harry did with Tom Riddle’s diary in the Chamber of Secrets.”
The Basilisk was killed, but his skeleton—with fangs intact—remains. Ron and Hermione make their way down to the Chamber, the design of which was unchanged from the series’ second film, with one addition: the skeleton of the long-dead Basilisk, which was specially sculpted by Nick Dudman’s department.
Pulling out one of the fangs, Ron hands it to Hermione, who, with a bit of bolstering, stabs it into the cup, which spews a torrent of anger and terror that leaves them drenched and breathless. Without a word, they fall into each other’s arms for the kiss that fans have been awaiting.
It was a moment Grint and Watson had also been anticipating, albeit for different reasons. “Because I’ve known Emma since we were little kids, I thought it would feel weird,” Grint admits. “No disrespect to Emma, who is obviously lovely, but I just couldn’t imagine it. I got quite nervous about it the more I built it up in my head.”
As it turns out, Watson shared his anxiety. “The fact that Rupert and I have such a strong friendship is actually what made it a bit uncomfortable,” she confides. “If you’ve grown up with someone who is literally like a sibling to you and are then put in a situation where you have to kiss them, in a romantic sense, it’s really awkward.”
Understanding their concerns, David Yates did not tell them when they would be filming the kiss until the evening before and then gave each a bit of directorly advice. “I told them just to forget Rupert and Emma and let Ron and Hermione take over. They totally committed to it, and it was charming…absolutely smashing.”
Meanwhile, Harry is rushing to the Ravenclaw Common Room when he is stopped in his tracks by Luna Lovegood, who shows a rare forceful side of her personality. Evanna Lynch says, “Harry is thinking he doesn’t have time for any of Luna’s crazy theories, but she has something imperative to tell him. When he won’t listen, she gets frustrated and yells at him, which he doesn’t expect from Luna.”
Reminding him that no one alive has seen Rowena Ravenclaw’s diadem, Luna sends Harry to see the one person, or rather ghost, who might be able to help him. Kelly Macdonald appears as Ravenclaw Tower’s legendary Gray Lady, who is actually the ghost of Rowena’s daughter, Helena. Unwilling to tell Harry outright where the diadem is, she presents him with a riddle, the answer to which sends him running to the Room of Requirement, where the Horcrux is hidden amongst what looks like centuries’ worth of discarded furniture, books, and myriad other random artifacts.
Craig describes, “The Room of Requirement occupied one of our biggest spaces—some 200 feet by 300 feet—and was filled from floor to ceiling with furniture and all sorts of objects of every shape and size. Set dresser Stephenie McMillan and her people were buying used furniture for months and months prior to filming—just an amazing amount of things.”
Green screens bordered the set, which would allow the visual effects team to expand the space and add to the sheer volume of items, in keeping with David Yates’ edict to make the room feel “like a mountain range of stuff.” The director affirms, “It needed to feel like it stretched on forever, beyond the horizon.”
Mixed in amongst the piles are specific articles that eagle-eyed Harry Potter film fans might recognize. McMillan says, “We recycled many props from the previous films: old desks, all the tables and benches from the Great Hall, brooms, the professors’ stools, chess pieces, the set dressing from Professor Slughorn’s party…”
“There were pieces from all the films…a lot of history,” Heyman says. “That’s what made it one of my favorite sets.”
One stack of furniture had to be rigged to permit the actors to climb it safely—first when Harry goes after the Horcrux and then when Draco Malfoy goes after Harry. Draco tracked Harry down to demand back his wand, which Harry took from him at Malfoy Manor in “Part 1.” It was there that Draco had curiously saved Harry’s life by not revealing Harry’s identity to his Aunt Bellatrix.
Returning in the role of Draco, Tom Felton observes, “It’s never really explained why Draco chose to do that; it’s nice that Jo left it to our interpretation. As for me, I believe he reached a point where he wants to be good, but evil is in his DNA. It’s a difficult struggle for Draco but a lot of fun for me to play it.”
“Draco evolved from a fairly two-dimensional bully to a very complex character,” Rowling attests. “Tom blew us away with what he did with the role as Draco began to crack and show a range of emotion you would never have expected from the early films.”
Accompanied by Blaise and Goyle, two of his Slytherin lackeys, Draco corners Harry in the Room of Requirement. But the confrontation turns deadly when Goyle’s wand literally backfires, engulfing the entire room in a living Fiendfyre. Although most of the flames would be added in post-production, Richardson’s special effects team strategically placed flambeaus around the room. “We certainly felt the heat,” Felton nods, “so it’s a mixture of visualizing what’s going to be there and seeing what’s right in front of you.”
With the fire cutting off every avenue of escape, Harry—along with Hermione and Ron, who returned just in time—grab brooms and fly. Now they must choose whether to leave Draco behind or risk their own lives saving their longtime nemesis. Ron makes his opinion on the rescue clear, but for Harry, there is no choice. Grint declares, “That was a cool scene. It was great to be back on the brooms, especially since we knew it would be for the last time.”
Over the course of the films, the broom rigs have constantly evolved, enabling the filmmakers to achieve more intricate flying sequences and to accommodate the young cast as they grew up. Richardson says, “We ended up with a gimbal-mounted broom with a seat that was molded to the rider who was securely strapped on, so even if the broomstick turned upside down, they’d stay with it. Then the gimbal sat on a six-axis motion base. Between the two, we could get a completely fluid flying movement that could be as erratic or as sweeping as we wanted.”
Nevertheless, the final film required another upgrade, as the rescue sequence involved tandem flying. “For that,” Richardson adds, “we had to build a different type of broomstick rig, which was mounted on a track so we could fly it at high speeds past a table on a hydraulic ramp that tilted and collapsed at the precise right time. The flier on the broom had to link arms with the guy on the table and swing him onto the back of the broom, cowboy style. That was tricky to work out, but I think it came out great.”
Executing the challenging rescue was a group effort by members of the cast as well as the stunt team, led by stunt coordinator Greg Powell. Powell also collaborated closely with Richardson and second unit director Stephen Woolfenden on the explosion of the footbridge, which is one of Hogwarts’ last lines of defense.
Woolfenden’s unit captured aerials of the bridge high above Fort William in Scotland. “It looks down onto the beautiful loch, and the backdrop is stunning,” he says.
The actual demolition was accomplished using a hydraulic bridge located at Pinewood Studios. Powell says, “It’s all on hydraulics, but when it goes, it freefalls down, so it left the stuntmen in midair for that one beat, which looked really good.”
At the bridge, Neville squares off with legions of Death Eaters, which proves, says Matthew Lewis, “There’s a bit more to Neville than meets the eye.” Having played the role throughout the franchise, the actor was happy to see his character realize the heroic potential he always knew was there. “Neville never seemed to be a lionhearted person, not someone who deserved to be in the proud house of Gryffindor. But Harry always believed in him and that made Neville start to believe in himself, and all the strength and valor that was bubbling just beneath the surface finally comes out. Now he’s become this brave freedom fighter, which is really cool and very rewarding.”
Yates says, “By the end of the battle, Neville has been battered and bloodied, but he refuses to give up the fight, which is wonderfully moving.”

“Harry Potter. The boy who lived. Come to die.”

The battle for Hogwarts is raging around them, but Harry, Hermione and Ron are still waging another war…for the entire wizarding world. The trail of the next, and possibly most dangerous, Horcrux leads them to the school’s Boathouse, where the trio witnesses a pivotal encounter between Snape and Voldemort.
Heyman says, “One of the most intriguing things about Jo’s books is that the characters inhabit a gray area between light and darkness, good and evil, as we all do. Snape’s history, for one, is much more complicated than we ever imagined, and I think audiences will really enjoy seeing his full story revealed.”
“You always knew he had an agenda,” notes Rickman. “It was a question of what that agenda would turn out to be… The risks grew as he stepped into muddier and muddier waters. Eventually, it became about redemption and loyalty and, in Snape’s case—without giving anything away—a certain kind of courage of conviction.”
In the book, the critical exchange between the Dark Lord and Severus Snape was set in the Shrieking Shack, but David Yates got permission from Rowling herself to reset the scene for “Harry Potter and the Deathly Hallows – Part 2.”
Constructed in the Flight Shed at Leavesden, the Boathouse sits on the edge of the water below the Hogwarts castle. Craig designed the building with Tudor-style glass walls, so, he says, “You’re always aware of the fighting in the background, because the fires are reflected in the glass and in the water.”
Water also reflects memories in the Pensieve in Dumbledore’s office, where Harry realizes what he must do. Daniel Radcliffe recounts, “In ‘Order of the Phoenix,’ Harry learned of the prophecy that said ‘Neither can live while the other survives.’ Since then, at every step of his journey, he’s known it would come to a head at some point, and he’s absolutely aware that this is it.”
“Harry knows that his and Voldemort’s destinies are intertwined,” Heyman says. “Confronted with the choice to go out and face the Dark Lord or allow everyone else to die, Harry is prepared to meet his fate. And Dan was amazing. He conveyed a wisdom and a maturity in those scenes that was way beyond his years. He really considered the emotions and the reasons behind each of Harry’s actions and brought a real truth to his performance.”
Yates adds, “One of my favorite scenes is when Harry takes that long walk alone to save everybody else. There’s something really beautiful and haunting in his resolve.”

“Come on, Tom. Let’s finish this the way we started it…
Together.”

The long-awaited showdown between Harry and Voldemort “brings them back to the place where they each became who they were,” Rowling states. “It had to end at Hogwarts.”
Their battle plays out through the school’s once-hallowed halls. Yates staged the sequence so it was not just two wizards in a wand duel, but two sworn enemies locked in mortal combat that can only end when one…or both…are dead.
The director elaborates, “We have them racing through the halls hurling spells at each other, but it also gets very physical. There’s a point where they have each other by the throat and fall off a high balustrade, and they’re twisting and turning, until you’re not sure where one ends and the other begins. I was very keen to explore that because, thematically, that connection is what we’d been developing throughout the films.”
Craig and his team crafted the set to provide a multi-leveled arena. The production designer says, “Our principal objective was to introduce another element to the battlefield that would provide for more interesting blocking, so David (Yates) was involved in the design plan from the start. We created a series of staircases so that either Harry or Voldemort could be in the ascendancy and the other below, but it could switch very easily.”
“I must have climbed more stairs for that scene than I have in my entire life,” Radcliffe laughs. “But it was incredible.”
Merging practical design and virtual design has always been integral to establishing the worlds of the Harry Potter movies, but that amalgamation was particularly vital in staging the battle at Hogwarts in “Harry Potter and the Deathly Hallows – Part 2.” For the first time, the wide exterior shots of Hogwarts Castle were not captured with practical models, but were instead rendered though the use of CGI.
Yates says, “We constructed a good part of it, as always, but we also built a digital Hogwarts, which gave us the freedom to take the action in and around the school, anywhere we wanted.”
But Harry and Voldemort are not the only ones fighting to the death. All around them the good and evil forces of the wizarding world—including creatures great and small—are engaged in a climactic all-out war, which bring brings back many familiar faces on both sides.
David Barron states, “We were fantastically lucky because virtually the entire cast wanted to be part of the finale, some of whom are only briefly seen, but it was important to them, and to us, that they be there. There are even a few characters who came to an untimely end in the previous films who make their presence felt in surprising ways, like Gary Oldman as Sirius Black and Michael Gambon as Dumbledore.”
The returning cast also included Robbie Coltrane as Rubeus Hagrid, Emma Thompson as Professor Sybil Trelawney, Jim Broadbent as Professor Horace Slughorn, Miriam Margolyes as Professor Pomona Sprout, Gemma Jones as Madam Pomfrey, David Bradley as Argus Filch, Jason Isaacs and Helen McCrory as Lucius and Narcissa Malfoy, Natalia Tena as Nymphadora Tonks, and Dave Legeno as Fenrir Greyback.
The war against the Death Eaters takes a terrible toll on a number of favorite characters. Beloved wizards have fallen and Bellatrix Lestrange is poised to kill another—Ginny Weasley—when Molly Weasley steps into the fray.
Playing the Weasley family matriarch, Julie Walters offers, “Of course, Bellatrix is thinking, ‘Come on, Granny,’ but she has no idea what she’s up against when she takes on the fierce, protective love of a mother.”
The power of a mother’s love has been an inherent theme throughout the Harry Potter stories, beginning with Lily Potter, whose supreme sacrifice for her son allowed him to be “the boy who lived.” Rowling relates, “I lost my own mother six months into writing Harry Potter and then I became a mother shortly after. Motherhood, in every way, had a huge influence on my own life as I was writing the series, so it naturally seeped into the story in a relevant way.”
Faced with a decision that could spell life or death for Harry, Narcissa Malfoy proves that the strength of a mother’s love is not confined to any one side. “Narcissa may be a Lestrange by birth and a Malfoy by marriage, but it is the passionate loyalty to her son that defines her. Risking her own life, she protects Draco—first and foremost, she is a mother.”
On the other hand, “Voldemort sees no necessity for love or friendship or compassion,” Radcliffe observes. “He thinks of them as quite contemptible, a weakness, but that is his own weakness.”
The casualties of the war extend beyond people to the stately Hogwarts School of Witchcraft and Wizardry, which is left in utter ruin. Though the resulting devastation appears to be haphazard, Craig counters that it was all by design. “It wasn’t just a question of knocking some walls down; the silhouette was as significant as a piece of sculpture. The Great Hall, for example, was the spine of Hogwarts, so in demolishing that, we knew it had to be an image that would leave a lasting impression.”
“There is the sense that this is what war does; it decimates your places of safety and security,” Rowling says. “Yes, they may only be physical places. But when it’s home, that’s everything.”
The Great Hall had been one of the earliest and largest sets ever erected and it was a constant at Leavesden throughout the entire series. The sight of the production’s longest-standing set reduced to rubble had a tremendous impact on the filmmakers, cast and crew.
Radcliffe recalls, “It was hard to watch something that had always been so vast and so solid suddenly be knocked down.”
“It was quite shocking,” Grint nods. “We grew up on those sets, so it was difficult for all of us to see.”
“The idea of everything being taken down permanently felt a bit tragic,” Watson says. “I guess I imagined they would always be there,” she smiles.
Heyman, who had, years ago, witnessed the Hogwarts sets being built, offers, “To see the grandeur of Hogwarts destroyed was very emotional. In a very graphic way, it really brought home the fact that we were rapidly moving toward the end of the journey.”
Emotions were high for everyone involved in the production as each day marked the “last time” for some aspect of filming until it was, in fact, a wrap.
At the end of their decade-long journey, the cast and filmmakers all share a sense of gratitude and pride as they bring the historic film series to a close.
David Barron recalls, “I thought I was prepared because we knew the day was coming for so long, but it was surprisingly moving for all of us. Everybody put so much of themselves into these movies, and on this one we all shared the added goal of making it a fitting finale to the series.”
“Part of one’s job is to say goodbye,” Alan Rickman says. “There comes that time when it is right and proper to let it go; otherwise you can’t move on. And so the best thing one can say is that it all ended the right way.”
Rupert Grint offers, “The Harry Potter experience was an amazing time of my life, and something I’ll never forget. I’m so proud to have been a part of it.”
“How do I put into words what all of this has meant to me?” Emma Watson muses. “I don’t consider it over because it will always be a part of who I am, and I feel so blessed to have shared in it.”
Daniel Radcliffe reflects, “I know I’ll never see a frame of these films that I don’t connect immediately to a memory of a place or a time or a person. Even now I can’t fully express how important it’s been to me, but I can say it was a great time and it’s something I will never be able to recreate.”
David Yates agrees. “It’s really hard to contextualize it, except to say it’s been enormous fun—intense and very challenging at times, but never not fun. I wouldn’t have missed it for the world and I’m proud and happy to have seen it through to the end.”
“This was a wonderful collaboration,” J.K. Rowling shares. “I was proud to work and form lasting friendships with some immensely talented people. So the overall experience of the films for me has been truly outstanding.”
“I count myself extremely fortunate to have been part of Harry Potter, but none of us would have had this opportunity were it not for Jo Rowling and the world she so brilliantly created,” David Heyman concludes. “One of the things I love about the books is that the stories are timeless…and hopefully we’ve achieved that with the movies.”
SE ESTRENA EL 15 DE JULIO

MEMORIAS DE ÁFRICA (adaptación)

2011-06-26T13:04:00.002+02:00

MEMORIAS DE ÁFRICA
ISAK DINESEN
Ed. RBA, Barcelona, 1993

- El amor a la mujer y a la feminidad es una característica masculina, y el amor al hombre y a la masculinidad es una característica femenina, y hay una sensibilidad especial hacia los países y razas del sur que es una cualidad nórdica. Los normandos debieron enamorarse de los países extranjeros, Francia primero, luego Inglaterra. Aquellos viejos milords de la historia y literatura del siglo XVIII que están siempre viajando por Italia, Grecia y España no tenían nada de meridional en sus naturalezas, sino que les atraía y les fascinaba algo que era completamente distinto a ellos. Los antiguos pintores, filósofos y poetas germánicos y escandinavos cuando llegaban por primera vez a Florencia y Roma, se arrodillaban, para adorar al sur. Pág. 19

- Después de un cierto tiempo aprendí a comportarme como ellos y dejé de hablar de los tiempos difíciles o a quejarme como una persona desdichada. Pero yo era una europea y no había vivido el tiempo suficiente en el país como para adquirir la absoluta pasividad de los nativos, como hacen algunos europeos que llevan muchos decenios en África. Yo era joven y por instinto de conservación tenía que concentrar mis energías en algo si no quería dejarme arrastrar como el polvo de los caminos de la granja o el humo en la llanura. Por las tardes empecé a escribir cuentos de hadas y relatos fantásticos que me llevaban lejos, a otros países y a otros tiempos. Pág. 43

- Aunque yo sé una canción de África –pensaba-, de la jirafa y de la luna nueva africana tendida de espaldas, de los arados en los campos y de los rostros sudorosos de los recolectores de café, ¿sabrá África una canción sobre mí? ¿Vibrará el aire en la llanura con un olor que yo he llevado, o los niños inventarán un juego en el cual esté mi nombre, la luna llena proyectará una sombra sobre la grava del camino que era como yo, o me buscarán las águilas de Ngong? Pág. 70

- Ingrid Lindstrom venía a quedarse en la granja cuando podía dejar uno o dos días la suya, sus pavos y su huerto de legumbres en Njoro. Ingrid tenía la piel tan clara como el alma y era hija y esposa de oficiales suecos […]. Ella y yo, en los malos tiempos, habíamos llorado la una en brazos de la otra, ante el pensamiento de que podíamos perder nuestra tierra. Era feliz cuando Ingrid venía a estar conmigo porque tenía la sincera e insinuante jovialidad de una vieja campesina sueca, y en su rostro curtido brillaba la vigorosa y fuerte dentadura de una valkiria sonriente. Además, todo el mundo quiere a los suecos, porque en medio de sus penas se las guardan dentro de su pecho y se muestran tan valerosos que irradian su luz a lo lejos. Pág. 176

LA CARRETERA (adaptación)

2011-05-05T11:47:00.001+02:00

LA CARRETERA
CORMAC McCARTHY
DEBOLSILLO, BARCELONA, 2009

- Salió a la luz gris y se quedó allí de pie y fugazmente vio la verdad absoluta del mundo. El frío y despiadado girar de la tierra intestada. Oscuridad implacable. Los perros ciegos del sol en su carrera. El aplastante vacío negro del universo. Y en alguna parte dos animales perseguidos temblando como zorros escondidos en su madriguera. Tiempo prestado y mundo prestado y ojos prestados con que llorarlo. Págs. 99-100.

- Olor a lluvia. El chico estaba despierto. Tienes que hablarme, dijo.
- Lo intento.
- Perdona que te haya despertado.
- No pasa nada.
- Se levantó y fue andando hasta la carretera. Su mancha negra corriendo de lo oscuro a lo oscuro. Luego un retumbo en la distancia. No un trueno. Se notaba bajo los pies. Un sonido sin análogo y por tanto sin descripción posible. Algo imponderable que se movía allí en la oscuridad. La tierra misma contrayéndose de frío. No se repitió. ¿Qué época era del año? ¿Qué edad tenía el niño? Se quedó de pie en la carretera. Silencio. El salitre secándose de la tierra. Las formas lodosas de ciudades inundadas quemadas hasta la marca de nivel del agua. En una intersección unos dólmenes dispuestos en el suelo donde los huesos-oráculo iban convirtiéndose en polvo. El viento como único sonido. ¿Qué dirás? ¿Que un hombre, un hombre vivo, pronunció estas frases? ¿Que afiló una péñola con una navaja para garabatear estas cosas usando endrina o negro de humo? ¿En algún momento computable y tabulable? Viene a robarme los ojos. A sellarme la boca con tierra. Pág. 192

- La carretera atravesaba un lodazal seco donde tubos de hielo sobresalían del fango congelado como estalagmitas. Restos de un fuego antiguo junto a la carretera. Más allá un largo paso elevado de hormigón. Un pantano muerto. Árboles muertos surgiendo del agua gris con colgajos de una turba gris y residual. Las salpicaduras de ceniza sedosa en el encintado. Se apoyó en el arenoso antepecho de hormigón. Tal vez en su destrucción sería posible al fin ver cómo estaba hecho el mundo. Océanos, montañas. El fatigoso contraespectáculo de las cosas dejando de existir. La extensa tierra baldía, hidróptica y fríamente secular. El silencio. Pág. 201.

- ¿Te acuerdas de aquel niño, papá?
- Sí, me acuerdo.
- ¿Tú crees que estará bien, el niño?
- Oh, seguro que sí. Estará bien.
- ¿Tú crees que se habrá perdido?
- No. No lo creo.
- Me da miedo que se haya perdido.
- Yo creo que estará bien.
- Pero ¿quién lo encontrará si es que se ha perdido? ¿Quién encontrará al niño?
- La bondad encontrará al niño. Así ha sido siempre y así volverá a ser. Pág. 206.

CAPERUCITA ROJA ¿A QUIÉN TIENES MIEDO? (pressbook)

2011-04-12T13:26:00.001+02:00

De la directora Catherine Hardwicke (Crepúsculo, Trece), llega el thriller de fantasía Caperucita roja (¿A quién tienes miedo?).
Amanda Seyfried (Cartas a Julieta, Mamma Mia!) lidera el elenco de grandes actores que aparecen en la película: Gary Oldman (El caballero oscuro, saga Harry Potter), Billy Burke (saga Crepúsculo), Shiloh Fernandez (Skateland), Max Irons (El retrato de Dorian Gray), la nominada al Óscar® Virginia Madsen (Entre copas), Lukas Haas (Origen) y la ganadora de un Óscar® Juie Christie (Lejos de ella, Darling).
Durante décadas, los habitantes del pueblo de Daggerhorn han mantenido un complicado pacto con el hombre lobo. Sacrifican a un animal una vez al mes para saciar el apetito de la bestia que les atemoriza cada luna llena. Pero bajo una luna de color rojo sangre, el lobo se lleva la vida de un ser humano, aumentando así el precio del pacto.
La víctima es la hermana mayor de Valerie (Seyfried), una hermosa joven que acaba de descubrir que sus padres (Burke y Madsen) van a casarla con Henry (Irons), el heredero de la familia más rica del pueblo. Pero ella está enamorada de Peter (Fernandez), el humilde leñador al que ha amado toda su vida. Para evitar que los separen, la pareja decide fugarse, pero, en un terrible instante, el lobo trastoca sus planes.
Sedientos de venganza, los vecinos del pueblo acuden al Padre Solomon, un cazador de hombres lobo, para que termine con la bestia de una vez por todas, Pero la llegada de Solomon solo revoluciona aún más al pueblo cuando les advierte a todos que el lobo adquiere forma humana durante el día y que podría ser cualquiera de ellos. Todos son sospechosos. El pánico se apodera del pueblo cuando el número de víctimas comienza a aumentar con cada luna roja y la paz que reinaba entre los habitantes se transforma en discordia. Además, Valerie descubre que tiene un vínculo único con el lobo que los atrae y los une de forma inexorable, lo que la convierte en sospechosa y a la vez en cebo.
El guión de Caperucita roja (¿A quién tienes miedo?) es de David Leslie Johnson (La huérfana). La producción de la película corre a cargo de Appian Way, por parte de Jennifer Davisson Killoran (La huérfana), Leonardo DiCaprio y Julie Yorn (Imparable) con Jim Rowe, Michael Ireland y Catherine Hardwicke como productores ejecutivos.
El equipo creativo de detrás de las cámaras lo forman la directora de fotografía Mandy Walker (Australia), el diseñador de producción dos veces nominado al Óscar® Tom Sanders (Salvar al soldado Ryan, Drácula), los editores Nancy Richardson (Crepúsculo) y Julia Wong (X-Men 3: La decisión final), la diseñadora de vestuario Cindy Evans (Una pareja de tres, Thirteen) y el director de efectos especiales Jeffery A. Okun (Ultimátum a la Tierra). La música es de Brian Reitzell (Lost in Translation) y Alex Heffes (El rito).
Warner Bros. Pictures presenta una producción de Appian Way dirigida por Catherine Hardwicke: Caperucita roja (¿A quién tienes miedo?) La película será distribuida por Warner Bros. Pictures, empresa de Warner Bros. Enterteinement.

SOBRE LA PRODUCCIÓN
CUENTO ANTIGUO. SANGRE NUEVA.

Al escuchar el título Caperucita roja, el público contemporáneo probablemente piense en una niña con capa roja dirigiéndose a casa de su abuela. Pero, en realidad, el cuento original era una historia con moraleja sobre el peligro y la decepción ideada para asustar a jóvenes mentes impresionables.
La directora Catherine Hardwicke nos explica que las raíces más siniestras del cuento son las que se prestan por si solas a convertirse en un thriller de fantasía. “Casi todos nosotros crecimos con una versión light de Caperucita roja, pero el cuento original tiene algunos elementos más oscuros que lo hacen mucho más intrigante. La idea de la niña que se adentra sola en el bosque y el lobo que la acecha y luego habla con ella... encierra mucho misterio y atrapa nuestra imaginación a muchos niveles. Cuando somos niños, el cuento puede parecernos otra cosa, pero si volvemos a escucharlo de adolescentes o adultos, respondemos a él de una forma completamente distinta”.
La productora Jennifer Davisson Killoran comenta: “Es un cuento emblemático y aunque hayamos oído varias versiones, hay cosas que son universales: la capa roja, el lobo, la mentira y el miedo. Es muy simple y a la vez muy aterrador. Nos gustó la idea de coger este legendario cuento y adaptarlo para un público moderno”.
El mensaje implícito de la fábula de Caperucita roja es: no hables con extraños. Pero ¿y si el lobo resulta ser alguien que conoces... alguien en quien confías... alguien a quien amas? Killoran indica: “El cuento juega con nuestro miedo a que alguien cercano a nosotros no sea en realidad quien aparenta ser. Para mí, el lobo feroz representa la ansiedad de no saber de verdad con quién estás tratando”.
El cuento clásico ha cambiado un poco, el depredador de la película es un hombre lobo que tiene apariencia humana hasta que la luna llena desvela su verdadera naturaleza. Sobre esta premisa, el guionista David Leslie Johnson concibió un misterioso asesinato del que todos son sospechosos y la terrorífica paranoia que provoca y afecta a una comunidad entera.
Killoran confirma: “Casi todos los personajes tienen un momento donde pierdes la fe en ellos. Lo hicimos así a conciencia para que cualquiera pudiera ser el lobo”.
“Creo que David hizo un trabajo maravilloso”, afirma Hardwicke. “Profundizó en los orígenes de la leyenda para conseguir su esencia. Luego añadió su propio toque personal y creativo a la mezcla y enriqueció mucho el cuento”.
Johnson declara: “Investigué mucho sobre cómo había cambiado la fábula de generación en generación, en distintas épocas y lugares. Mucho antes de hacer eso, la película estaba envuelta en un hermoso lacito y se presentaba como un cuento de hadas que contenía algunos detalles gráficos bastante desagradables y cuyo final no era muy apropiado. Me gustó la idea de ampliar los orígenes del cuento para crear más peligro, suspense y aventura”.
También hay una historia de amor. El presonaje principal, Valerie, se encuentra entre dos apuestos pretendientes: Peter, el amor de su infancia, y Henry, el hombre que sus padres han elegido para que sea su esposo. Las dudas sobre la identidad del hombre lobo hacen que su decisión no sea solo cuestión de amor, sino de vida o muerte. Cuando las cosas se complican, tiene un encuentro con el lobo y descubre, para su sorpresa, que tienen un vínculo único y muy personal.
Amanda Seyfried interpreta el papel de Valerie, cuya característica capa roja da nombre al cuento. “El triángulo amoroso lo hace más interesante porque Valerie no sabe en quién confiar”, comenta la actriz. “Ella ama a Peter, pero de pronto comienza a ver ciertos detalles en él que le hacen dudar. ¿Podría el amor de su vida ser un hombre lobo? Además, su relación con Henry se vuelve más estrecha y ve lo buen hombre que es, pero también comienzan a surgirle dudas sobre él. Tiene que averiguar si lo que quiere es lo mismo que lo que necesita”.
La combinación de amor adolescente, suspense y leyenda antigua atrajo inmediatamente a Hardwicke, quien recuerda: “En cuanto leí el guión, me entusiasmé mucho porque transcurría en un mundo de fantasía pero tenía un lado oscuro. Se trataba de un thriller con giros inesperados además de una irresistible historia de amor, que también me sorprendió en varias ocasiones. Me enganchó mucho a medida que la cosa se complicaba y cada vez se revelaban más secretos y mentiras”.
Para los productores, elegir a Catherine Hardwicke para dirigir Caperucita roja (¿A quién tienes miedo?) fue fácil. Killoran asegura: “Catherine ha demostrado que tiene un don para llegar al público más joven de una forma que muy pocos pueden. Se ve muy claro en todas sus películas; nunca son condescendientes o estereotípicas. Tiene una forma muy sincera de transmitir cómo se comunican los adolescentes, cómo piensan y cómo ven el mundo”.
No obstante, todas las generaciones representadas en el reparto disfrutaron trabajando con Hardwicke, desde los talentos emergentes hasta los más veteranos de la pantalla. La ganadora de un Óscar® Julie Christie admite: “Catherine fue una completa revelación para mí. Tiene una fantástica vitalidad juvenil y está llena de alegría, pero también es una persona muy comprometida con su trabajo y que tiene mucho talento para hacer bien lo que tiene que hacer. Trabajar con ella fue una experiencia extremadamente positiva para mí”.
“Cuando vi sus películas, tuve curiosidad por trabajar con Catherine”, dice Gary Oldman. “Eso fue una de las cosas que me impulsaron a participar en el proyecto. Y cuando la conocí, me encantó su entusiasmo”.
Billy Burke, el único miembro del reparto que ya había trabajado con Hardwicke en Crepúsculo, comenta: “Catherine ocupa un lugar especial en mi corazón. Nunca he conocido a alguien con el nivel de energía que ella tiene, y es contagioso. De alguna forma da energía a todos los que están en el plató compartiendo su sentido de la determinación”.
Seyfried está de acuerdo. “Uno quiere a un director que dé a la película ese entusiasmo y emoción. A ella le encanta hacer películas y tiene muchísima imaginación. Cuando estábamos en preproducción, me enseñó dibujos, fotos y vídeos que había montado, que me ayudaron mucho a entender las diferentes facetas de mi personaje. Es sinceramente la directora más creativa con la que he trabajado”.

¿CÓMO DEJAR FUERA LO QUE YA ESTÁ DENTRO?

Hardwicke dice que pensó inmediatamente en Amanda Seyfried en el casting para el papel de Valerie. “Desde el primer momento en que vi a Amanda, supe que era especial”, afirma la directora. “Tenía todo lo que necesitábamos para su personaje, especialmente porque Valerie no es la clásica damisela en apuros. Amanda es dura, sexy, divertida y vulnerable, lo tiene todo. Y su aspecto físico es como sacado de un cuento de hadas. Es como etérea y tiene unos ojos asombrosos a los que uno no se puede resistir”.
A su vez, Seyfried dice que la nueva versión de un cuento antiguo es lo que le atrajo a hacer la película. “No conozco a nadie que no haya leído Caperucita roja en su infancia, así que me gustó eso de coger un cuento que todos hemos oído y divertirme un poco con él. El thriller parecía emocionante y el escenario medieval le daba un toque gótico y añadía romanticismo”.
Valerie se encuentra en la cima del triángulo amoroso de la película y a la vez está directamente vinculada al misterio del hombre lobo. Cuando parece que la bestia es alguien cercano a ella, Valerie tiene razones para dudar de todos los que la rodean. “En el transcurso de la historia, ella intenta averiguar quién puede ser, basándose en las señales que recibe”, explica Seyfried. “Es aterrador para ella porque, en distintas ocasiones, tiene razones para sospechar de todo el mundo”.
Hardwicke añade: “La paranoia comienza a aparecer cuando Valerie empieza a ver pequeños destalles que no había notado antes, y ahora significan algo distinto. Toda su vida ha visto a su familia y a sus amigos de una forma y de pronto las cosas cambian, y la sombra de la duda se cierne sobre ella”.
No pasa mucho tiempo antes de que esa sombra caiga sobre los dos diferentes jovencitos que se disputan el corazón de Valerie, Peter y Herny, interpretados por los noveles Shiloh Fernandez y Max Irons respectivamente.
Fernandez relata: “Peter es leñador y el novio de Valerie. Mantienen su relación en secreto porque él es un pobre huérfano y le consideran un extraño. Al principio de la película, descubre que la han prometido con Henry, así que Peter pide a Valerie que se fuguen juntos. Quiere enseñarle el mundo que ella nunca ha visto, la ciudad, el océano... todo, siempre y cuando puedan estar juntos. Pero antes de que puedan escapar ocurre una tragedia: se enteran de que el hombre lobo ha asesinado a Lucie, la hermana de Valerie”.
También averiguamos que Lucie había estado enamorada de Henry, pero que él solo tenía ojos para Valerie. Irons comenta: “Henry es el herrero del pueblo y el hijo de la familia más adinerada. No entiende cómo Valerie puede estar enamorada de Peter, porque cree sinceramente que él es la mejor elección por la vida que puede ofrecerle”.
“Es el típico dilema amoroso: ¿elijo la opción segura, que en este caso, también resulta ser increíblemente guapo o al que parece algo peligroso pero es sexy y atrevido? Creo que cualquier jovencita soñaría con estar en esta situación, especialmente si los chicos son Shiloh y Max”, se ríe Hardwicke.
“Shiloh tiene mucho carisma y hubo una química fantástica entre él y Amanda”, continúa la directora. “También le dio algo de misterio a su personaje y nos lleva a preguntarnos qué es lo que esconde bajo esa fachada”.
Killoran añade: “Max tiene esa maravillosa presencia intrigante. Lo que me encantó de su actuación es que todo lo que hace viene de un hogar poderoso y noble, pero te deja entrever que Henry también podría tener un lado oscuro. Cuando hicimos el casting para estos papeles, quisimos hacerlo de tal manera que la decisión de Valerie no fuera obvia; tenía que ser una elección difícil entre dos hombres tan maravillosos como diferentes, que ambos valieran la pena”.
Viniendo de perspectivas diferentes, los padres de Valerie, Suzette y Cesaire, tienen puntos de vista que entran en conflicto sobre si será Peter o Henry quien pueda hacer feliz a su hija a largo plazo.
Virginia Madsen, que interpreta a Suzette, cuenta: “Suzette cree que la única forma de que su hija tenga una vida mejor es casarla con el chico rico, Henry, que también resulta ser muy bueno. Piensa que Valerie merece algo mejor que el pobre leñador, el chico malo. Eso es solo pasión y nunca durará. Después del asesinato de su hija mayor, Lucie, amenaza con revelar secretos que la hacen ser más protectora con la hija que le queda. Al final, Suzette no quiere que Valerie termine como ella, casada con un leñador, que además es un borracho”.
En el papel de Cesaire, Billy Burke admite que su personaje “es un hombre al que le gusta empinar el codo, pero su hija le quiere y le perdona sus errores. Quizá su atracción por Peter se debe en parte al viejo cliché de que a las chicas tienden a gustarles los hombres que les recuerdan a sus propios padres. Cesaire es también leñador, así que a él le gusta Peter y le considera un buen pretendiente para su hija. Eso es solo parte del abismo que se ha abierto entre él y su mujer durante los años, debido probablemente a su problema con la bebida. Pero Cesaire no ve que eso haga daño a nadie, ni a sí mismo”.
El miembro de la familia al que Valerie se siente más unida es su abuela. “Comparten un vínculo muy grande”, confirma Seyfried. “Siempre han conectado a un nivel más allá del que Valerie tiene con sus padres. Valerie siempre ha admirado lo independiente que es su abuela”.
En Caperucita roja (¿A quién tienes miedo?), la abuela, interpretada por Julie Christie, no se parece en nada a la del cuento clásico. Hardwicke subraya, “una de las primeras cosas que dije fue que nuestra abuela no sería de ninguna manera una vieja demacrada y arrugada. Es muy bohemia, lleva largas trenzas, vive fuera del pueblo, en las profundidades del bosque, y la rodea una atmósfera de misterio.”
“Nos emocionamos mucho cuando conseguimos a Julie Christie para el papel”, continúa. “Es tan increíble y bella, que me dejó sin aliento. Y Julie agradeció que su personaje no fuera una abuela anciana y estirada”.
“Es una inconformista”, dice Christie del ecléctico estilo de vida de su personaje. “Es artista y herbolaria y tiene algo de curandera. Es muy sabia y comprensiva y ha sido como una protectora para Valerie, que siempre ha podido confiar a su abuela sus secretos más íntimos”.
Después de que el lobo atacara a su propia familia, Valerie corre a casa de su abuela, a pesar de que los hombres del pueblo, sedientos de venganza, se unen para seguir el rastro de la bestia y matarla. Aunque el lobo se lleva a muchos por delante, los hombres vuelven creyendo que han vencido a la bestia. Mientras tanto, el cura del pueblo, el Padre Auguste, con la intención de hacer lo mejor por los suyos, llama al afamado cazador de hombres lobo Padre Solomon para que venga a Daggerhorn.
Lukas Haas, que interpreta al Padre Auguste, comenta: “Siente verdadera admiración por el Padre Solomon. Creo que en realidad el Padre Auguste solo quiere hacer lo correcto, pero el hecho de que el lobo haya matado de nuevo puede haberle servido también de excusa para llamar a su ídolo. Puede que su predilección por su héroe le haya nublado el juicio, pero Auguste pronto comienza a darse cuenta de quién es la persona que de verdad supone un peligro para su pueblo”.
Gary Oldman interpreta el papel del ferviente Padre Solomon, a quien describe como ”un hombre poseído, aunque no le considero un villano. Más bien, ha visto el fondo del abismo y ahora está totalmente convencido de la honradez de su misión. Cree de verdad que es la espada de Dios... y tiene un don para la moda”, dice el actor, inexpresivo. “Pensé que me divertiría hacer el papel. También sentí curiosidad por el oscuro matiz que se le daba al ya oscuro cuento. Cuando somos pequeños, los cuentos como Caperucita roja son probablemente la primera vez que somos conscientes del miedo. ¿Qué nos aguarda en el bosque? En las manos de Catherine Hardwicke, lo vemos a través de un prisma diferente”.
“Trabajar con Gary Oldman era un sueño hecho realidad”, afirma Hardwicke. “Nunca deja de sorprenderme. No solo es un actor intrépido, es generoso, servicial y tremendamente divertido. A todos los miembros el equipo del plató les encantaban Gary y Julie”.
El Padre Solomon llega cuando el pueblo está a punto de celebrar la muerte del lobo, pero Solomon les sermonea diciéndoles que el terror aún no ha terminado. “Su ‘víctima’, les informa, es solo un lobo gris común, mientras que el hombre lobo sigue más vivo que nunca. Después, les informa de la cruda realidad: la criatura que se transforma en humano durante el día, vive entre ellos. Solo bajo la luna llena uno de sus vecinos de confianza adquiere la forma del lobo. Y lo que es peor, no es una luna llena normal, sino un fenómeno cósmico que ocurre solo una vez cada trece años, cuando Marte y la luna se alinean, una luna color rojo sangre. Cuando la luna roja brilla en el cielo nocturno, el leve mordisco del hombre lobo transforma a la víctima de presa a depredador, de humano a hombre lobo. Durante los tres siguientes días, las almas de todos los habitantes del pueblo correrán peligro.

¿A QUIÉN TIENES MIEDO?

El principal antagonista del cuento, por supuesto, es el lobo. En Caperucita roja (¿A quién tienes miedo?) no se hizo casting para este personaje, sino que se creó mágicamente por ordenador. Sin embargo, Killoran declara: “A menudo, las películas de hombres lobo se centran en la transformación, pero nosotros precisamente nos mantuvimos alejados de ese enfoque. Esta historia no trata sobre la transición de humano a lobo; trata sobre un lobo que resulta que también es humano”.
El director de efectos especiales Jeffrey A. Okun trabajó con Hardwicke en la creación de su hombre lobo, que tenía que ser tan fiero como astuto. Dice: “Catherine fue muy específica con que el lobo tenía que ser poderoso y malvado, pero también muy inteligente. El reto que nos propuso no fue tanto como crear una criatura creíble sino un personaje creíble”.
Teniendo en cuenta esa condición, Okun y el equipo de efectos especiales de Rhythm y Hues trabajaron para darle expresión al rostro de la bestia, especialmente a los profundos ojos marrones que sirven a Valerie de pista para descubrir la identidad de su alter-ego humano. Para perpetuar el misterio de la identidad del hombre lobo, Okun también le puso rasgos de cada personaje. Explica: “El truco fue coger un poco de la interpretación de cada actor para que el público pudiera percibir en él algo característico de alguien y dudar de esa persona...”.
Para hacer que la morfología del lobo fuera lo más orgánica posible, se llevó a cabo una importante investigación. El equipo de efectos especiales estudió minuciosamente los movimientos de no solo lobos sino también de hienas, guepardos, panteras, leones y diversas razas de perros. “Nuestro objetivo era mezclar la fuerza bruta canina con el sutil sigilo felino para no pillarnos los dedos haciendo pensar al espectador si el lobo es macho o hembra”, comenta Okun.
En el plató, el equipo de efectos especiales junto al equipo de escenas de acción a las órdenes de Andy Cheng, utilizó una variedad de métodos para proporcionar al reparto una presencia física con la que interactuar. A cada uno de los lobos de atrezo se les puso un apodo no muy feroz, como enumera Okun: “Teníamos una silueta de poliestireno tamaño real llamada Stuffy (Rellenito), una cabeza de lobo peluda llamada Fluffy (Peludito) y una silueta de cartón llamada Flatty (Planito)”.
La creación de imágenes por ordenador también fue muy útil para lograr algunos de los elementos inanimados de la película. Los platós para las secuencias exteriores e interiores, incluido el pueblo de Daggerhorn entero, se construyeron en estudios insonorizados en las instalaciones de Canada Motion Picture Park de Vancouver, Columbia Británica. Después, la producción amplió los limites de los platós con ayuda de una combinación de efectos gráficos de alta tecnología y unos espejos, un instrumento menos avanzado.
Había, sin embargo, una toma que no necesitaba ampliación: un momento de fantasía que fue rodado en la cima de una montaña cercana. Cuando Valerie y Peter caminan hacia el pico, su capa roja se agita en el aire haciendo contraste con el manto de blanca nieve que cubre la montaña. El productor ejecutivo Jim Rowe recuerda: “Tuvimos que mantener la unidad al mínimo porque, a pesar de que estábamos rodando en verano, a esa altura el tiempo puede cambiar sin previo aviso y uno tiene que ser capaz de salir pitando de allí. Pero salió bien y no tuvimos ningún problema”.
En los confines de los estudios insonorizados, la tarea de la cineasta Mandy Walker era la de crear la iluminación para las escenas de días soleados y las de noches de luna llena. Hardwicke comenta: “No era solo crear la iluminación exterior en un plató interior; teníamos fuego y nieve y todos esos diferentes efectos y todo tenía que mezclarse a la perfección. Nunca dejará de sorprenderme lo que Mandy hizo”.
Además, para el diseño de los decorados de Caperucita roja (¿A quién tienes miedo?), Hardwicke también trabajó con el diseñador de producción Tom Sanders y la diseñadora de vestuario Cindy Evans para recrear el ambiente general y la ambientación de la película.
“Catherine es muy gráfica”, destaca Killoran. “Cuando nos conocimos, trajo una presentación increíble para contarnos cómo veía ella la película, transmitía un sentimiento de modernismo a una especie de mundo gótico. Gran parte de lo que vemos en la película estaba en esa primera presentación”.
Aunque es evidente que el plató no es del todo contemporáneo, los creadores de la película no querían que se identificara ninguna época ni lugar específicos. “Queríamos situar la historia en nuestro propio mundo de fantasía, siendo acordes con los orígenes del cuento”, afirma Hardwicke.
El rústico pueblo de Daggerhorn fue decorado con algunos rasgos destacables, concebido según las necesidades de la amenaza bajo la que viven los habitantes. Muchos de los edificios se alzan sobre pilotes “porque esta gente teme al lobo y de esta forma pueden subir escaleras y apuntalar las puertas, de manera que es más difícil que el lobo les alcance”, aclara la directora.
Otra pista visual son los pinchos que tienen los laterales y los tejados de todos los edificios, además de los árboles que hay en el pueblo y los que lo rodean. Tom Sanders comenta: “La idea era que todo el pueblo fuera como un zarzal donde los conejos de la fábula se refugian de los lobos. Esa es la razón por la que allá donde miramos, vemos pinchos. Y en medio del zarzal está la casa de la abuela”.
Hardwicke recuerda: “Al principio nos habíamos imaginado la casa de la abuela como una sencilla e informal casita en un árbol, pero a Tom se le ocurrió esa idea y la llevó a cabo. Situó la casa en medio de todos esos enormes árboles y uno no puede ver bien dónde terminan los árboles y dónde empieza la casa. Y hay diferentes capas y niveles que añaden mucho interés visual. La naturaleza campechana de la casa encajaba a la perfección con la personalidad de la abuela”.
Para enfatizar la naturaleza rústica del pueblo, construimos todo el mobiliario del pueblo a mano. El encargado de los decorados, Shane Vieau, comenta: “Pensamos que podríamos encontrar cualquier cosa que necesitáramos, pero a medida que nos íbamos metiendo en ello, nos dimos cuenta de que todo tenía que tener una forma y tamaño específicos. Como teníamos nuestra propia madera cortada, comenzamos a construir el mobiliario y a partir de ahí fuimos progresando. Algunas personas de nuestro equipo eran carpinteros expertos así que les encantó hacerlo”.
En los platós se usaron telas para dar color a los tonos insulsos inherentes en la madera, piedra y metales.
Sin embargo, solo hay un lugar donde aparece el color rojo: la característica capa de Valerie, de donde viene el título Caperucita roja. Al principio de la preproducción, Hardwicke consultó con el ilustrador Kit Stolen sobre los conceptos iniciales de la importantísima capa. Después, la directora se reunió con la diseñadora de vestuario Cindy Evans. “Cindy y yo trabajamos juntas en Los amos de Dogtown y Thirteen, y me alegró mucho volver a trabajar con ella. Tiene un gusto exquisito y se preocupa de verdad por cada detalle para que el traje le quede bien al personaje. Cindy empezó a trabajar en el diseño de la capa investigando diseños y telas de todo el mundo”.
En realidad hay dos modelos de la capa roja: una, la que aparece en una escena de fantasía, mide 6 metros de largo y está hecha toda de terciopelo, y la principal, la que lleva en toda la película. Evans detalla: “Hicimos una amplia investigación sobre telas e incluso consideramos tejer nuestra propia tela hasta que di con una fuerte matka de seda de dos tonos, más conocida como seda cruda, que era perfecta. Hice serigrafiar un patrón de espirales aproximadamente de 25 centímetros alrededor del borde y después se bordó a mano sobre el patrón usando 6 tonos diferentes de rojo... Y salió bastante bonito”.
“Era preciosa”, asegura Amanda Seyfried. “Al ponérmela me sentía como un doncella de cuento”.
Para los trajes de los dos pretendientes de Valerie, Evans quiso hacer contraste, fijándose en que “el estilo de Peter viene determinado por la pobreza; el de Henry de la riqueza. Queríamos que Peter tuviera un aspecto humilde. Como leñador pobre, Peter se habría hecho la ropa de retales de cuero y trozos de tela cosidos juntos. Henry era lo contrario; al venir de una familia acomodada, tenía dinero para ropa más elaborada”.
Evans y Hardwicke reservaron el aspecto más extravagante para el Padre Solomon, cuyo traje de terciopelo morado “representa su influencia y su riqueza”, dice Evans. “Hace siglos, solo se usaban los tintes más caros para reproducir el color morado. Era el color de la realeza y, para nosotros, era la manera de dar a entender que él es un individuo poderoso”.
Evans y su equipo también fueron responsables del vestuario del resto del reparto principal, además del de muchos extras. Todos los trajes se tejieron a partir de telas naturales y seda cruda y cada pieza tenía que teñirse individualmente y luego envejecerse.
Entre los trajes de los habitantes del pueblo, el público podrá ver alguno que le suene de figuras de cuentos, como los tres personajes porcinos que tuvieron sus propios problemas con un lobo feroz.
Hardwicke afirma: “Creo que una de las razones por la que los cuentos como Caperucita roja han durado tanto tiempo es porque nos permiten explorar y entender nuestros lados oscuros, incluso de pequeños. Retratan la envidia y el miedo, incluso la muerte, y nos permiten tratarlos de una forma muy visceral”.

SOBRE EL REPARTO

AMANDA SEYFRIED (Valerie) pronto se ha convertido en una de las actrices más solicitadas de hoy en día. Este año también actuará junto a Justin Timberlake, Olivia Wilde y Cillian Murphy en Now, un thriller de ciencia ficción del escritor y director Andrew Niccol, que transcurre en una sociedad en la que el tiempo es literalmente oro. Después comenzará la producción del thriller Gone en el que aparece bajo la dirección de Heitor Dhalia.
También es conocida por su multifacética interpretación, luciendo su habilidad tanto para actuar como para cantar en el taquillazo internacional Mamma Mia! dirigida por Phyllida Lloyd. Acompañando a Seyfried en el musical estaban Meryl Streep y Pierce Brosnan, el cual se estrenó en verano de 2008 y recaudando más de 600 millones de dólares en todo el mundo.
En 2010, Seyfried actuó en tres películas diferentes, entre las más recientes se encuentra la comedia romántica de Gary Winick Cartas a Julieta, con Vanessa Redgrave y Gael García Bernal. También apareció junto a Channing Tatum en el drama romántico Querido John, basada en el best seller de Nicholas Sparks y dirigida por Lasse Hallström; y en Chloe, un thriller dirigido por Atom Egoyan en el que actuó junto a Julianne Moore y Liam Neeson.
Actualmente Seyfried actúa en la dramática y galardonada serie de televisión de la HBO Big Love, en la que se gana elogios por su papel de mujer joven que lucha contra la poligamia de sus padres.
Nacida en Pennsylvania, Seyfried comenzó su carrera como modelo a la edad de 11 años. En su adolescencia, llamó por primera vez la atención en la televisión matutina, con papeles en series como As the World Turns y All My Children.
Su mayor éxito llegó en 2004 con su debut cinematográfico en el taquillazo Chicas malas, dirigida por Mark Waters con un guión de Tina Fey. Junto a sus compañeras de reparto Lindsay Lohan y Rachel McAdams, Seyfried ganó un premio MTV Movie Award a la Mejor Imagen en Pantalla. Al año siguiente, Seyfried actuó en la aclamada película independiente Nueve vidas, que se estrenó entre aplausos en el festival de cine de Sundance y ganó algunos premios en festivales internacionales. Escrita y dirigida por Rodrigo García, en la película también aparecían Sissy Spacek, Glenn Close, Holly Hunter, Robin Wright y Dakota Fanning.
Entre otras de sus películas está el drama basado en un hecho real de Nick Cassavetes Alpha Dog, en la que aparecen Bruce Willis, Emilie Hirsch y Justin Timberlake; el drama American Gun, con Donald Sutherland, Forest Whitaker y Marcia Gay Harden y el thriller de terror Jennifer’s body, en el que actúa junto a Megan Fox.

GARY OLDMAN (Padre Solomon) es mundialmente conocido por su trabajo en algunas de las principales sagas de películas de todos los tiempos. El padrino de Harry Potter, Sirius Black, el aliado de Batman en la lucha contra el crimen, el teniente Gordon, Drácula, Beethoven, Lee Harvey Oswald y Sid Vicous son solo algunos de los memorables papeles que ha interpretado como presencia indeleble en el cine durante 20 años.
En 2008, Oldman retomó el papel del teniente Gordon en el taquillazo del año El caballero oscuro, habiendo retratado por primera vez al personaje en Batman begins. También interpretó a Sirius Black en Harry Potter y el prisionero de Azkaban, Harry Potter y el Cáliz de Fuego y en Harry Potter y la Orden del Fénix.
Entre sus próximas películas podemos nombrar Tinker, Tailor, Soldier, Spy; Guns, Girls and Gambling; Criminal Empire for Dummies y Money for Nothing.
Oldman comenzó su carrera en 1979 en los teatros de Londres. Entre 1985 y 1989 actuó exclusivamente en el London’s Royal Court Theatre y, en 1985, la revista londinense Time Out le nombró Mejor actor novel por su trabajo en The Pope’s Wedding. Ese mismo año compartió con Anthony Hopkins el premio London Critics’ Circle al Mejor Actor.
En 1986, Oldman debutó en la exitosa película Sid & Nancy, por la que ganó el premio Evening Standard British Film Award al Actor Novel más prometedor por su interpretación de la leyenda del pop rock Sid Vicious. El año siguiente actuó en Ábrete de orejas, de Stephen Fears, por la que ganó el premio London Film Critics Circle al Mejor Actor por su interpretación del condenado dramaturgo británico Joe Orton. Desde entonces se ha convertido en uno de los actores más respetados de la industria del cine, actuando tanto en las películas más taquilleras como en las más aclamadas del cine independiente. Entre las películas más antiguas de Oldman están Track 29, Ley criminal y Héroes de papel, de Nicolas Roeg; Rosencrantz y Guildenstern han muerto, de Tom Stoppard, por la que ganó una nominación al premio Independent Spirit al Mejor Actor; El clan de los irlandeses; Henry y June; J.F.K.: caso abierto, de Oliver Stone, en la que interpretó a Lee Harvey Oswald; y Drácula, de Francis Ford Coppola, en la que interpretó el papel protagonista.
Otros trabajos cinematográficos posteriores de Oldman son sus papeles memorables en Amor a quemarropa, de Tony Scott; Romeo is bleeding (doble juego); The professional (El Profesional) y El quinto elemento, de Luc Besson; Amor inmortal; Homicidio en primer grado; La letra escarlata, de Roland Joffe; Basquiat, de Julian Schnabel; Air Force One (El avión del presidente), de Wolfgang Petersen; la versión cinematográfica de Perdidos en el espacio y Hannibal, de Ridley Scott. Últimamente ha aparecido en la adaptación de Robert Zemeckis del clásico navideño de Charles Dickens Cuento de Navidad y en El libro de Eli.
En 1995, Oldman y el jefe/socio de producción Douglas Urbanski formaron la productora The SE8 Group, que produjo el debut de Oldman como director y guionista en Los golpes de la vida. La película fue invitada al quincuagésimo festival de cine de Cannes de 1997 en la competición principal, donde Kathy Burke ganó el premio a la Mejor Actriz por su papel. Además, Oldman ganó dos premios BAFTA a la Mejor Película Británica y al Mejor Guión, el premio Channel 4 Director’s Award en el Festival Internacional de Cine de Edimburgo y el Empire Award al Mejor Director Novel. También fue productor ejecutivo y apareció en la película del SE8 Group Candidata al poder, que recibió dos nominaciones al Óscar® y otorgó a Oldman una nominación al premio Screen Actors Guild Award® al Mejor Actor Secundario.
En televisión, Oldman ganó una nominación al premio Emmy por su aparición estelar interpretando a un actor alcohólico en la famosa comedia Friends. Entre sus trabajos más antiguos en televisión están las películas Meantime, dirigida por Mike Leigh y The firm, dirigida por Alan Clarke.

BILLY BURKE (Cesaire) también es conocido por los fans del género por su papel de Charlie Swan en la saga cinematográfica de éxito Crepúsculo. Interpretó el papel en la primera película, Crepúsculo, lo que también supuso su primera colaboración con la directora Catherine Hardwicke. Burke retomó el papel en la continuación de la saga, en las películas Luna nueva y Eclipse y aparecerá de nuevo en La saga Crepúsculo: Amanecer, que se estrenará en dos partes: la primera de ellas en noviembre de 2011 y la segunda en 2012. Burke tiene otras películas pendientes de estreno, tales como Furia ciega, coprotagonizada por Nicolas Cage y la película indie Highland Park.
También aparece en los thrillers dirigidos por Gregory Hoblit, Rastro oculto (Untraceable), con Diane Lane y Fracture con Anthony Hopkins y Ryan Gosling; la comedia romántica de Robert Benton El juego del amor; el drama basado en hechos reales de Jay Russell Brigada 49, con John Travolta y Joaquin Phoenix; La hora de la araña de Lee Tamahori; Sin límite del escritor y director Robert Towne y la película de Jim Abraham Mafia. ¡Estafa como puedas!. Burke también ha trabajado en películas independientes como Forfeit y Dill Scallion, por nombrar solo algunas.
En televisión, Burke ha trabajado recientemente en papeles para la serie de la TNT Rizzoli and Isles y la serie de la TBS Mis chicos y yo. Anteriormente colaboró en siete espeluznantes episodios de la segunda temporada de 24. También apareció en la serie Wonderland, creada por Peter Berg, además de colaborar en las series Ley y Orden, Fringe y The Closer.
Además de la interpretación, Burke es un músico consagrado que toca la guitarra y el piano. Actuó en Seattle con el grupo de rock Outcast Theatre durante muchos años. Su álbum debut, Removed, salió a la venta el pasado mes de junio.

SHILOH FERNANDEZ (Peter) también protagoniza la película independiente Skateland que se estrenará el próximo mes de marzo, pero que ya se presentó en la sección a concurso del Festival de Cine de Sundance en 2010, ganándose el aplauso del público en otros festivales de cine, como en el SXSW.
Fernandez creció en una pequeña ciudad del Norte de California, Ukiah, y con 19 años se mudó a Los Ángeles para iniciarse en el mundo de la interpretación. Los primeros elogios que recibió fue gracias a la película para televisión del 2006 El último adiós. Al año siguiente fue su debut en el cine con el thriller indie Interstate.
Las siguientes películas incluyen el drama Red, con Brian Cox, estrenada en el Festival de Cine de Sundance en 2008, Gardens of the Night con John Malkovich, Jeremy Sisto y Harold Perrineau; From Within, con Thomas Dekker; Deadgirl, estrenada en el Festival Internacional de Cine de Toronto en 2008; la aclamada por la crítica Cadillac Records, coprotagonizada por Adrien Brody, Beyoncé Knowles, Jeffrey Wright y Gabrielle Union; 16 to Life y Happiness Runs.
En televisión, Fernandez protagonizó el spin-off de Gossip Girl y ha hecho numerosas colaboraciones en series como Jericho, la serie United States of Tara de Showtime y creada por Diablo Cody, Three Rivers y CSI: Nueva York.

MAX IRONS (Henry) ha obtenido recientemente una nominación al prestigioso premio Ian Charleson Award por su interpretación en Wallenstein de Friedrich Schiller en el Chichester Festival Theatre, lo que supuso su debut profesional en los escenarios.
Más recientemente lo hemos podido ver en la miniserie británica The Runaway basada en el éxito de Martina Cole.
Irons se graduó en la escuela de música y teatro The Guildhall School of Music and Drama en el verano de 2008. Durante su formación, perfeccionó su arte en papeles para obras como Edipo, The Revenger’s Tragedy, El jardín de los cerezos, Plenty, The London Cuckolds, Noche de reyes, Semi-Monde, Under The Blue Sky y New Girl in Town.
Nacido en Londres, Iron se une al legado de su familia para formar parte del mundo de la interpretación. Sus padres son Jeremy Irons y Sinead Cusack, ambos actores premiados, y su abuelo el gran actor irlandés Cyril Cusack.

VIRGINIA MADSEN (Suzette) obtuvo la nominación al Oscar®, al Globo de Oro y al Screen Actors Guild (SAG) Award® por su trabajo en el éxito de Alexander Payne de 2004 Entre copas. Por su interpretación en esta película, Madsen ganó un premio Independent Spirit Award, además de premios a la Mejor Actriz de Reparto de asociaciones de críticos como las de Nueva York, Chicago, Los Ángeles, Toronto y Broadcast Film Critics. Madsen y sus compañeros de reparto en Entre copas compartieron el premio SAG Award® al Mejor Reparto Cinematográfico.
Más recientemente, Madsen protagonizó Firewall con Harrison Ford; la última película de Robert Altman El último show, con Meryl Streep y Kevin Kline; El granjero astronauta, con Billy Bob Thornton; El número 23 de Joel Schumacher, con Jim Carrey; la película indie Ripple Effect, de la que también fue productora ejecutiva; Diminished Capacity con Matthew Broderick y Exorcismo en Connecticut. Además, Madsen tiene otras películas pendientes de estreno, como Father of Invention, con Kevin Spacey; The Art of Love y The Bell Jar, basada en la famosa novela de Sylvia Plath.
Madsen también ha creado su propia productora con Karly Meola, Title IX Productions. Su primer proyecto fue el documental I Know A Woman Like That, estrenado en el año 2009 en el Festival de Cine Phoenix y de forma oficial en 2009 en el Festival de Cine de Chicago. El documental, dirigido por la madre de Madsen, Elaine Madsen, es el retrato de algunas mujeres extraordinarias de 64 a 94 años. Title IX tiene además otros proyectos en desarrollo.
Otras películas anteriores de Madsen incluyen El poder de la justicia de Francis Ford Coppola, con Matt Damon; Fantasmas del pasado de Rob Reiner, con Alec Baldwin, Whoopi Goldberg y James Woods; el clásico de terror Candyman, el dominio de la mente; Labios ardientes de Dennis Hopper; Slam Dance (Sin vía de escape) de Wayne Wang y Dune de David Lynch.
En la pequeña pantalla, Madsen ha protagonizado la serie de la ABC Scoundrels y ha trabajado también en la temporada final de Monk de Tony Shalhoub.

LUKAS HAAS (Padre Auguste) ha aparecido recientemente en Origen de Christopher Nolan con Leonardo DiCaprio. Sus próximas películas incluyen el thriller Contraband, con Mark Wahlberg, Meth Head y Crazy Eyes.
Haas tenía solo nueve años cuando empezó su carrera cinematográfica en Único testigo de Peter Weir, donde su interpretación de un niño del grupo religioso de los amish que presencia un asesinato cautivó tanto a los críticos como a la audiencia. Siguió interpretando papeles en películas como El misterio de la dama blanca, The Wizard of Loneliness, la película de Alan J. Pakula Amores compartidos, La caja de música de Costa-Gavras y la película de Martha Coolidge El precio de la ambición, en la cual el joven actor protagoniza con Laura Dern una escena de seducción muy polémica.
Otras de sus películas posteriores son Convictos, escrita por Horton Foote; Alan and Naomi; El charlatán con Steve Martin; Todos dicen I Love You de Woody Allen; Mars Attacks! de Tim Burton; El desayuno de los campeones de Alan Rudolph, en la que desmotró su talento musical en la banda sonora; Brick de Rian Johnson; Last Days de Gus Van Sant; Alpha Dog de Nick Cassavetes; Material Girls de Martha Coolidge; las películas indies Gardener of Eden y El republicano (The Tripper), dirigidas por Kevin Connolly y David Arquette respectivamente en el debut como director de ambos y Death In Love, la cual compitió en el Festival de Cine de Sundance en 2008.
En televisión, Haas ha participado recientemente en algunas series, como la de éxito 24, Mentes criminales y El séquito. Anteriormente, obtuvo la nominación al Emmy por su actuación en el papel principal de la película Juicio a un menor.
Sus primeros trabajos también incluyen la producción teatral en 1988 en el Lilcoln Center Esperando a Godot, en la cual Haas actuaba con Steve Martin y Robin Williams, bajo la dirección de Mike Nichols.
Además de la interpretación, Haas también ha cosechado éxito en la música, ya que es un pianista y baterista de gran talento y ha actuado con artistas de la talla de Outkast y Macy Gray, llegando a tener su propio EP.

JULIE CHRISTIE (Abuela) es una legendaria actriz ganadora de numerosos premios en una trayectoria de más de medio siglo. Ganadora de un Oscar® y nominada al mismo tres veces más como Mejor Actriz, su papel más reciente es su conmovedora interpretación en la película indie de 2008 Lejos de ella. Además de la nominación al Oscar®, su trabajo en esta película también le valió un Globo de Oro, un Screen Actors Guild Award® y premios a la Mejor Actriz por parte de los principales grupos de críticos, como el New York Film Critics y el London Film Critics, entre otros.
Nacida en la India, Christie se educó en Inglaterra y más tarde estudió interpretación. Hizo su debut cinematográfico en 1963 en Billy, el embustero, dirigida por John Schlessinger. Dos años después, se reunió con Schlessinger para protagonizar Darling, por la cual Christie ganó un Oscar®, además de un BAFTA, ambos a la Mejor Actriz. Continuó protagonizando películas como la épica película de David Lean Doctor Zhivago; Farenheit 451 de Francois Truffaut; Lejos del mundanal ruido, dirigida por Schlessinger y la película de Richard Lester Petula.
La segunda nominación al Oscar® fue por su interpretación en el Western de 1971 de Robert Altman Los vividores, con Warren Beatty. Durante los años 70, protagonizó también con Beatty Shampoo de Hal Ashby y el remake de El cielo puede esperar, que Beatty codigirió con Buck Henry.
Christie recibió su tercera nominación al Oscar® por su papel en la película de Alan Rudolph Afterglow, por la cual también ganó un premio Independent Spirit Award y un premio Evening Standard British Film Award. Además, los grupos de críticos más importantes la nombraron Mejor Actriz.
Su larga lista de películas también incluye la película de Kenneth Branagh Hamlet, DragonHeart (Corazón de dragón) de Rob Cohen, Troya de Wolfgang Petersen, Harry Potter y el prisionero de Azkaban de Alfonso Cuarón, Descubriendo Nunca Jamás de Marc Forster y la antología New York, I Love You.

SOBRE LOS CINEASTAS

CATHERINE HARDWICKE (Directora/Productora Ejecutiva) dirigió la película Crepúsculo, primera de la saga cinematográfica basada en las novelas de éxito de Stephenie Meyer. La película recaudó 69,6 millones de dólares en su primer fin de semana en la cartelera, el mejor estreno de una directora, y continuó recaudando casi 400 millones de dólares en todo el mundo. En pleno rodaje de la película, Hardwicke escribía Crepúsculo: Diario de la directora, publicado por Little Brown, en el que muestra sus fotos personales del rodaje y sus experiencias durante la dirección. El libro ocupó las listas de superventas del New York Times y USA Today.
Hardwicke va a dirigir un buen número de películas como Hamlet, protagonizada por Emile Hirsch, el thriller de ciencia ficción The Maze Runner y Maximum Ride, la adaptación a la gran pantalla de la serie de libros del escritor James Patterson. Otros de su proyectos futuros son The Monkey Wrench Gang, basado en la novela original ecologista de Edward Abbey y Swerve, una comedia basada en el guión original de Hardwicke sobre nuestra relación de amor/odio con el consumismo.
Su debut como directora fue en la aclamada película de 2003 Thirteen, para la cual también co-escribió el guión. La película estaba protagonizada por Holly Hunter, Evan Rachel Wood y Nikki Reed y todas recibieron premios por su interpretación, incluyendo la nominación al Oscar® para Hunter. Hardwicke ganó el Premio de Dirección en el Festival de Cine de Sundance en 2003 y las nominaciones a la Mejor Película Revelación y al Mejor Guión Revelación de los premios Independent Spirit Award. Además, la película ganó premios en los festivales de Deauville, Locarno y Nantucket. Más tarde, Hardwicke dirigió Los amos de Dogtown y la épica Natividad.
Antes de comenzar su carrera como directora, Hardwicke había demostrado su destacable estilo visual cuando trabajó como diseñadora de producción en más de 20 películas. Colaboró con notables directores como Cameron Crowe, en Vanilla Sky; David O. Russell, en Tres reyes; Costa-Gavras, en Mad City; Lisa Cholodenko, en Laurel Canyon y Richard Linklater, en The Newton Boys y Suburbia.
Procedente de la ciudad de MacAllen en el sur de Texas, Hardwicke estudió arte en México y se graduó en Arquitectura en la Universidad de Texas en Austin. Entonces entró en un curso de postgrado de la escuela de cine de UCLA, donde realizó su primer corto animado. La película le valió el premio Nissan Focus y viajó gracias al programa de cine de la Universidad de California “Best of UCLA”.

JENNIFER DAVISSON KILLORAN (Productora) es la presidenta de la productora de Leonardo DiCaprio, Appian Way, donde supervisa un amplio número de películas. Lo más reciente que ha producido es el thriller La huérfana y actualmente prepara la versión real del clásico de anime Akira. Appian Way incluye una amplia y diversa gama de películas como Wolf of Wall Street, basada en la memoria de un conocido broker de Wall Street; la película basada en la clásica serie de televisión La cuarta dimensión y la adaptación de Erik Larson sobre el asesino en serie H. H. Holmes, The Devil in the White City.
En la pequeña pantalla, Killoran trabajó como productora ejecutiva en la serie de documentales de gran éxito Greensburg, en el cual la ciudad de Greensburg, Kansas, se reconstruye y se convierte en “verde” después de haber sido arrasada por un tornado.
Además de trabajar en Appian Way, Jennifer ha trabajado como representante de Rick Yorn durante los últimos 11 años.

LEONARDO DiCAPRIO (Productor) es un galardonado actor y ha sido nominado tres veces a los Oscar®. Ha protagonizado recientemente la película de éxito Origen de Christopher Nolan y el thriller dramático Shutter Island, que supuso su cuarta colaboración con el director Martin Scorsese. Actualmente se encuentra rodando el papel principal en J. Edgar bajo la dirección de Clint Eastwood.
DiCaprio ganó su último Oscar® en 2007 por su interpretación en el drama de Edward Zwick Diamante de Sangre, que también le valió las nominaciones a los Globos de Oro, los premios Critics’ Choice y los premios Screen Actors Guild® (SAG). Ese mismo año, estuvo nominado al Globo de Oro, al premio BAFTA, al premio Critics’ Choice y al SAG® por su papel en la película ganadora del Oscar® a la Mejor Película, Infiltrados, dirigida por Scorsese. También compartió la nominación al Mejor Reparto Cinematográfico de los SAG® por su participación en el reparto de Infiltrados.
Anteriormente, obtuvo la nominación a los Oscar® por su interpretación en la aclamada película biográfica de Scorsese El aviador. La interpretación de Howard Hughes que realizó DiCaprio en dicha película le valió el Globo de Oro al Mejor Actor Dramático, así como las nominaciones a los premios Critics’ Choice y al BAFTA. Además, obtuvo una nominación al Mejor Actor y otra al Mejor Reparto de los premios SAG® por El aviador.

Además de su carrera como actor, DiCaprio creó su propia productora, Appian Way, con la que escribió, produjo y narró el aclamado documental de trasfondo medioambiental 11th Hour. Entre las producciones de Appian Way se encuentran Shutter Island, La huérfana, Enemigos públicos, Gardener of Eden, El aviador y El asesinato de Richard Nixon.
DiCaprio, nacido en Hollywood, California, comenzó su carrera como actor a los 14 años. Su primer papel le llegó en 1993 de la mano de Michael Caton-Jones en la adaptación cinematográfica del drama autobiográfico de Tobias Wolff Vida de este chico. Ese mismo año, coprotagonizó la película de Lasse Hallström, ¿A quién ama Gilbert Grape?, obteniendo sus primeras nominaciones al Oscar® y los Globos de Oro por su interpretación de un joven deficiente psíquico. Además, obtuvo el premio National Board of Review al Mejor Actor Secundario y el premio de las Nuevas Generaciones de la asociación de críticos Los Angeles Film Critics Association por su trabajo en dicha película.
En 1995, DiCaprio protagonizó tres películas muy diferentes, empezando con el western Rápida y mortal de Sam Raimi. También recibió grandes alabanzas por su interpretación del drogadicto Jim Carroll en el impresionante drama Diario de un rebelde, y posteriormente como el perturbado poeta pansexual Arthur Rimbaud en Eclipse total de Agnieszka Holland. Al año siguiente, DiCaprio protagonizó una adaptación contemporánea para la gran pantalla de Romeo y Julieta de William Shakepeare, dirigida por Baz Luhrmann, con la que obtuvo el premio al Mejor Actor en el Festival Internacional de Cine de Berlín. También participó en el estelar reparto de La habitación de Marvin, compartiendo la nominación al Mejor Reparto Cinematográfico de los premios SAG®.
En 1997, DiCaprio protagonizó junto a Kate Winslet la exitosísima Titanic, por la que fue nominado a los Globos de Oro. La película batió todos los récords de taquilla en su trayectoria hasta ganar 11 Oscars®, incluyendo el de Mejor Película. Otros títulos posteriores incluyen su doble papel en El hombre de la máscara de hierro; La playa (The Beach); Celebrity de Woody Allen; Atrápame si puedes de Steven Spielberg, que le valió la nominación a los Globos de Oro; Gangs of New York, que marcó su primera colaboración con Martin Scorsese; Red de mentiras de Ridley Scott y Revolutionary Road de Sam Mendes, que volvió a reunir a DiCaprio y Winslet y por la cual el actor obtuvo su séptima nominación a los Globos de Oro.
DiCaprio también es conocido por su implicación en campañas de respeto al medioambiente en todo el mundo. Tras crear la Leonardo DiCaprio Foundation en 1998 y, posteriormente, LeonardoDiCaprio.org ha colaborado con otras organizaciones para fomentar el respeto al medioambiente. A comienzos de 2008, la DiCaprio Foundation se unió a la California Community Foundation y, en la actualidad se denomina Leonardo DiCaprio Fund en CCF. Además, DiCaprio participa en los consejos del NRDC y Global Green USA.

JULIE YORN (Productora) ha producido recientemente el thriller de acción Imparable de Tony Scott, protagonizado por Denzel Washington, Chris Pine y Rosario Dawson. La película recaudó más de 150 millones de dólares en todo el mundo. Actualmente se encuentra produciendo We Bought a Zoo, escrita y dirigida por Cameron Crowe y protagonizada por Matt Damon, Scarlett Johansson y Elle Fanning; además de la aventura del rey Arturo Excalibur de Bryan Singer, prevista para 2012.
Las películas anteriores de Yorn como productora incluyen la comedia Bride Wars, protagonizada por Anne Hathaway y Kate Hudson; el thriller de cine negro Max Payne, protagonizada por Mark Wahlberg y la película indie The Christmas Cottage, protagonizada por Marcia Gay Harden, Jared Padalecki y Peter O'Toole.
Por otra parte, Yorn ha trabajado como productora ejecutiva de películas como Atraco en la iglesia (First Sunday), protagonizada por Ice Cube; El exorcismo de Emily Rose; Los renegados del diablo de Rob Zombie; el drama basado en asesinatos reales Wonderland; la película de Kasi Lemmons Eve’s Bayou y las películas dirigidas por Steve Buscemi Animal Factory y Trees Lounge (Una última copa).
Para televisión, Yorn trabajó como productora ejecutiva de la miniserie de 2008 Comanche Moon, precuela de Larry McMurtry al clásico Paloma solitaria.

DAVID LESLIE JOHNSON (Guionista) escribió el thriller de terror La huérfana, protagonizada por Vera Farmiga y Peter Sarsgaard bajo la dirección de Jaume Collet-Sera, película para la que realizó su primer guión.
Actualmente trabaja con Dan Mazeau en Wrath of the Titans, la continuación a la película de 2010 Furia de titanes, además de otros proyectos en desarrollo.
Johnson estudió en la Ohio State University en Columbus, Ohio, y se graduó en Bellas Artes en la especialidad de Fotografía y Cine. Empezó su carrera como asistente de producción en la película de Frank Darabont Cadena perpetua, la cual se rodó en la ciudad natal de Johnson, Mansfield, Ohio, en el histórico reformatorio de la ciudad, donde su bisabuelo fue guardia de prisiones. Johnson pasó los siguientes cinco años como asistente de Darabont, aprovechando la oportunidad de perfeccionarse como guionista.

MICHAEL IRELAND (Productor Ejecutivo) trabaja para la productora de Leonardo DiCaprio, Appian Way. Trabajó por primera vez como productor ejecutivo en la película La huérfana.
Antes de dedicarse al cine, Ireland fue director de desarrollo en la MTV y se graduó en la Universidad de California del Sur en la especialidad de guionista en 1999.

JIM ROWE (Productor Ejecutivo) fue ayudante de director en más de 20 películas antes de dar el salto como responsable de la unidad de producción en Un san Valentín de muerte, donde también trabajó como co-productor.
Como responsable de la unidad de producción también trabajó en las películas Juego de espías, The Perfect Score (La puntuación perfecta), Scooby Doo 2, Underworld: Evolution, Pequeño pero matón, Flipado sobre ruedas, y la película de 2007 aclamada por la crítica de Zack Snyder Watchmen.
Ha colaborado de forma reciente con Snyder en su próxima película, la esperada Sucker Punch, en la que Rowe trabaja como productor ejecutivo.

MANDY WALKER (Directora de Fotografía) ha recibido premios en su Australia natal por su trabajo en un buen número de películas, los más recientes son un premio de los críticos del Film Critics Circle de Australia (FCCA) Award y otro Satellite Award por su trabajo en la película épica de Baz Luhrmann Australia, protagonizada por Nicole Kidman y Hugh Jackman. También recibió el premio a la Cinematógrafa del Año en el Festival de cine de Hollywood de 2008 y ganó el prestigioso premio Lucy Award de mujeres del cine. Ya había trabajado antes con Luhrmann y Kidman en la famosa campaña de Chanel Nº 5.
En 2002, los compañeros de Walker reconocieron su trabajo con un Premio de Honor de la Asociación Cinematográfica de Australia (ACS) por su trabajo en Lantana. Ese mismo año, también recibió nominaciones al FCCA Award por su trabajo en esa película y por la película Australian Rules. Anteriormente ganó un premio Australian Film Institute (AFI) a la Mejor Cinematografía por la película de 1996 Parklands, por la que también recibió su primer Premio de Honor ACS. Al año siguiente, obtuvo las nominaciones al premio AFI y al FCCA por El pozo.
En 2004, Walker obtuvo la nominación al Independent Spirit Award por su trabajo en el drama real El precio de la verdad. Otras de sus películas son Walk the Talk y Serenata de amor, la cual ganó la Camera d’Or en el Festival de Cine de Cannes en 1996.
La última película de Walker es Beastly del director y guionista Daniel Barnz.

TOM SANDERS (Diseñador de Producción) ha obtenido dos nominaciones al Oscar® en la categoría de Mejor Dirección Artística. Recibió su primera nominación al Oscar® por su trabajo en la película Drácula de Bram Stoker, dirigida por Francis Ford Coppola, la cual supuso la primera vez que Sanders trabajó como diseñador de producción. Su segunda nominación vino con la aclamada película dramática sobre la Segunda Guerra Mundial de Steven Spielberg Salvar al soldado Ryan. También obtuvo nominaciones al BAFTA Award al Mejor Diseño de Producción por ambas películas, además de la película épica de Mel Gibson Braveheart.
Más recientemente, Sanders fue el diseñador de producción en el drama basado en hechos reales Secretariat, dirigida por Randall Wallace, con quien había trabajado antes en el drama sobre la Guerra de Vietnam Cuando éramos soldados. Otras películas de Sanders incluyen Al límite (Edge of Darkness) de Martin Campbell, la película de Mel Gibson Apocalypto, La conspiración del pánico (Eagle Eye) de D.J. Caruso, Dicen por ahí de Rob Reiner, la película de John Woo Misión Imposible 2, Fathers’Day de Ivan Reitman y las películas de Richard Donner Asesinos y Maverick. Anteriormente había trabajado como director artístico en la película de Steven Spielberg Hook (El capitán Garfio) y las películas de Tony Scott Días de trueno y Revenge.

NANCY RICHARDSON (Editora) trabaja por cuarta vez con la directora Catherine Hardwicke en Caperucita roja (¿A quién tienes miedo?), anteriormente trabajó en la película de éxito Crepúsculo, además de las películas aclamadas por la crítica Thirteen y Los amos de Dogtown.
El trabajo reciente como editora de Richardson incluye el éxito de 2010 Eclipse, la tercera película de la saga Crepúsculo; el drama romántico de Julie Anne Robinson La última canción (The Last Song), protagonizada por Miley Cyrus y el éxito musical de 2006 Step Up. Bailando de la directora Anne Fletcher.
Graduada en la Universidad de California Berkeley, Richardson obtuvo su graduado MFA de la UCLA del departamento de cine. Su primera película como editora fue en 1988 con Lecciones inolvidables del director Ramón Menéndez y después trabajó con Charles Burnett en la comedia Nunca te acuestes enfadado. Más tarde formó equipo con Burnett en la película independiente The Annihilation of Fish y la película para la ABC Selma, Lord, Selma y se volvió a reunir con Menéndez en ¡Qué no hacer con un millón de dólares!. También trabajó como editora con el director Gregory Nava en las siguientes películas: My family, Mi Familia; la película biográfica Selena, que lanzó la carrera de Jennifer Lopez y A tres bandas.
Otras películas de Richardson son Down in the Delta, que marcó el debut de la directora Maya Angelou; Atrapado y las películas para televisión When Billie Beat Bobby and Hendrix, por la que obtuvo una nominación al Emmy.
Richardson ha trabajado en el consejo de administración de la Editors Guild durante ocho años y también ha ejercido como profesora en la UCLA School of Film, Television and Digital Media.

JULIA WONG (Editora) ha editado tanto películas de grandes estudios como películas independientes. Su películas más recientes incluyen Extract del director y guionista Mike Judge; La pantera rosa 2, protagonizada por Steve Martin; Novio por una noche, End Game de Andy Cheng, protagonizada por Cuba Gooding, Jr. y el éxito de Brett Ratner X3 (X-Men 3: La decisión final.
Wong había trabajado anteriormente con Ratner como editora auxiliar en El gran golpe (After the Sunset). En el comienzo de su carrera, trabajó como ayudante del editor en la película de Adrian Lyne Infiel y la de Steven Soderbergh Erin Brockovich.

JEFFREY A. OKUN (Director de Efectos Especiales) ha obtenido recientemente su tercera nominación al premio Visual Effects Society Award en 2009 a los Mejores Efectos Especiales del Año por su trabajo en Ultimátum a la tierra (The Day the Earth Stood Still). Ganó en 2004 el premio a los Mejores Efectos Especiales por El último Samurái, y obtuvo una nueva nominación en 2007 en la misma categoría por Diamante de sangre.
Otras películas de Okun como director de efectos especiales son Elizabethtown, Planeta rojo, Deep Blue Sea, Esfera, Stargate, puerta a la estrellas y Starfighte. La aventura comienza.
También ha trabajado en los efectos de videos musicales para una gran variedad de artistas como Sting, The Beatles, Jimi Hendrix, Janet Jackson, Wayne Newton, Bryan Adams, Amy Grant, Dolly Parton, Prince, Michael Jackson, The Neville Brothers y Rod Stewart.

CINDY EVANS (Diseñadora de vestuario) ya había trabajado con Catherine Harwicke como diseñadora de vestuario en las películas Los amos de Dogtown y Thirteen. Recientemente ha trabajado como diseñadora de vestuario en la galardonada película biográfica para la HBO Temple Grandin, protagonizada por Claire Danes y el drama contemporáneo basado en hechos reales Caza a la espía (Fair Game), dirigida por Doug Liman.
Otras películas de Evans incluyen el éxito para toda la familia de David Frankel Una pareja de tres (Marley & Me), protagonizada por Owen Wilson y Jennifer Aniston; las protagonizadas por Hilary Swank Posdata: te quiero y Diarios de la calle, ambas dirigidas por Richard LaGravanese; las películas de Charlize Theron Lejos de la tierra quemada (The Burning Plain) y En tierra de hombres; Misteriosa obsesión, protagonizada por Julianne Moore; Y entonces llegó ella, con Ben Stiller y Jennifer Aniston; el drama La calle de las tentaciones (Laurel Canyon); Buen rollito y la galardonada película de Christopher Nolan Memento.

BRIAN REITZELL (Compositor) toca numerosos instrumentos, además de ser compositor, productor musical y director. Durante la última década, ha creado su propio y exclusivo método de dar música a las películas, moviéndose entre la banda sonora, las canciones y el diseño de sonidos.
Reitzell compondrá próximamente la banda sonora de la comedia Goats, protagonizada por Minnie Driver, Will Arnett, Keri Russell y David Duchovney. Ha trabajado de forma reciente en la película Beginners y en 30 días de oscuridad como compositor y director de música, además de en Más extraño que la ficción y en la película de Peter Berg Friday Night Lights. Recibió una nominación al premio Anthony Asquith Award y otra nominación al Film Music BAFTA Award por su trabajo como compositor en la película de Sofia Coppola Lost in Translation. Había colaborado anteriormente con Coppola como director de música en Las vírgenes suicidas y Marie Antoinette (María Antonieta).
Reitzell también ejerció como director de música en CQ, Thumbsucker (Haciendo dedo) y The Brothers Bloom.

ALEX HEFFES (Compositor) puso música a las oscarizadas películas de Kevin Macdonald Un día de septiembre y El último rey de Escocia y, más recientemente, a La sombra del poder. Otras películas recientes en las que ha trabajado incluyen El rito de Mikael Håfström; el documental nominado al Oscar® Inside Job y The First Grader de Justin Chadwick. Heffes también ha puesto música a la adaptación cinematográfica de Tim Burton del musical de Stephen Sondheim, Sweeney Todd: el barbero diabólico de la calle Fleet.
Otras de sus películas son Touching the Void, la película de la HBO Tsunami: El día después, por la cual obtuvo la nominación al BAFTA Award; Mi querido Frankie; Trauma; Rosas rojas y El agente de la condicional. También colabora con el director Peter Webber en una serie de producciones multimedia para Qatar.
Tras graduarse en Oxford, Heffes primero trabajó como escritor y en proyectos que cubrían el espectro musical desde bandas de percusión hasta sinfonías en orquestas con artistas como Elthon John y miembros de Blur antes de dedicarse a la música en el cine.
En el ámbito de los conciertos, ha presentado su música en diversos lugares como en el Symphony Hall Birmingham, el London Jazz Festival y el Edinburgh Fringe Festival. Fue compositor residente en el Sangat Music Festival de Bombay, India y, en 2003, fue invitado al Sultanato de Omán para asistir a la presentación de su obertura comisionada por la Oman Royal Symphony Orchestra. Su grupo de música, Alex Heffes Trio, trabajó en las bandas sonoras de Cosas de mujeres y Circus. Actualmente trabaja en un proyecto que incluye colaboraciones con Ryuichi Sakamoto, Regina Spektor, Yasmin Levy, Mathew Barley entre otros.

CAST

Valerie AMANDA SEYFRIED
Solomon GARY OLDMAN
Cesaire BILLY BURKE
Peter SHILOH FERNANDEZ
Henry MAX IRONS
Suzette VIRGINIA MADSEN
Father Auguste LUKAS HAAS
Grandmother JULIE CHRISTIE
Roxanne SHAUNA KAIN
The Reeve MICHAEL HOGAN
Captain ADRIAN HOLMES
Claude COLE HEPPELL
Madame Lazar CHRISTINE WILLES
Adrien Lazar MICHAEL SHANKS
Prudence KACEY ROHL
Rose CARMEN LAVIGNE
Tavern Owner DON THOMPSON
Captain’s Brother MATT WARD
Young Valerie MEGAN CHARPENTIER
Young Peter DJ GREENBURG
Marguerite JENNIFER HALLEY
Lucie ALEXANDRIA MAILLOT
Wolf Voice ARCHIE RICE
Solomon’s Daughters BELLA
OLIVIA STEELE-FALCONER
Man in Wolf Costume ALEXANDER PESUSICH
Woodcutter JORDAN BECKER
Solomon’s Soldiers JAMES MICHALOPOULOS
DARREN SHAHLAVI
DALIAS BLAKE
MICHAEL ADAMTHWAITE
LAURO CHARTRAND
BRAD KELLY
PAUL WU
GAVIN BUHR
SAMUEL SMITH
Dancers CHE PRITCHARD
KAITLYN McCREADY
MICHELLE C. SMITH
SARAH ELGART
Stunt Coordinators ANDY CHENG
SCOTT NICHOLSON

Stunts

KRISTA BELL MIKE GARTHWAITE
CODY THOMSON CLAY VIRTUE
BRENT CONNOLLY CHRISTOPHER GORDON
JONATHAN KRALT CODY LAUDAN
ROB HAYTER CHRIS WEBB
GREG SCHLOSSER PHILLIP MITCHELL
ELI ZAGOUDAKIS QUENTIN SCHNEIDER
SYLVESTA STUART KYE WALSTROM
TREVOR JONES MIKE DESABRAIS
LLOYD CUNNINGHAM KORY GRIM
NESTA CHAPMAN JEFF SANCA
JOVAN NENADIC OWEN WALSTROM
DAVE HOSPES YVES CAMERON
SCOTT ATEAH DUANE DICKINSON
BRUCE CRAWFORD MELISSA R. STUBBS
TONY MORELLI MAJA STACE-SMITH
DON LEW

Soundtrack Album on WaterTower Music

“Towers Of The Void”
Written and produced by Anthony Gonzalez and Brian Reitzell

“Crystal Visions”
Written by Milo Cordell and Robertson Furze

“The Wolf”
Written by Karin Dreijer Andersson, Liliana Zavala, Christoffer Berg,
Van Rivers and Peder Mannerfelt p/k/a The Subliminal Kid
Produced by Karin Dreijer Andersson, Brian Reitzell, Liliana Zavala,
Christoffer Berg, Van Rivers and Peder Mannerfelt p/k/a The Subliminal Kid
Performed by Fever Ray
Fever Ray appears courtesy of Rabid Records

“Fire Walking”
Written and produced by Anthony Gonzalez and Brian Reitzell

"Keep The Streets Empty For Me"
Written by Cecilia Nordlund and Karin Dreijer Andersson
Performed by Fever Ray
Courtesy of Rabid Records under exclusive license to Mute
Under license from EMI Film & Television Music

"Let's Start An Orchestra"
Written and performed by Ken Andrews and Brian Reitzell

"Ozu Choral" and "Piano Study No. 1 (Symphonic)"
Written and performed by Brian Reitzell

“Crystal Visions”
Written by Milo Cordell and Robertson Furze
Performed by The Big Pink
Courtesy of 4AD Records

“Just A Fragment Of You”
Written and produced by Anthony Gonzalez and Brian Reitzell
Performed by Anthony Gonzalez and Brian Reitzell

American Humane Association monitored the animal action. No animals were harmed®.
(AHAD 02260) (logo)

Filmed by PANAVISION ® Camera & Lenses

Prints by TECHNICOLOR ®

KODAK Motion Picture Products

DOLBY Digital (logo) DTS Digital (logo) SDDS (logo)

Approved #46624 (emblem) (IATSE LABEL)
Motion Picture Association of America

This motion picture
© 2011 Warner Bros. Entertainment Inc.
Story & Screenplay
© 2011 Warner Bros. Entertainment Inc.
Original Score
 2011 Warner Olive Music LLC (ASCAP) and Warner Barham Music LLC (BMI)

Warner Bros. Distribution Closing Cloud Shield Logo
SE ESTRENA EL 15 DE ABRIL DE 2011

COME REZA AMA (adaptación)

2011-03-23T20:38:00.002+01:00

COME REZA AMA

ELIZABETH GILBERT

PUNTO DE LECTURA, MADRID, 2010

- La adicción es típica en todas las historias de amor basadas en el encaprichamiento. Todo comienza cuando el objeto de tu adoración te da una dosis embriagadora y alucinógena de algo que jamás te habías atrevido a admitir que necesitabas –un cóctel tóxico-sentimental, quizá, de un amor estrepitoso y un entusiasmo arrebatador-. Al poco tiempo empiezas a necesitar desesperadamente esa atención tan intensa con esa ansia obsesiva típica de un yonqui. Pág. 35

- Rumi, el célebre poeta y filósofo sufí, pidió en una ocasión a sus alumnos que hicieran una lista de las tres cosas que más anhelaban en la vida. Si algunos de los elementos de la lista no armonizaba con uno de los demás, les advirtió Rumi, os espera la infelicidad. Lo mejor es llevar una vida orientada en una única dirección, les explicó. Pág. 48

- Virginia Woolf escribió: “Sobre el amplio continente de la vida de una mujer se proyecta siempre la sombra de una espada”. Una de las caras de esa espada, según ella, es la de las convenciones, las tradiciones y el orden, donde “todo es correcto”. Pero la otra cara de esa espada, si estás tan loca como para elegirla y llevar una vida ajena a las convenciones, es donde “todo es confusión” y “nada sigue un curso normal”. En su opinión, si una mujer rebasa la sombra de esa espada, puede llevar una vida mucho más interesante, pero también será más peligrosa. Pág. 148

- El Bhagavad Gita –la base sánscrita fundamental del yoga- mantiene que más vale vivir tu propio destino imperfectamente que vivir a la perfección el destino de otra persona. Pág. 149

- El yoga siempre toma el camino más largo. Es más, los Upanisad sugieren que el denominado caos puede tener una función divina aunque individualmente no seamos capaces de verla: “Los dioses prefieren lo críptico antes que lo evidente”. Lo mejor que podemos hacer, por tanto, teniendo en cuenta lo incomprensible y peligroso que es el mundo, es practicar el equilibrio interior; independientemente de la locura que nos rodea. Pág. 312

- Creo que tenía más claro lo del sexo y el amor a los 16 que ahora. - Pues claro –me dice Felipe-. Entonces eras joven y estúpida. Sólo los jóvenes y estúpidos tienen claro lo del sexo y el amor. ¿Tú crees que alguno de nosotros sabe lo que hace? ¿Crees que los seres humanos pueden quererse sin complicaciones?... el amor es complicado siempre. Pero las personas tienen que procurar amarse, cariño. A veces te toca que te rompan el corazón. Es una buena señal, que te rompan el corazón. Quiere decir que has hecho un esfuerzo. Pág. 412

- El hecho de sentirse físicamente a gusto con el cuerpo de otra persona no depende de nosotros. Tiene muy poco que ver con lo que piensan, hacen, dicen o parecen las dos personas en cuestión. Hay un imán misterioso que puede estar ahí, enterrado en las profundidades del esternón, o no. Cuando no existe ese imán, no se puede forzar, como un médico no puede obligar al cuerpo de un paciente a aceptar un riñón del donante equivocado. Según mi amiga Annie, todo se reduce a una pregunta muy sencilla: “¿Quieres pasarte el resto de la vida restregándote la tripa con esa persona, o no?”. Pág. 438

- Recuerdo una cosa que leí una vez, una máxima del budismo zen que dice que un roble lo crean dos fuerzas simultáneas. Evidentemente, la primera es la bellota, la semilla que contiene la promesa y el potencial, que al crecer se convierte en el árbol. Eso está clarísimo. Pero son pocos los que reconocen otra fuerza importante, la del árbol futuro, cuya ansia de existir es tan enorme que hace eclosionar y brotar la bellota, llenándola de vigor, guiando la evolución desde la nada hasta la madurez. Hasta tal punto que, en opinión de los filósofos zen, es el propio roble quien crea la bellota de la que nace. Pág. 489

AL ESTE DEL EDÉN (adaptación)

2011-03-03T13:32:00.002+01:00

AL ESTE DEL EDÉN
JOHN STEINBECK
TUSQUETS, BARCELONA, 2008

-Algunas personas piensan que ponerse bien constituye un insulto a la gloria de su enfermedad. Pero la cataplasma del tiempo no respeta las glorias. Todo aquel que espera, termina por ponerse bien. Pág. 306

-Los Hamilton eran gente rara, como cuerdas muy tensas, y algunas de ellas daban una nota tan alta que a veces saltaban. Eso ocurre muy a menudo en el mundo. Pág. 317

- … puede que dos caracteres tan diferentes sean los mejores para formar un buen matrimonio, cuya armonía nace de las fuerzas contrapuestas y desiguales. Pág. 335

-He pensado a menudo que las buenas maneras son acaso un paliativo para los profundos dolores. Pág. 407

-Mi padre decía que era una mujer fuerte, y creo que una mujer fuerte puede serlo más que un hombre, particularmente si está dominada por el amor. Creo que una mujer enamorada es casi indestructible. Pág. 408

-Hay más belleza en la verdad aunque sea una verdad terrible. Los narradores de historias de las ciudades falsean de tal manera la vida, que la hacen parecer dulce a los ojos de los perezosos, de los estúpidos y de los débiles, y eso sólo contribuye a reforzar sus flaquezas, sin enseñarles nada, ni hacerles el menor bien, ni engrandecer su corazón. Pág. 410

EDGAR ALLAN POE

2011-02-21T19:06:00.003+01:00

CUENTOS
EDGAR ALLAN POE
DEBOLSILLO, BARCELONA, 2006

* No he conocido nunca a nadie tan agudamente animado a la chanza como aquel rey. Parecía vivir sólo para las bromas. Contar una buena historia del género chusco, y contarla bien, era el medio más seguro de contar su favor. Por eso ocurría que sus siete ministros se distinguían por sus cualidades como bromistas. Seguían todos el ejemplo del rey, que era un hombre grande, corpulento, grueso, tal como son los guasones inimitables. Que la gente engorde por las bromas o que haya en la grasa algo que predisponga a la chanza, no he sido nunca capaz de decidirlo; pero es indudable que un bromista flaco es rara avis en terris. Pág. 92

* Hay ciertos temas cuyo interés es de lo más absorbente, pero que son demasiado horribles en su integridad para la legítima finalidad de la obra de ficción. Deben evitar estos temas los simples novelistas si no quieren desagradar o causar repulsión. Sólo pueden ser manejados adecuadamente cuando la severidad y la majestad de la verdad los santifica y sustenta. Nos estremecemos, por ejemplo, sintiendo la más intensa de las “voluptuosidades dolorosas”, con los relatos del paso de la Beresina, del terremoto de Lisboa, de la peste de Londres, de la matanza de la noche de San Bartolomé, o con la muerte por asfixia de los ciento veintitrés prisioneros en la Carverna Negra de Calcuta. Pero en esos relatos es el hecho –la realidad-, la historia, lo que nos excita. Como invenciones, los consideraríamos como una simple aversión.
He citado algunas de las más salientes y augustas calamidades registradas; pero en esos ejemplos es la extensión no menos que el carácter de la catástrofe lo que impresiona tan vivamente la imaginación. No necesito recordar al lector que en la larga y horripilante lista de las miserias humanas tendría yo que seleccionar muchos casos individuales más henchidos de sufrimientos esenciales que la mayor parte de esos desastres colectivos. La verdadera desgracia –el colmo de la calamidad- es personal y no general. ¡Que las angustias postreras de la agonía sean soportadas por el hombre solo, y nunca por el hombre en masa, es algo por lo que deben darse gracias a la misericordia de Dios! Pág. 244

*Y ahora, mientras escribo, ese recuerdo centellea sobre mí, que no he sabido nunca el apellido paterno de la que fue mi amiga y mi prometida, que llegó a ser mi compañera de estudios y al fin, la esposa de mi corazón. ¿Fue aquello una orden mimosa por parte de mi Ligeia? ¿O fue una prueba de la fuerza de mi afecto lo que me llevó a no hacer investigaciones sobre ese punto? ¿O fue más bien un capricho mío, una vehemente y romántica ofrenda sobre el altar de la más apasionada devoción? Si sólo recuerdo el hecho de un modo confuso, ¿cómo asombrarse de que haya olvidado tan por completo las circunstancias que le originaron o le acompañaron? Y en realidad, si alguna vez el espíritu que llaman novelesco, si alguna vez la brumosa y alada Ashtopher del idólatra Egipto, preside, según dicen los matrimonios fatídicamente adversos, con toda seguridad presidió el mío. Pág. 262

* Al volver a mi casa vi que eran las cuatro dadas, y me metí al momento en la cama. Son ahora las diez de la mañana. Estoy levantado desde las siete, escribiendo estas notas en beneficio de mi familia y de la Humanidad. A la primera no la veré más. Mi mujer es una arpía. La verdad es que estoy francamente harto de esta vida y del siglo XIX en general. Estoy convencido de que todo marcha de la peor manera. Además, siento una gran impaciencia por saber quién será presidente en el año 2045. Por eso, en cuanto me haya afeitado, y sorbido una taza de café, voy a subir a casa de Ponnoner y a hacerme embalsamar por un par de siglos. Pág. 310

* El arte humano no ha llegado nunca a más en la pintura de su belleza sobrehumana. La misma figura etérea que había surgido ante mí la noche anterior en las escaleras del Palacio Ducal, se alzaba ante mí de nuevo. Pero en la expresión de su rostro, que refulgía todo en una sonrisa, se ocultaba (¡anomalía incomprensible!) ese vago tinte de melancolía que es siempre inseparable de la belleza perfecta. Pág. 334

* Era un poeta en el sentido más amplio y noble. Comprendía, por añadidura, el verdadero carácter, el propósito augusto, la majestad y la dignidad supremas del sentimiento poético. Su instinto le decía que la más completa, si no la única satisfacción adecuada a este sentimiento, estribaba en la creación de nuevas formas de belleza. Pág. 377

* Las paradas del barranco (entre las cuales corría el agua siempre clara y tranquila) se elevaban a una altura de ciento y a veces ciento cincuenta pies, y se inclinaban tanto una hacia otra, que no dejaban pasar la luz del día, mientras los musgos, largos y espesos como plumas, que colgaban de los arbustos entretejidos arriba, daban a todo el abismo un aire de fúnebre tristeza. Pág. 387

* No sé como sucede esto; pero esa peculiar expresión de ojos que a veces se apodera de los labios es el hechizo más poderoso, si no él único, que capta mi atención hacia una mujer. “Novelesca”, con tal que mis lectores comprendan a fondo lo que quisiera encerrar en esta palabra; “novelesca” y “femenina” me parecen términos recíprocos, y, después de todo, lo que el hombre ama verdaderamente en la mujer es su “femineidad”. Pág. 404

* Al correr los días más brillantes de su incomparable belleza, con toda seguridad, no la había amado yo nunca. En la extraña anomalía de mi existencia, mis sentimientos no me han venido jamás del corazón, y mis pasiones han venido siempre de mi espíritu. Pág. 429

* Se ha dicho muy bien de cierto libro alemán que “er lasst sich nich lesen” (que no se deja leer). Hay secretos que no admiten ser descubiertos. Pág. 444

* Por lo que respecta a las bellas artes, y en especial a la literatura, las consideraba con profundo desprecio. En esto estaba inspirado por Casimir Perder, de quien tenía la costumbre de citar la descarada pregunta “¿Para qué sirve un poeta”? con una chusca pronunciación, como si fuese el nec plus ultra de la agudeza lógica. Por eso mi personal afición a las musas provocaba su mayor desagrado. Me afirmó, un día en que le pedí una nueva edición de Horacio, que la traducción del Poeta nascitur non fit era “un indecente poeta nace para no hacer nada”, observación que me produjo un gran enojo. Pág. 470

* La erudición de Morella era profunda. Como espero mostrar, sus talentos no eran de orden vulgar, y su potencia mental era gigantesca. Lo percibí, y en muchas materias fui su discípulo. Pág. 483

* Del bolsillo de mi chaleco saqué un cortaplumas, lo abrí, cogí al pobre animal por la garganta y, deliberadamente, le vacié un ojo… Me cubre el rubor, me abrasa, me estremezco al escribir esta abominable atrocidad. Pág. 589

* Soy, o, mejor dicho, era un gran hombre. Pero no soy el autor de Junios ni tampoco el hombre de la Máscara de Hierro, ya que mi nombre es, según supongo, Robert Jones, y nací en algún lugar de la ciudad de Fum-Fudge. El primer acto de mi vida fue cogerme la nariz con las dos manos. Al ver esto, mi madre me llamó genio, mi padre lloró de alegría y me regaló un tratado de Nasología. Lo dominé a fondo antes de llevar pantalones. Pág. 660

* Hace un momento pasé ante el segundo de a bordo; poco antes, me aventuré hasta el camarote del capitán, en donde conseguí medios para escribir lo que antecede y seguirá a esto. Tengo la intención de continuar este diario de cuando en cuando. Es cierto que no encontraré ocasión alguna de transmitirlo al mundo, pero, al menos, lo intentaré. En último caso, guardaré el manuscrito en una botella y la echaré al mar. Pág. 674

* La musique est le seul des talents qui jouissent de lui même; tous les autres veulent des temoins, dice Marmontel en sus Contes moraux… (la música es la única de las artes que consigo misma disfruta a solas; las demás requieren testigos). Pág. 679

* Vosotros que me leéis, estáis todavía entre los vivos. Yo, que escribo ahora, estaré, desde hace mucho tiempo, en viaje por la región de las sombras. Pág. 727

ASESINATO EN EL ORIENT EXPRESS (adaptación)

2011-02-03T20:14:00.000+01:00

ASESINATO EN EL ORIENT EXPRESS
AGATHA CHRISTIE
EDITORIAL MOLINO, BARCELONA, 1989

- Era, opino, una de esas jóvenes que saben cuidarse de sí mismas dondequiera que estén. Había prestancia en sus facciones y delicada palidez en su piel. Le agradaron también sus ondulados cabellos de un negro brillante, y sus ojos serenos, impersonales y grises. Pero era, decidió, un poco demasiado presuntuosa para ser un jolie femme… Pág. 11

- En una pequeña mesa estaba sentada, muy seria y muy erguida, una vieja dama de una fealdad jamás vista. Pero era la suya una fealdad de distinción, que fascinaba más bien que repelía. Rodeaba su cuello un collar de grandes perlas legítimas, aunque no lo pareciesen. Sus manos estaban cubiertas de sortijas. Llevaba el abrigo echado hacia atrás sobre los hombros. Una pequeña toca negra, horrorosamente colocada, aumentaba la fealdad de su rostro. Pág. 25

- Tiene usted, señor conde, las características de un peligroso delincuente –dijo Poirot con sequedad-. Una gran ingenuidad natural y una decisión sin escrúpulos para despistar a la justicia. Pág. 198

ANTON CHÉJOV

2011-01-03T13:39:00.002+01:00

ANTON CHÉJOV
CUENTOS IMPRESCINDIBLES
LUMEN, BARCELONA, 2006

¿De dónde procedía tal sonrisa, si tenía el alma llena de despecho y de angustia?
Y pensó que, probablemente, la propia naturaleza ha dado al hombre esta facultad de mentir, de modo que incluso en los momentos más penosos de tensión moral pueda conservar los secretos en su nido, como los conserva la zorra o el pato salvaje. Cada familia tiene sus alegrías y sus graves conflictos, mas por grandes que sean resulta difícil que la mirada ajena los descubra, son un secreto.
Pág. 60

No se percibía en el dormitorio el horror repulsivo en que suele pensarse cuando se habla de la muerte. En la rigidez general, en la pose de la madre, en la indiferencia del rostro del doctor, había algo de atrayente, de enternecedor, y era precisamente la fina hermosura, casi imperceptible, del dolor humano, hermosura que aún se tardará en comprender y descubrir y que, al parecer, solo la música sabe expresar.
Pág. 78

En general una frase, por hermosa y profunda que sea, solo causa efecto en los indiferentes, pero no siempre puede satisfacer a quien es feliz o a quien es desdichado. Por esto casi siempre la máxima expresión de la felicidad o de la desgracia es el silencio.
Pág. 80

No en vano la secular sabiduría popular enseña que para la miseria y la prisión siempre hay tiempo y ocasión.
Pág. 191

Dime lo que lees y te diré quién eres. Pág. 249

Hazte miel y te comerán las moscas. Pág. 293

¿Ha leído a Balzac?... Su novela “El padre Goriot” termina con una escena en que el protagonista de la obra contempla París desde la cima de una colina y amenaza a la ciudad diciendo: “Ahora ajustaremos cuentas”, después de lo cual inicia una vida nueva. Lo mismo haré yo. Desde el vagón miraré por última vez Petersburgo y le diré: Ahora ajustaremos cuentas.
Pág. 311

Pertenece usted a esa categoría especial de personas a las que no se les puede aplicar el rasero corriente; sus normas morales son de una rigidez extraordinaria, y por eso no puede perdonar.
Pág. 314

Nosotros, que no somos gente llana, sentimos verdadera pasión por todos estos problemas que quedan sin resolver. Por lo común, del amor se escriben poemas, se lo adorna de rosas y ruiseñores, pero nosotros los rusos adornamos nuestro amor con estas fatídicas cuestiones y, además, elegimos entre ellas las menos interesantes. En Moscú, cuando aún era estudiante, tenía yo una amiga, una dama deliciosa que siempre que la estrechaba entre mis brazos pensaba en cuanto le iba a pasar yo aquel mes o cuánto valía entonces una libra de ternera. Del mismo modo, nosotros, cuando amamos, no paramos de hacernos preguntas: es honesto o no, es inteligente o estúpido lo que estamos haciendo, adónde nos llevará este amor, y así sucesivamente. Si esto es bueno o malo, no lo sé, pero sí sé que tal actitud es molesta, insatisfactoria e irritante.
Pág. 380

-Ha dejado mujer y un niño –decía Stárchenko-. A los neurasténicos y en general a las personas que no tienen en orden su sistema nervioso, yo les prohibiría casarse, les retiraría este derecho y la posibilidad de procrear gente como ellos. Traer al mundo niños enfermos de los nervios es un crimen…
Pág. 435

TRES METROS SOBRE EL CIELO (adaptación)

2010-12-01T12:04:00.001+01:00

TRES METROS SOBRE EL CIELO
Federico Moccia
Debolsillo, Barcelona, 2009

"De este modo, entran en clase. Una, rubia y esbelta, la otra, morena y más menuda. Guapa y estudiosa la primera, graciosa e ignorante la segunda, pero con algo muy grande en común: su amistad. Durante la lección, Babi mira distraída la pizarra, sin ver los números escritos sobre ella, sin oír las palabras de la profesora. Piensa en él, en lo que estará haciendo en ese momento. Se pregunta si estará pensando en ella. Trata de imaginárselo, sonríe enternecida, a continuación preocupada, al final anhelante. Tiene muchos modos de ser. A veces resulta tierno y dulce, pero también puede convertirse inesperadamente en alguien salvaje y violento. Suspira y mira la pizarra. Es mucho más fácil resolver aquella ecuación" Pág. 274

DEDICADA ESPECIALMENTE A MARCO MARENCHINO QUE ME REGALÓ LA NOVELA :)

SE ESTRENA EL 3 DE DICIEMBRE DE 2010

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HARRY POTTER Y LAS RELIQUIAS DE LA MUERTE (pressbook)

2010-11-17T12:51:00.000+01:00

Harry Potter y las reliquias de la muerte, la séptima y última entrega de la saga de aventuras de Harry Potter, es la esperadísima película que se estrenará en dos partes.
La primera parte comienza cuando Harry, Ron y Hermione parten en su peligrosa misión de localizar y destruir el secreto de la inmortalidad y la destrucción de Voldemort, los Horrocruxes. A solas, sin la ayuda de sus profesores ni la protección del Profesor Dumbledore, los tres amigos deben confiar en ellos mismos más que nunca... Pero existen fuerzas oscuras que amenazan con separarlos.
Mientras tanto, el mundo de la magia se ha tornado en un lugar peligroso para todos los enemigos del Señor Oscuro. La temida guerra ha dado comienzo y los Mortífagos de Voldemort controlan el Ministerio de Magia e incluso Hogwarts, aterrorizando y arrestando a todo aquel que se les oponga. Pero el premio que siguen buscando es también el más valioso para Voldemort: Harry Potter. El Elegido se ha convertido en el Perseguido, mientras los Mortífagos buscan a Harry con órdenes de llevarlo ante Voldemort...vivo.
La única esperanza de Harry es encontrar los Horrocruxes antes de que Voldemort le encuentre a él. Pero en su búsqueda de pistas, descubre una antigua historia casi olvidada: la leyenda de las Reliquias de la Muerte. Si la leyenda es cierta, podría darle a Voldemort el máximo poder que tanto ha buscado.
Harry ni siquiera lo sospecha, pero su futuro se decidió tiempo atrás en su pasado, en aquel fatídico día en que se convirtió en “el niño que sobrevivió”. Ahora, lejos de su infancia, Harry Potter se acerca cada vez más a la tarea para la que se ha estado preparando desde su primer día en Hogwarts: la batalla decisiva contra Voldemort.
Harry Potter y las reliquias de la muerte está dirigida por David Yates, que también estuvo al frente de Harry Potter y la Orden del Fénix y Harry Potter y el misterio del príncipe. David Heyman, productor de todas las películas de la saga Harry Potter, produce también esta entrega junto con David Barron y J.K. Rowling. El guionista Steve Kloves adaptó el guión basado en el libro de Rowling. Lionel Wigram es el productor ejecutivo.
Encabezando el elenco, Daniel Radcliffe, Rupert Grint y Emma Watson vuelven a interpretar a Harry Potter, Ron Weasley y Hermione Granger.
El reparto de la película también incluye a Helena Bonham Carter, Robbie Coltrane, Tom Felton, Ralph Fiennes, Michael Gambon, Brendan Gleeson, Richard Griffiths, John Hurt, Jason Isaacs, Bill Nighy, Alan Rickman, Fiona Shaw, Timothy Spall, Imelda Staunton, David Thewlis, Julie Walters y Bonnie Wright.
A la cabeza del equipo creativo se encuentran el director de fotografía Eduardo Serra, el diseñador de producción Stuart Craig, el editor Mark Day, el compositor Alexandre Desplat, la diseñadora de vestuario Jany Temime, y el supervisor de efectos especiales Tim Burke.
Warner Bros. Pictures presenta una producción de Heyday Films, Harry Potter y las reliquias de la muerte, la última producción de la saga cinematográfica más exitosa de todos los tiempos. Harry Potter y las reliquias de la muerte: parte 1 se estrenará a nivel mundial el 19 de noviembre de 2010, y la parte 2 se estrenará el 15 de julio de 2011.

DANIEL RADCLIFFE ha protagonizado todas las entregas de la serie cinematográfica basada en la exitosa serie de libros de Harry Potter, escrita por J.K. Rowling, desde Harry Potter y la piedra filosofal estrenada en 2001. Retomó su papel en Harry Potter y la cámara secreta, Harry Potter y el prisionero de Azkaban, Harry Potter y el cáliz de fuego, Harry Potter y la Orden del Fénix, y Harry Potter y el misterio del Príncipe. Interpretará a Harry Potter por última vez en la esperadísima entrega final de la saga cinematográfica Harry Potter y las reliquias de la muerte: parte 2, que se estrenará en julio de 2011.
En 2008, Radcliffe debutó en Broadway interpretando a Alan Strang en la obra de Peter Shaffer, Equus, que le valió el premio Annual Theatre Fan Choice en la categoría de Mejor Actor, organizado por BroadWay World, así como el premio anual Broadway.Com Audience en las categorías de Mejor Actor y Obra. También obtuvo la nominación a los premios Drama League y Drama Desk gracias a dicho papel dramático. El año anterior, Radcliffe obtuvo un gran reconocimiento al interpretar por primera vez el papel protagonista de Alan Strang en el reestreno de Equus en Londres, que marcó su debut en el West End. Thea Sharrock dirigió las producciones de Londres y Broadway de Equus, coprotagonizada por Richard Griffiths, galardonado con el premio Tony.
En primavera de 2011, Radcliffe regresará a Broadway para protagonizar el reestreno de How to Succeed in Business Without Really Trying, su primer musical de Broadway. La dirección y la coreografía del espectáculo correrán por cuenta del galardonado con el Tony, Rob Ashford.
Próximamente podremos verle en la gran pantalla protagonizando la película de terror The Woman in Black, que se está rodando actualmente en Reino Unido bajo la dirección de James Watkins. Otros de sus títulos cinematográficos incluyen la película independiente australiana December Boys, así como un papel en la película para la pequeña pantalla basada en hechos reales Mi hijo Jack, que narra la historia Jack, el hijo de 17 años de Rudyard Kipling, y el devastador efecto que tuvo su prematura muerte durante la Primera Guerra Mundial en su familia. La película está coprotagonizada por Kim Cattrall, Carey Mulligan y David Haig.
Así mismo, Radcliffe apareció en la galardonada serie de la BBC/HBO Extras, protagonizada por Ricky Gervais, y en la cual se interpretó a sí mismo. Apareció por primera vez en la pantalla interpretando al joven David Copperfield en la presentación de la novela clásica de Charles Dickens producida por la BBC/PBS.

RUPERT GRINT ha interpretado a Ron Weasley, el compañero y fiel amigo de Harry Potter en la famosa saga. También participa en la última entrega, Harry Potter y las reliquias de la muerte: parte 2, que se estrenará el 15 de julio de 2011.
Este otoño, Grint protagonizará la comedia de acción independiente Wild Target, dirigida por Jonathan Lynn y coprotagonizada por Bill Nighy y Emily Blunt. En esta película, basada en la película francesa Blanco disparatado de 1993, Grint interpreta al joven aprendiz de un hombre que él cree que es un detective privado, pero en realidad es un asesino a sueldo.
Grint debutó en el mundo de la interpretación al obtener el papel de Ron Weasley en la película Harry Potter y la piedra filosofal, estrenada en 2001. Su interpretación en dicha película le valió la nominación al premio del British Film Critics’ Circle en la categoría de Mejor Interpretación Novel, así como el premio Young Artist en la categoría de Interpretación Novel más Prometedora. Desde entonces, ha coprotagonizado Harry Potter y la cámara secreta, Harry Potter y el prisionero de Azkaban, Harry Potter y el cáliz de fuego, Harry Potter y la Orden del Fénix, y Harry Potter y el misterio del Príncipe.
En 2006, la revista Empire, una de las principales publicaciones cinematográficas de Gran Bretaña, otorgó a Grint, Daniel Radcliffe y Emma Watson el prestigioso premio Outstanding Contribution en reconocimiento a sus respectivos papeles en la saga de Harry Potter.
Otros títulos de Grint incluyen Thunderpants, de Peter Hewitt junto a Simon Callow, Stephen Fry y Paul Giamatti; Driving Lessons, de Jeremy Brock con Julie Walters y Laura Linney; y la película indie, Cherrybomb, que se estrenó con gran éxito en diversos festivales cinematográficos de Reino Unido y Europa.

EMMA WATSON ha interpretado a Hermione Granger, fiel amiga de Harry Potter y Ron Weasley, en todas las entregas de la saga de Harry Potter. También participa en la última entrega de la saga: Harry Potter y las reliquias de la muerte: parte 2.
Tuvimos la oportunidad de escuchar a Watson en la voz de la Princesa de la aventura de dibujos animados El valiente Despereaux estrenada en 2008. También protagonizó junto a Victoria Wood, Richard Griffiths y Emilia Fox el drama televisivo de la BBC, Ballet Shoes, en el papel de Pauline Fossil.
Watson debutó en el mundo de la interpretación en la primera película de la saga, Harry Potter y la piedra filosofal, trabajo gracias al cual obtuvo el premio Young Artist a la Mejor Interpretación Femenina. Así mismo, Watson ha obtenido dos nominaciones a los premios Critics’ Choice de la Broadcast Film Critics Association por su trabajo en Harry Potter y el prisionero de Azkaban y Harry Potter y el cáliz de fuego.
Además, obtuvo dos premios AOL a la Mejor Actriz de Reparto, por su interpretación en Harry Potter y la cámara secreta y en Harry Potter y el prisionero de Azkaban. Los lectores de la revista Total Film la votaron como la Mejor Actriz Novel por su trabajo en esta última. En 2006, la revista Empire, una de las principales publicaciones cinematográficas de Gran Bretaña, otorgó Watson, así como a sus compañeros de reparto Daniel Radcliffe y Rupert Grint el prestigioso premio Outstanding Contribution en reconocimiento a sus respectivos papeles en la saga de Harry Potter.
Aparte de actuar, otra de las pasiones de Watson es la moda. Trabajó en estrecha colaboración con Fair Traid y con el fabricante de moda orgánica People Tree para crear una nueva línea de moda juvenil, y protagonizó las campañas otoño-invierno 2009 y verano-primavera 2010 de Burberry.
Actualmente, Watson estudia Humanidades en la Brown University de Estados Unidos.

DAVID YATES (Director) anteriormente dirigió Harry Potter y la Orden del Fénix, que le valió el premio Empire en la categoría de Mejor Director, y Harry Potter y el misterio del Príncipe. Dirige ambas partes de Harry Potter y las reliquias de la muerte.
Yates, galardonado director televisivo, ganó su primer premio BAFTA TV gracias a su trabajo en la miniserie de la BBC, The Way We Live Now, un drama de época protagonizado por Matthew Macfadyen y Miranda Otto. En 2003, dirigió la serie dramática State of Play, que le valió la nominación al premio BAFTA TV y el premio Directors Guild of Great Britain (DGGB) en la categoría de Mejor Director. Dicho proyecto también obtuvo los premios Broadcasting Press Guild, Royal Television Society (RTS), así como el premio Rockie del Festival Banff de Televisión en la categoría de Mejor Serie.
El año siguiente, Yates dirigió osado drama dividido en dos partes Sex Traffic, gracias al cual ganó otro premio BAFTA TV y su segunda nominación al premio DGGB. La audaz perspectiva de la trata de blancas que ofrece la película también cosechó diversos premios internacionales, incluyendo ocho BAFTA TV y cuatro premios RTS, incluyendo el de Mejor Drama, así como el Premio del Jurado a la Mejor Miniserie en el Festival Televisivo de Reims y la Ninfa de Oro en el Festival Televisivo de Monte Carlo.
Yates obtuvo la nominación a los Emmy en la categoría de Mejor Director de Miniserie, Película o Especial Dramático gracias a su trabajo en la película de la HBO La chica del café de 2005, una historia de amor protagonizada por Bill Nighy y Kelly Macdonald. Otros de sus trabajos para la televisión incluyen la película The Young Visiters, protagonizada por Jim Broadbent y Hugh Laurie, y la miniserie The Sins, protagonizada por Pete Postlethwaite y Geraldine James.
Yates creció en St. Helens, Merseyside, y estudió Ciencias Políticas en la Universidad de Essex y en la Universidad de Georgetown, en Washington DC. Comenzó su carrera como director y guionista del cortometraje When I Was a Girl, gracias al cual ganó el premio al Mejor Cortometraje Europeo en el Festival Cinematográfico de Cork, en Irlanda, y el premio Golden Gate del Festival Cinematográfico de San Francisco. Además, dicho cortometraje le permitió entrar en la Escuela Británica de Cine y Televisión de Beaconsfield.
Su película de graduación Good Looks, le valió un premio Silver Hugo en el Festival Cinematográfico de Chicago. En 1998, Yates debutó en el mundo de la dirección cinematográfica con The Tichborne Claimant, protagonizada por Stephen Fry y John Gielgud. En 2002, recibió la nominación al BAFTA por su cortometraje más reciente, Rank.

SE ESTRENA EL 19 DE NOVIEMBRE

ORGULLO Y PREJUICIO (adaptación)

2010-11-14T11:02:00.004+01:00

ORGULLO Y PREJUICIO
JANE AUSTEN
EDICIONES ORBIS, BARCELONA, 1990

- El orgullo es un defecto muy corriente, según creo. De todas mis lecturas he sacado la conclusión de que, en efecto, es muy común, muy propio de la naturaleza humana. Pocos somos los que no abrigamos un sentimiento de íntima complacencia atribuyéndonos, con razón o sin ella, alguna clase de superioridad. Una cosa es la vanidad y otra el orgullo, aunque a veces se emplean esas palabras como sinónimas. Se puede ser orgulloso sin ser vanidoso. El orgullo arranca de la opinión que tenemos de nosotros mismos; la vanidad mira hacia la opinión que quisiéramos que tuviesen de nosotros los demás. Pág. 25

- Es una suerte para mí –pensaba- tener algo que desear. Si aquel plan fuera completo, seguramente que yo me llamaría a engaño. En ese caso, como la ausencia de mi hermana será para mí un manantial de constante sentimiento, tengo motivos para esperar que se realicen todas mis esperanzas de felicidad. Cuando un proyecto promete darnos satisfacción completa nunca suele tener éxito; solamente podemos alejar de nosotros el desengaño total soportando ciertas pequeñas molestias. Págs. 231, 232.

- Si la gratitud y el aprecio constituyen un buen cimiento del amor no se considerará improbable ni se encontrará digno de censura este cambio de sentimientos en Isabel. Si no lo son, si se juzga ilógico y monstruoso el afecto que surge de aquellas fuentes, contraponiéndolo al que brota con sólo verse una vez dos personas, sin cambiar siquiera entre ellas una palabra, nada se puede decir en justificación suya, como no sea que había ensayado ya este último sistema cuando se enamoró de Wickham, con resultados tan desastrosos que tal vez la autorizaran a ensayar el otro sistema de enamoramiento, aunque fuese menos interesante. Págs. 268, 269.

SALIDOS DE CUENTAS (pressbook)

2010-11-01T14:11:00.001+01:00

Dirigida por Todd Phillips, Salidos de cuentas comienza en el momento en que Robert Downey Jr. y Zach Galifianakis inician un viaje impensable y extravagante que cambiará sus vidas. Downey encarna a Peter Highman, un padre primerizo cuya mujer está a punto de dar a luz y que sale de cuentas en cinco días. Peter se apresura a coger un vuelo desde Atlanta para poder estar junto a ella el día del parto, pero sus intenciones se ven truncadas por un encuentro fortuito con el aspirante a actor Ethan Tremblay (Galifianakis) que le obliga a hacer autostop junto a él, lo que se convertirá en un viaje que cruzará todo el país y terminará destrozando varios coches, algunas amistades e incluso los nervios de Peter.
Todd Phillips se ha basado en el guión de Alan R. Cohen y Alan Freedland, y de Adam Sztykiel y Todd Phillips, basado a su vez en una historia de Cohen y Freedland. En el reparto de Salidos de cuentas están, entre otros, Michelle Monaghan (La boda de mi novia), la nominada a los Oscar® Julliette Lewis (El cabo del miedo, Whip It) y el ganador de un premio de la Academia Jamie Foxx (Ray). Phillips y Dan Goldberg, que ya trabajaron juntos en Resacón en Las Vegas, se han encargado de la producción del largometraje. Scott Budnick, Thomas Tull y Susan Downey han sido los productores ejecutivos.
El equipo creativo que trabaja detrás de las cámaras ha sido el mismo que el de Resacón en Las Vegas, incluyendo el director de fotografía Lawrence Sher, el diseñador de producción Bill Brzeski, la editora Debra Neil-Fisher y la diseñadora de vestuario Louise Mingenbach.
Warner Bros. Pictures en colaboración con Legendary Pictures presenta una producción de Green Hat Films de la película de Todd Phillips, Salidos de cuentas. Warner Bros. Pictures, una compañía de Warner Bros. Entertainment Company, será la encargada de la distribución del largometraje a escala mundial.

SOBRE EL REPARTO
ROBERT DOWNEY JR. (Peter), ha sido nominado dos veces a los Oscar®. La más reciente fue como mejor actor secundario por su trabajo en la comedia de Ben Stiller Tropic Thunder: Una guerra muy perra. Su interpretación de Kirk Lazarus, un actor blanco australiano que encarna a un personaje negro americano, le valió nominaciones a los Globos de Oro, al premio BAFTA y al premio Screen Actors Guild (SAG). Downey consiguió su primera nominación al Oscar® en la categoría de mejor actor por su papel de Charlie Chaplin en el aclamado biopic de Richard Attenborough en 1992 Chaplin. Esta interpretación también le valió un premio BAFTA y el premio London Film Critics, así como una nominación a los Globos de Oro.
A principios de este año, Downey también fue nominado a los Globos de Oro por su papel protagonista en 2009 en la taquillera Sherlock Holmes, dirigida por Guy Ritchie. De hecho, Downey volverá a encarnar al mítico detective en una nueva aventura de Sherlock Holmes, cuyo estreno esté previsto para diciembre de 2011.
En el verano de 2008, Downey recibió los elogios de la crítica y de los espectadores por su papel protagonista en la exitosa superproducción Iron Man, donde trabajó bajo las órdenes de Jon Favreau. Iron Man, el largometraje que llevó a la gran pantalla a los superhéroes de Marvel, recaudó más de 585 millones de dólares en las taquillas de todo el mundo, convirtiéndose así en uno de los más taquilleros del año, y Downey repitió papel en la exitosa secuela, que se estrenó la primavera pasada; regresa al papel en el próximo thriller de acción The Avengers, dirigida por Josh Whedon, en la que se dan cita Iron Man y otros superhéroes de Marvel.
Otros títulos recientes de Downey son El solista, junto a Jamie Foxx; Charlie Bartlett; Zodiac, dirigida por David Fincher, donde trabaja junto a Jake Gyllenhaal y Mark Ruffalo; A Scanner Darkly (Una mirada en la oscuridad), donde trabaja bajo las órdenes de Richard Linklater y junto a Keanu Reeves, Winona Ryder y Woody Harrelson; Retrato de una obsesión, una película inspirada en la vida de la venerada fotógrafa Diane Arbus en la que comparte reparto con Nicole Kidman, y Kiss Kiss, Bang Bang. Downey también compartió nominación a los premios SAG por su aparición en el reparto del drama basado en hechos reales dirigido por George Clooney Buenas noches y buena suerte, y el Premio Especial del Jurado al reparto de Memorias de Queens, presentada en 2006 en el Festival de Cine de Sundance.
La larga trayectoria cinematográfica de Downey incluye títulos como Gothika; The Singing Detective (El detective cantante); Jóvenes prodigiosos, dirigida por Curtis Hanson; U.S. Marshalls; Después de una noche, dirigida por Mike Figgis; A casa por vacaciones, dirigida por Jodie Foster; Ricardo III (Richard III); Asesinos natos, dirigida por Oliver Stone; los largometrajes dirigidos por Robert Altman Conflicto de intereses y Vidas cruzadas, por la cual consiguió un Globo de Oro al mejor actor de reparto; Heart and Souls; Escándalo en el plató; Air America; El cielo se equivocó; Solo ante la ley; Golpe al sueño americano; La mujer explosiva; Un extraño en casa, y Pound, en la que por primera vez trabajó bajo las órdenes de Robert Downey Sr.
Downey debutó en la pequeña pantalla en el año 2001, cuando se unió al reparto de la exitosa serie Ally McBeal. Por su trabajo fue galardonado con el Globo de Oro al mejor actor de reparto de series, miniseries o telefilms hechos para televisión, y con el premio Screen Actors Guild al mejor artista de serie cómica. Asimismo, Downey fue nominado al Emmy al mejor actor de reparto de serie cómica.
El 23 de noviembre de 2004, Robert Downey Jr. lanzó álbum debut The Futurist con el sello Sony Classics. El álbum, compuesto de ocho temas originales, puso de manifiesto sus dotes para el canto.
Downey y su mujer, Susan, han creado recientemente Team Downey, una productora que pertenece a Warner Bros.

SOBRE LOS CINEASTAS
TODD PHILLIPS (Director/Guionista/Productor) en 2009 dirigió y produjo el gran éxito de taquilla Resacón en Las Vegas, protagonizado por Bradley Cooper, Ed Helms, Justin Bartha y Zach Galifianakis. La película pronto se convirtió en una de las películas no infantiles más taquilleras de todos los tiempos y ganó el Globo de Oro a la mejor película, comedia o musical. Actualmente está inmerso en la pre-producción de la secuela, Resacón el Las Vegas 2, donde vuelve a trabajar con el reparto de Resacón en Las Vegas.
Phillips comenzó su trayectoria profesional como director de documentales, inspirándose en el humor que reside en los momentos cotidianos y en la creencia de que la realidad muchas veces supera a la ficción.
Su primer largometraje, Hated, mostraba las trastadas del punk radical G.G. Allin y pronto se convirtió en una película de culto en la escena underground. Se estrenó en el verano de 1994 y se convirtió en la película de estudiantes más taquillera del momento.
Su siguiente estreno fue en 1998 con Frat House, un documental que produjo y dirigió para la popular serie de documentales de la HBO America Undercover. Frat House se estrenó en el 1998 en el Festival de Cine de Sundance y obtuvo el Premio del Jurado en la categoría de documentales. La muestra sin tapujos de la vida en las fraternidades creó una gran controversia, lo que supuso la retirada de la cinta de la HBO. Phillips aún tiene la esperanza de poder estrenarla en un futuro.
Después de conocer al productor Ivan Reitman en Sundance, Phillips se inició en el mundo de las películas y en 2000 estrenó Road Trip (Viaje de pirados), que le consolidó como uno de los nuevos talentos del mundo de la comedia. De forma paralela, produjo y dirigió Bittersweet Motel, un documental sobre el fenómeno musical Phish.
De una forma u otra, la películas de Phillips indagan en la naturaleza de las relaciones masculinas y así ha conseguido trabajar con algunos de los mejores actores cómicos de Hollywood, escribiendo guiones y dirigiendo películas como Aquellas juergas universitarias, en 2003; Starsky & Hutch, en 2004, y Escuela de pringaos, en 2006. Phillips fue nominado en 2006 al Oscar® al mejor guión adaptado por su trabajo en Borat.

DAN GOLDBERG (Productor). Salidos de cuenta supone su quinta colaboración cinematográfica con Todd Phillps. Anteriormente, fue el productor de los trabajos de Phillips Aquellas juergas universitarias, Road Trip (Viaje de pirados), Escuela de pringaos y, recientemente, de Resacón en Las Vegas, la cual obtuvo el Globo de Oro a mejor película, musical o comedia y está considerada como la película no recomendada para menores más taquillera de todos los tiempos. Goldberg también producirá el próximo trabajo de Phillips, Resacón en Las Vegas 2, cuyo estreno está previsto para 2011.
Golberg también ha producido la extravagante comedia Howard Stern’s Private Parts y la comedia de aventuras Space Jam, protagonizada por Michael Jordan, y ha sido el productor ejecutivo de la aventura romántica de Ivan Reitman Seis días y siete noches, protagonizada por Harrison Ford.
También ha escrito los guiones de comedias clásicas El pelotón chiflado y Los incorregibles albóndigas, las cuales también produjo; Mujeres del FBI, (dirigida por él mismo) y la película de culto Heavy Metal.

ALAN R. COHEN Y ALAN FREEDLAND (Guionistas) son conocidos por haber sido los guionistas de la serie de animación de Fox ganadora de un Emmy King of the Hill y se les denomina popularmente “los Alans.”
Entre los numerosos guiones que han escrito y títulos que han producido, este dúo creó la exitosa comedia de Comedy Central Kid Notorious, protagonizada por Robert Evans. Actualmente son co-productores ejecutivos de la serie de Seth MacFarlane Padre Made in USA.
Antes de Salidos de cuenta, los Alans escribieron guiones para varios estudios. Actualmente tienen abiertos varios proyectos cinematográficos y de televisión, incluyendo la comedia The Reunion, producida por Brian Grazer.
Graduado en la Universidad George Washington, Cohen es originario de Pittsburgh y durante varios años trabajó como corresponsal para el diario The Baltimore Sun en Washington D.C.
Freedland se graduó en la Universidad de Michigan. Creció en los alrededores de Detroit y trabajó en el mundo de la publicidad en Chicago.

ADAM SZTYKIEL (Guión) recientemente escribió la comedia La boda de mi novia, protagonizada por Patrick Dempsey y Michelle Monaghan.
Actualmente está trabajando en la adaptación cinematográfica de las memorias del súper-ventas Neil Strauss, y tiene numeroso proyectos en marcha para el cine y la televisión.
Sztykiel está graduado en Artes Cinematográficas por la Universidad de California del Sur.

SE ESTRENA EL 5 DE NOVIEMBRE

THE TOWN, CIUDAD DE LADRONES (pressbook)

2010-10-26T13:11:00.007+02:00

En Boston se producen más de 300 robos cada año. Y un barrio de 1.600 kilómetros cuadrados llamado Charlestown ha dado más ladrones de vehículos blindados y bancos que ningún otro lugar de EE.UU.
Uno de ellos es Doug MacRay (Ben Affleck), aunque no está hecho de la misma pasta que sus colegas en el crimen. A diferencia de ellos, Doug ha tenido una oportunidad de tener éxito, una oportunidad para evitar seguir las huellas criminales de su padre. En lugar de ello, se convirtió en el líder de un grupo de implacables ladrones de bancos que se enorgullecen de coger lo que quieren de forma limpia. La única familia que tiene Doug es la de sus socios criminales, especialmente Jem (Jeremy Renner), quien, a pesar de su temperamento peligroso e irritable, es lo más parecido a un hermano que Doug haya tenido nunca.
Sin embargo, todo ha cambiado desde el último trabajo de la banda, cuando Jem hizo un rehén por un breve espacio de tiempo: la directora de la entidad, Claire Keesey (Rebecca Hall). Cuando descubre que vive en Charlestown, Jem se pone nervioso y quiere comprobar qué es lo que ha visto. Puesto que sabe de lo que es capaz Jem, Doug se encarga del problema. Busca a Claire, que no tiene ni idea de que no se trata de un encuentro casual ni de que ese encantador extraño es uno de los hombres que la habían aterrorizado hacía tan sólo unos días.
A medida que su relación con Claire va evolucionando hasta convertirse en un apasionado romance, Doug quiere cambiar de vida y de ciudad. Pero con los Federales, liderados por el agente Frawley (Jon Hamm), pisándole los talones y Jem cuestionando su lealtad, Doug se da cuenta de que no le va a resultar fácil lograrlo y de que, lo que es peor aún, puede poner en peligro a Claire. Todas las posibilidades que hubiera podido tener en cualquier momento quedan reducidas ahora a una decisión: delatar a sus amigos o perder a la mujer que ama.
El oscarizado Ben Affleck (“El indomable Will Hunting”, “Adiós, pequeña, adiós”) dirige y protagoniza “The Town. Ciudad de ladrones”, un thriller sobre policías y ladrones, sobre la amistad y la traición, sobre el amor y la esperanza y sobre escapar de un pasado que no tiene futuro.
La película también cuenta con Rebecca Hall (“Vicky Cristina Barcelona”), Jon Hamm (“Mad Men”), el nominado un Óscar Jeremy Renner (“En tierra hostil”), Blake Lively (próximamente en “Green Lantern”, “Uno para todas”), Titus Welliver (“Adiós, pequeña, adiós”), el nominado a un Óscar Pete Postlethwaite (“En el nombre del padre”, “Origen”) y el ganador de un Óscar Chris Cooper (“Adaptation. El ladrón de orquídeas”).
“The Town. Ciudad de ladrones” ha sido producida por el oscarizado Graham King (“Infiltrados”) y Basil Iwanyk (“Furia de Titanes”) a partir de un guión de Peter Craig, Ben Affleck y Aaron Stockard, basado en la novela El príncipe de los ladrones, de Chuck Hogan. Sus productores ejecutivos han sido Thomas Tull, Jon Jashni, William Fay y David Crockett, y Chay Carter ha sido su co-productor.
El equipo técnico y creativo se completa con el oscarizado director de fotografía Robert Elswit (“Pozos de ambición”), la diseñadora de producción Sharon Seymour (“Adiós, pequeña, adiós”), el editor nominado a un Óscar Dylan Tichenor (“Pozos de ambición”) y la diseñadora de vestuario Susan Matheson (“La sombra del reino”). La música ha sido compuesta por Harry Gregson-Williams y David Buckley, quienes ya habían colaborado con Affleck en “Adiós, pequeña, adiós”.
Warner Bros. Pictures presenta, en asociación con Legendary Pictures, “The Town. Ciudad de ladrones”, una producción de GK Film y Thunder Road Film.

EN “LA CIUDAD”

Charlestown, Massachusetts: sólo 1.600 kilómetros cuadrados de tamaño pero con un legado mayor que su geografía. Su referente paisajístico, el Bunker Hill Monument, conmemora la famosa batalla de la Guerra de la Independencia, pero las últimas guerras que se han librado en la ciudad han sido entre policías y ladrones.
Éste es el marco en el que se desarrolla la película “The Town. Ciudad de ladrones”. Ben Affleck ha dirigido y co-escrito el guión del film, además de protagonizarlo en el papel central de Doug MacRay. Ha comentado: “Resulta interesante porque, por un lado, tienes ese caparazón exterior de una película de acción, pero, en el fondo, la historia trata de un chico que se ve atrapado en un lugar en el que no quiere estar y quiere cambiar de vida, lo que me resultaba mucho más atractivo. Trata de lo que te marca la forma en que te has criado y también de los hijos que tienen que pagar los pecados de sus padres. Creo que es algo con lo que se identifica mucha gente, incluso aquellos de entre nosotros que no tenemos relación alguna con la delincuencia”.
“The Town. Ciudad de ladrones” está basada en la novela El príncipe de los ladrones, de Chuck Hogan. Natural de Massachusetts, Hogan situó la acción de este drama criminal en Charlestown por un motivo: este barrio de Boston ha producido más ladrones de furgones blindados que ningún otro lugar de las mismas escasas dimensiones del mundo. Las semillas para que germinara ese hecho diferencial probablemente se plantaron cuando Charlestown fue elegida como emplazamiento para una prisión de máxima seguridad, lo que la perpetuó como un enclave criminal. Affleck comenta: “Se convirtió en una especie de puerta giratoria. La gente salía de la cárcel y su familia se trasladaba allí, y luego, cuando volvían a entrar en prisión, se desarrollaba una comunidad a su alrededor. En el libro se plantea la hipótesis - que también se refleja en el film - de que el de ladrón de bancos era un oficio que se transmitía de padres a hijos”.
Jeremy Renner, que interpreta el papel del cómplice y mejor amigo de Doug, Jem, añade: “En una comunidad tan pequeña y estrechamente vinculada como ésa, desarrollaron un estricto código de silencio. Todo el mundo estaba al corriente de todo, pero nadie hablaba, lo que facilitaba el éxito en esa línea de trabajo”.
Publicado en 2004, El príncipe de los ladrones ganó el premio Hammett que concede la Asociación Internacional de Escritores de Novela Negra y llamó la atención del productor Graham King. “Todo el sabor del libro, con sus delincuentes y sus policías, me cautivó completamente", explica King. “Pero también me encantaron los aspectos más profundos de la historia, como la amistad y el trabajo compartido de los dos amigos, independientemente de su ocupación. Luego Doug se enamora de su rehén y tiene que tomar decisiones muy difíciles que les afectarán a todos. Se trata de un cóctel muy interesante”.
Rebecca Hall, que interpreta a Claire, la mujer de la que se enamora Doug, apunta: “Es un thriller al uso en el sentido de que es muy apasionante y tiene mucha acción. Y también tiene su punto romántico con alguna sorpresa que otra. Es simplemente una historia bien contada”.
El productor Basil Iwanyk está de acuerdo. “La historia tiene muchas capas. Primero está la relación de esos amigos de toda la vida de Charlestown, que por inercia se dedican a hacer el mal. Tienen una fanfarronería y una energía que me atrajo, pero luego me encontré con ese romance tan poco convencional, lo que terminó de convencerme”.
El guionista Peter Craig explica que adaptar las relaciones entrecruzadas que pueblan la novela de Hogan en “The Town. Ciudad de ladrones” era lo que más le preocupaba. “Cada relación individual es compleja. Hay una historia de amor en el centro, pero Doug también se relaciona con Jem, con su padre, con la hermana de Jem y con el resto de la banda, y eso también forma parte integral del relato. El objetivo al adaptar el libro era mantener la historia y la profundidad de esas relaciones”.
King envió a Affleck un primer borrador tras ver su debut como director en “Adiós, pequeña, adiós”. “Ben hizo un trabajo estupendo en ‘Adiós, pequeña, adiós’, por lo que nos encantó que decidiera aceptar este material inmediatamente”, señala King. “Y a eso hay que añadir que es de Boston, por lo que conoce la ciudad como la palma de su mano”.
Sin embargo, Affleck y su socio en las labores de guionista Aaron Stockard pronto descubrieron que, a pesar de la proximidad a su ciudad natal, Charlestown estaba a un mundo de distancia de ésta. “Ben y yo crecimos en Cambridge, que se encuentra a tiro de piedra de Charlestown, aunque había muchas cosas que desconocíamos”, afirma Stockard, quien también colaboró con Affleck en el guión de “Adiós, pequeña, adiós”. “Conocíamos su fama, pero dábamos por supuesto que todo estaba exagerado. Pero resultó que todos esos mitos acerca de Charlestown eran realmente ciertos, lo que hacía la historia aún más atractiva para nosotros”.
“Investigamos muchísimo”, recuerda Affleck. “Visitamos cárceles y hablamos con antiguos ladrones de bancos y con miembros del FBI para dar forma al personaje del agente Frawley, interpretado por Jon Hamm. Empezamos a incorporar lo que habíamos aprendido a la arquitectura de la historia para aportarle todos los detalles y la verosimilitud que nos fuera posible”.
“A ambos lados de la cámara, el nivel de preparación de Ben resultaba increíble. Tenía pensado cada momento de la cinta”, comenta Iwanyk. “También tuvo la sabiduría necesaria para rodearse de un reparto y un equipo técnico increíble, y para fomentar un ambiente altamente creativo durante el rodaje. Siempre estaba abierto a las ideas de cualquiera”.
Para incrementar aún más esa autenticidad que buscaban los realizadores, “The Town. Ciudad de ladrones” se rodó casi en su totalidad en localizaciones de Boston y sus alrededores, incluido, por supuesto, Charlestown, así como el North End, Cambridge y el famoso Fenway Park. El estadio de la Liga Profesional de Baseball más antiguo en uso, Fenway, fue el lugar elegido para la secuencia de acción más importante del film. También se recurrió a la población local para algunos papeles protagonistas y de extra, incluidos ex-policías y ex-convictos.

“TOWNIES” Y “TOONIES”

Cuando conocemos al personaje de Doug MacRay, él y su banda están en una furgoneta a las puertas del Cambridge Merchant Bank, segundos antes de su próximo robo. En palabras de Affleck, Doug se está “dando golpes contra las paredes de su propia vida, y sigue haciendo algo que sabe que está mal porque no es capaz de cambiar”.
Affleck prosigue: “Tuvo una oportunidad de tener un futuro diferente – tuvo la oportunidad de ser jugador profesional de hockey –, pero optó por la auto-destrucción. Se hizo adicto a las drogas y lo fastidió todo, así que en lugar de salir, volvió a entrar, y muy a su pesar, terminó más hundido aún. Así es donde lo conocemos. Se ha limpiado un poco, en términos de que no consume, y quiere salir, pero es incapaz de escapar de sus circunstancias”.
“Eso era lo más intrigante de este tipo”, señala Stockard. “Está en un momento de su vida en el que se da cuenta de que si no lo deja, no va a cambiar nunca. No es sólo que no quiera ir a la cárcel o, peor aún, morir, algo que resulta inevitable si se queda en Charlestown y se sigue dedicando a lo mismo. Lo que quiere más que nada es ser una persona diferente”.
“Parte de su situación vital tiene que ver con cómo se ha criado”, nos cuenta Affleck. “Su madre le abandonó, su padre llevaba esa vida, y Doug terminó haciendo lo mismo que los chicos con los que se crió. No es excusa, pero espero que sirva para ver algunos tonos grises que expliquen los motivos por los que terminó donde está. No es algo que haya elegido él de forma totalmente libre”.
“Ben llegó a comprender a la perfección el recorrido psicológico y emocional de Doug”, relata King, “por lo que, cuando dijo que le interesaría interpretar al personaje, supimos que nadie podría hacerlo mejor", añade. “Quedé encantado, no sólo por cómo Ben interpretaba todos los matices del personaje, sino también por la intensidad de su trabajo”.
Los distintos aspectos de la vida de Doug contrastan marcadamente con la de Jem, su mejor amigo y una especie de socio, aunque en el lado oscuro de la ley. A diferencia de Doug, Jem está resignado a llevar la vida para la que parece haber nacido y no tiene ningún escrúpulo con respecto a lo que hace.
Jeremy Renner lo explica de la siguiente manera: “Dadas sus raíces, Jem y Doug han tenido que apoyarse el uno en el otro durante toda su vida, por lo que son casi más hermanos que amigos. Pero ahora Doug se está separando de la vida que Jem siempre ha conocido y Jem trata de recuperarlo, de recordarle el sentido de sus vidas en una especie de: ‘Somos ladrones de bancos. Nos dedicamos a eso, eso es lo que somos.’ Ése es el conflicto que existe entre ellos”.
“Doug y Jem tienen a sus espaldas una historia complicada”, comenta Affleck. “Son el mejor amigo del otro desde que eran unos niños, pero se han convertido en dos personas muy diferentes… personas que no serían amigos de conocerse hoy. Sin embargo, comparten esa historia de lealtad y amor mutuo, y eso le pesa mucho a Doug. Jem está siempre a un paso de perder el control, y Doug es el único que sabe cómo lograr que no se le vaya la mano”.
Renner está de acuerdo en que Jem es “un comodín”, y señala que la propensión de su personaje a la violencia lo convierte en multidimensional. “No es una sola cosa. Es imperfecto – quizás más que otros – aunque hay momentos en los que puedes ver otra dimensión”, señala el actor. “Para mí era importante que Jem fuera un ser humano totalmente desarrollado y no la prolongación de un arma. Comprendí que era un tipo que podía dar miedo, pero también quise dotarlo de cierto sentido del humor y corazón”.
Y según Iwanyk, Renner lo ha logrado. “Jeremy fue una revelación. Transformó a Jem de un mero matón en alguien que me atrapó emocionalmente. Me sentí muy atraído por él, algo que no me había ocurrido cuando leí el guión por primera vez”.
“Jeremy capturó la dicotomía de ese tipo que hace cosas que parecerían imperdonables pero que, al mismo tiempo, no deja de gustarte”, afirma Affleck. “Jem está evidentemente mal, pero puedes comprender por qué es como es gracias a lo que Jeremy aporta al papel. Es un actor excepcional y un tipo muy dulce, y esa humanidad trasciende a su interpretación”.
Renner comenta que Affleck – tanto en calidad de director como de actor – logró que la amistad de toda la vida entre Jem y Doug resultara natural. “Sentía que estaba trabajando con uno de mis mejores amigos. Ben me permitía hacer todo lo que me parecía bien y, si funcionaba, se alegraba mucho. Creó un ambiente genial y todo el mundo se sentía cómodo y a gusto. Fue algo estupendo”.
La sutil brecha que se había abierto entre Doug y Jem se ve agravada cuando, durante el robo del Cambridge Merchant Bank, Jem agrede brutalmente al director adjunto de la sucursal y luego, en un acto repentino y desesperado, toma como rehén a su directora, Claire Keesey.
Aunque la banda pronto la pone en libertad, Jem, en particular, se pone muy nervioso cuando descubre que Claire vive en Charlestown, a unas manzanas de su casa. ¿Qué pasa si ha visto u oído algo que podría vincularlos con el robo? Jem preferiría no esperar a descubrirlo pero, puesto que sabe lo que eso puede significar, Doug se ofrece para hacerse cargo de la situación. Affleck lo detalla así: “En un intento por calmar las cosas, Doug dice que él se ocupa. Empieza a seguir a Claire, lo que lleva a un encuentro inesperado. Y eso genera en la cinta una serie de acontecimientos que van a cambiar su vida”.
De hecho, otro tipo de "cambio" es el inocente motivo por el que se conocen, cuando Claire se acerca a Doug en la lavandería para preguntarle si tiene monedas sueltas para la lavadora. Claire no tiene ni idea de quién es realmente Doug ni de que ya se han encontrado antes. Irónicamente, es esa conexión - el robo del banco y su toma como rehén - lo que se convierte en el catalizador de su romance.
Rebecca Hall comenta: “Eso es lo que ocurre cuando las relaciones se desarrollan en circunstancias extremas: los lazos se vuelven mucho más estrechos. El hecho de que Claire se encuentra con Doug cuando está llorando y sufriendo una especie de crisis hace surgir inmediatamente una chispa entre ellos, no necesariamente por ninguna química natural, sino porque ella necesita a alguien en esos momentos y allí está el, un extraño, que le sonríe y le hace reír. En otras circunstancias, quizás no hubiera salido con él, pero está abierta y es vulnerable, y él le parece una especie de caballero con su armadura brillante”.
Affleck comenta que eligió a Hall para interpretar a Claire no sólo “porque es guapa y tiene un talento increíble, sino también porque transmite cierta sensación de realismo. Ese tipo de honestidad y normalidad resulta especialmente importante para este papel. Te crees que es alguien que podría trabajar en un banco. Parece realmente alguien que se podría haber mudado recientemente a tu barrio”.
Hall observa: “Pensé que resultaba fascinante que ese tipo de mujer que se podría describir como una ‘yuppie’, a falta de una palabra mejor, — lo que los locales llaman ‘Toonie’— se traslada y vive allí incluso después de lo que ha ocurrido. Creo que es fuerte y valiente, y que se niega a comportarse como una víctima. Resultó un papel muy interesante”.
A propósito del desarrollo de la relación entre Doug y Claire, Affleck señala: “Ella viene a representar en qué puede convertirse él finalmente... una versión de su vida diferente a la que conoce”.
Cuantas más alternativas ve Doug en su vida, más peligroso resulta para su banda, así como para la hermana de Jem, Krista, aunque no por los mismos motivos. Blake Lively, que interpreta el papel, comenta: “Todo lo que Krista quiere es que Doug la quiera y la saque de ahí. Ha crecido rodeada de esos tipos duros que no hacen nada bueno, pero han sido los únicos modelos que ha tenido. Ahora es una madre soltera que hace lo que puede para sobrevivir”.
Lively añade que la combinación de inteligencia de la calle y fragilidad de Krista es el rasgo más sobresaliente de su papel. "Tiene capas de oscuridad y vulnerabilidad, de dureza y de desesperación. Krista podría parecer irrecuperable, pero me interesaba mucho interpretarla porque sabía que podría hacerlo de forma que resultara un personaje simpático, y que podría lograr que se comprendiera su comportamiento”.
Iwanyk comenta: “Blake aportó un cóctel perfecto de sufrimiento, sensualidad, tristeza y agresividad a Krista”.
“Cuando conocí a Blake”, recuerda Affleck, “dije, ‘No es muy conocida en Hollywood: en realidad estamos buscando a alguien más mayor y menos atractiva’”, comenta con una sonrisa. “Pero era increíble. Pasó mucho tiempo con la gente de Charlestown y se esforzó mucho para comprender el personaje y las profundidades en las que se sumerge Krista para sobrevivir”.
“En muchos sentidos, Krista es el peor enemigo de ella misma”, confirma Lively. “Y se le da bastante bien arrastrar a Doug con ella también sin darse cuenta de lo que está haciendo. Cuando Claire entra en escena, Krista ni siquiera se entera, pero se da cuenta de que Doug se está alejando y lucha todo lo que puede”.
Otra persona que no está al tanto de la relación de Doug y Claire es el agente especial del FBI Frawley, que está a la cabeza de un grupo de trabajo que investiga los robos de bancos en Boston. “No está del todo convencido de que forme parte de la cultura de Charlestown”, señala Affleck. “Simplemente cree que son delincuentes y está decidido a acabar con ellos”.
Jon Hamm, que interpreta el papel de Frawley, reconoce: “Es un outsider. Pero aunque no es de Boston, tiene mucha experiencia con ese tipo de delitos y vive ahí desde hace algún tiempo, así que conoce a todos los protagonistas”.
La última ola de robos resulta frustrante para Frawley porque sabe quiénes son los culpables, aunque aún no ha logrado echarles el guante. “Eso crea una dinámica interesante entre mi personaje y Ben”, apunta Hamm. “Une elemento fundamental en una buena película de acción es la interrelación entre los buenos y los malos. ¿Quién va a ganar? Pero aquí, la línea entre los buenos y los malos está menos definida, porque puedes sentir simpatía por ambos”.
“Soy un gran fan de Jon, por lo que me pareció una gran suerte poder contar con él”, apunta Affleck. “Cuando conocí a agentes reales del FBI, me di cuenta de que proyectaban cierta sensación de poder e inteligencia, y Jon transmitía esa fuerza. Es muy inteligente y agudo, y eso es algo que inmediatamente provoca respeto. No se me ocurre un actor mejor para este papel”.
A diferencia de Frawley, el detective de la policía de Boston Dino Ciampa ha nacido y se ha criado allí. Titus Welliver, que ya trabajó con Affleck en “Adiós, pequeña, adiós”, es el encargado de recrearlo. “Dino creció en Charlestown, pero eligió un trabajo diferente al de Doug y Jem”, explica Welliver. “Ahora está fuera de lugar en la comunidad, en una escena vemos que le consideran una ‘rata’. Le han arrojado el guante y ahora se ha convertido en algo personal, Dino está decidido a acabar con esos tipos”.
Al haberse criado en la ciudad, Dino sabe cómo hacer que resulte algo personal al interrogar a Doug: sacar a colación al padre de Doug, que está en esos momentos en la prisión de máxima seguridad de Walpole. El oscarizado Chris Cooper da vida a Stephen MacRay en una única escena rodada in situ en Walpole, algo inédito en las instalaciones. Affleck recuerda: “Había trabajado con Chris en una película justo antes de ‘The Town. Ciudad de ladrones’, y ahora vive en Massachusetts, por lo que le llamé y le pedí que interpretara al padre de Doug. Terminamos hablando cuatro horas por teléfono, y realmente se empapó de la historia y la relación que los personajes llevaban a sus espaldas”.
Por casualidad, el día en que Cooper estaba grabando su escena, el padre de Affleck hizo una visita (algo muy poco habitual) al rodaje. “Me di cuenta de que Chris le estaba observando”, apunta Affleck. “Mi padre lleva gafas, así que Chris consiguió unas gafas similares e hizo algunas cosas más que realmente me intimidaban, lo que resultó perfecto para la escena. Se convirtió en el personaje. Todos los funcionarios de prisiones reales que estaban trabajando ese día dijeron que parecía que llevaba 10 años en Walpole. Todos quedamos encantados con su trabajo”.
El reparto y el equipo técnico quedaron igualmente impresionados por otro actor veterano. Pete Postlethwaite es Fergie Colm, un florista cuyo establecimiento constituye una tapadera para lavar dinero, traficar con drogas y otros negocios sucios. Aunque no es físicamente imponente, “era importante que Fergie resultara de todas formas una presencia amenazante”, señala Graham King. “Pete aportó una gran autoridad al papel; incluso cuando sonríe, te das cuenta de que puede ser peligroso cruzarte en su camino, y eso es exactamente lo que buscábamos.
“Chris Cooper y Pete Postlethwaite han prestado ambos una increíble credibilidad a sus papeles”, añade Affleck. “Resulta un baño de humildad trabajar junto a actores de su calibre, por no hablar de dirigirlos”.
Postlethwaite, a su vez, habla maravillas de su director, y comenta: “La habilidad de Ben para reflejar la técnica actoral es el sueño de cualquier actor. Sabe cuándo crees que lo has hecho mal y quieres repetir una toma y, lo que es mejor aún, se da cuenta de cuándo ha salido bien y no es preciso repetirla. No lo dudaría si pudiera volver a trabajar con él en su nueva película”.
La organización supo rodear al reparto de personajes locales, algunos de los cuales no habían actuado nunca antes. Affleck recuerda: “Mi objetivo era sumergir al público en el lugar y contar con personajes que procedieran de ese medio me resultó muy útil. Como dice el personaje de Gloansy en la película, es más ‘autenticioso.’”
Slaine, natural de Boston, que hizo su debut como actor en “Adiós, pequeña, adiós”, fue el elegido para encarnar a Albert “Gloansy” Magloan, que forma parte de la banda de Doug y Jem. Slaine comenta: “Ben conoce muy bien el terreno. Sabe muy bien lo que se está cociendo y eso se deja sentir en la cinta”. Además de su papel, Slaine, quien también está haciendo sus pinitos en la música, interpreta la canción “Run It” en la película.
Descubierto en un casting abierto en Charlestown, Owen Burke consiguió el papel de Desmond Elden, alias Dez, el cuarto miembro de la banda. Resulta interesante saber que Burke llegó a la película con cierto conocimiento de primera mano de la historia. “Conocí a varios ladrones de bancos de Charlestown”, confiesa. “Me contaron muchas de las cosas que habían hecho, así que puedo decir sin miedo a equivocarme que la película es muy realista”.
Otro actor local, Dennis McLaughlin, que se estrena como actor con el papel de Rusty, el “brazo ejecutor” de Fergie, simplemente estaba en el lugar correcto en el momento adecuado. Affleck lo revive así: “Lo descubrimos mientras estábamos buscando localizaciones. Pasé por este apartamento y allí estaba este tipo enorme, sin camisa, tirado el sofá viendo la tele. Tenía un tatuaje de Massachusetts en el brazo con los colores de la bandera irlandesa y el código postal de Charlestown y pensé, ‘Este tipo es espectacular.’ Le pedimos que saliera fuera y resultó ser perfecto. Parece alguien que ha estado en la cárcel, ha salido y ha sido capaz de rehacer su vida. Como Rusty, resulta intimidante por naturaleza, aunque Dennis es un amor en realidad”.
Dar la vuelta a las cosas también ha funcionado muy bien en “The Town. Ciudad de ladrones”. Varios locales que habían tenido sus más y sus menos con la ley interpretan a policías y han trabajando con polis reales que hacen de extras en el film. “Si nos fijamos en los intérpretes, hemos contado con algunas de las mayores riquezas de Boston”, señala Affleck.
El productor ejecutivo David Crockett afirma: “Muchas de las personas que aparecen en la película son de Boston, y la mayoría proceden de Charlestown. Durante el rodaje, algunos se acercaban a Ben y le decían: ‘¿Sabes? ‘Yo lo diría así’ o ‘habría que hacerlo allí’ y Ben no se lo pensaba y decía: ‘Hacedlo así. Quiero verlo.’ Lo que más le importa a Ben es la autenticidad; lo real se impone a todo porque está convencido de que el público lo percibe”.

ACENTOS Y PRECISIÓN

Los actores locales tenían una gran ventaja con respecto a sus compañeros de otros lugares: no les hacía falta aprender el acento de Boston y, más concretamente, el de Charlestown. A diferencia del estereotipo popular, no se trata simplemente de “dejar caer” las erres. “Tiene muchos matices, así que el acento resulta bastante difícil de reproducir”, comenta Affleck. Sin embargo, les recomendó a sus actores que se dedicaran más a escuchar que a estudiar, por así decirlo.
“Al principio me ponía muy nervioso el tema del acento”, confiesa Renner, “pero cuando propuse contratar a alguien para que me enseñara el acento, Ben me respondió que ni hablar. Me dijo: ‘Limítate a escuchar a los nativos; así es como vas a aprender’. No quería que resultara excesivo. Simplemente tratamos de reproducirlo lo más fielmente que pudimos, sin sobreactuar”.
A pesar de que Renner siguió los consejos de su director, Affleck admite: “Me sorprendió lo rápido que Jeremy se hizo con el acento y lo natural que sonaba. No sé cómo lo hizo. Resultó increíble”.
Blake Lively también pasó un tiempo en Charlestown para empaparse del acento y la actitud de las mujeres de la ciudad. “Pasé tiempo con ellas”, recuerda, “pero en lugar de hacer preguntas o tratar de imitar su acento, terminé por mantenerme callada y observar. Me di cuenta de que si estaba hablando, no escuchaba. También me fijé en cómo se relacionaban entre sí y cómo cambiaba su discurso en función de con quién estuvieran hablando. Me resultó muy interesante observar cómo equilibraban su sexualidad con su carecer duro, como en una especie de ‘Déjame tranquila”.
Rebecca Hall, que procede de Inglaterra y no de Nueva Inglaterra no tuvo que lograr reproducir el acento de Charlestown puesto que Claire Keesey viene de la ciudad costera de Massachusetts de Marblehead. La actriz comenta que: “Escuché cintas grabadas por personas de Marblehead y lo que descubrí es que muchas hablaban una especie de dialecto general de la Costa Este. Así que, aparte de hablar con acento estadounidense, traté de reproducir esas pequeñas cosas que los diferencian, y me lo pasé muy bien haciéndolo”.
Los actores que interpretaban a los policías y los ladrones que participaban en las numerosas escenas con armas de la película tuvieron una curva de aprendizaje más física. Se entrenaron con el experto en armas Douglas Fox, así como con el coordinador de escenas de acción Gary Hymes, para aprender a manipular de forma segura y adecuada las distintas armas de fuego, que iban desde automáticas hasta escopetas.
Jon Hamm también tuvo el beneficio de trabajar directamente con el asesor sobre el FBI Thomas B. Devlin, que se crió en Charlestown y se pasó veinticuatro años en la agencia, ocho de ellos supervisando en programa de los SWAT en Boston. “Era la persona a la que plantear todas nuestras dudas”, señala Hamm. “Resultaba de lo más útil poder contar con él. Y también fue muy divertido porque algunos de los extras participantes habían sido detenidos por él cuando se dedicaban a otro tipo de negocios. Así que resultaba muy interesante que Tom hubiera tenido una especie de ‘relación’ con ellos con anterioridad”, comenta divertido.
Los años de trabajo de Devlin con los SWAT le permitieron hacer un doble papel: como asesor sobre el FBI y como asesor sobre los SWAT. “Fue un regalo poder contar con Tom en el rodaje”, afirma Affleck. “Fue muy instructivo sobre cómo trabaja la agencia y, al proceder de Charlestown, conocía muy bien la historia y a la gente. También resultaba emblemático el hecho de que la ciudad hubiera producido también a personas tan buenas con unos valores tan fuertes y una gran integridad, algo que no se suele poner suficientemente de relieve”. También han participado funcionarios de policía reales en algunas de las escenas de acción, lo que ha aportado gran veracidad al trabajo. Crockett señala: “La policía de Boston, la oficina local del FBI y los demás departamentos de policía de la zona nos abrieron sus puertas. Contamos con mucha ayuda desde todos los niveles de las fuerzas de seguridad”.
“Lo más complicado de nuestra investigación”, confiesa Affleck, “era meterse en la forma de pensar del hampa de Charlestown, pero encontramos a personas dispuestas a hablar con nosotros. Aunque cada conversación terminaba con un 'No le digas a nadie que he hablado contigo'", recuerda divertido.
Basil Iwanyk prosigue: “Contamos con varios asesores no oficiales – créeme, asesores muy importantes - que han contribuido con muchos detalles a la cinta. Algunos era eran tipos muy duros, al menos sobre el papel, aunque resultaron ser algunas de las personas más agradables del mundo”.

CUBRIENDO LAS BASES

Para el equipo técnico, lograr realismo también implicaba “The Town. Ciudad de ladrones” sólo podía rodarse en un lugar. Graham King lo confirma: “Tenía que ser Boston: las casas, las calles, la gente... Y puesto que Ben es de ahí y está tan comprometido con su ciudad natal, resultaba aún más importante que la película se rodara en Boston. No había alternativa posible”.
La película se ha rodado casi en su totalidad en la ciudad, incluidas localizaciones en Charlestown, Cambridge y el North End, así como en la sede de los Red Sox, Fenway Park.
La fotografía principal comenzó en el lugar que inspiró tanto la historia como el título y que Iwanyk define como “un lugar de transición. Charlestown se ha aburguesado un poco en los últimos años. Si te parabas en una esquina y mirabas en una dirección, veías casas estupendas y árboles hermosos; era como de libro de cuentos. Y, en esa misma esquina, si mirabas en otra dirección, veías las casas subvencionadas, a unas manzanas de distancia”.
La diseñadora de producción Sharon Seymour comenta que tanto ella como Affleck querían capturar esa yuxtaposición de las casas de obreros con las casas remodeladas de los nuevos inquilinos más acomodados que han llegado a la ciudad. “Ben y yo estábamos de acuerdo en que realmente teníamos que definir Charlestown, trasladar al público la idea de que se trata de una comunidad fracturada. Tienes la plaza y la hermosa arquitectura de las casas en torno a Main Street. Pero existe otro Charlestown compuesto por casas de madera de tres pisos donde han vivido generaciones de las mismas familias. La película lo explora en cierto sentido a través de la relación entre Doug, que pertenece a la clase trabajadora de Charlestown, y Claire, una directora de banco que acaba de mudarse a un bonito apartamento en la plaza”.
La diseñadora de vestuario Susan Matheson también reflejó el contraste entre la ropa de Rebecca Hall y Blake Lively, que interpretan a Claire y a Krista, respectivamente. “Queríamos que fueran polos opuestos” señala. “La ropa de Krista está llena de color, y también lleva muchas más joyas: collares superpuestos y muchos anillos y pendientes de aro grandes. Pero tratamos de seleccionar cosas que pudieran tener un sentido más personal para ella – como la cruz celta que lleva - para dar forma al personaje”.
Por su lado, “el armario de Claire presenta siluetas sencillas y muy pocos adornos”, describe Matheson. “Es directora de un banco, así que se viste de forma muy profesional. Incluso cuando no está trabajando, su ropa presenta unas líneas muy limpias, especialmente si se compara con Krista”.
Quizás la ropa más particular en “The Town. Ciudad de ladrones” son las máscaras que llevan Doug, Jem, Gloansy y Dez para ocultar su identidad durante dos de los tres golpes que dotan de acción al film.
Las máscaras de los esqueletos que se ven en el robo con el que comienza la película estaban inspiradas en la grabación de un golpe real. Affleck lo recuerda como sigue: “Estábamos de visita en las oficinas del FBI y tenían un gran primer plano de la imagen de una cámara de seguridad de un tipo en chándal con una máscara de esqueleto. Llevaba un rifle de asalto, pero era la máscara lo que realmente daba miedo”.
“Resultaba muy intimidante”, añade Matheson, que también vio la foto durante su trabajo previo. “Ben y yo nos quedamos colgados por el miedo que daba y coincidimos en que sería la imagen de apertura perfecta para el film”.
El grupo se pone las máscaras de esqueleto para asaltar el Cambridge Merchant Bank, que es el lugar en el que Doug se encuentra con Claire por primera vez. Aunque la máscara aterroriza a su personaje, Rebecca Hall admite que prácticamente tuvo el efecto contrario en ella. “Esa es la diferencia entre Ben el actor y Ben el director. En la escena, Claire está totalmente intimidada por Doug, pero cuando Ben trataba de darme indicaciones con la máscara puesta, me resultaba muy difícil mantener la compostura”, recuerda divertida Hall.
El robo se rodó in situ en el Cambridge Savings Bank, que Seymour y su equipo transformaron en el Cambridge Merchant Bank… quizás hasta demasiado bien. Seymour lo explica así: “Hubo que cambiar las marcas de todo lo que había dentro y fuera del banco. No creo que mucha gente se dé cuenta, pero el banco me contó que un cliente entró, muy enfadado, diciendo: ‘Llevo 40 años trabajando con ustedes. No me puedo creer que lo hayan cambiado todo en un día.’ Me lo tomé como un cumplido”.
El siguiente golpe de la banda es un furgón blindado en las calles del North End, a plena luz del día. Y su disfraz resulta igualmente descarado, comenta Matheson. “Después de los esqueletos, quería algo que se saliera de las normas. Empecé por pensar en el hecho de que esos cuatro tipos se habían criado como católicos irlandeses, y que podría resulta interesante jugar con ello. Mi primera idea fue vestirlos de monjas, pero Ben vino con la sugerencia de que llevaran ropa de combate del cuello para abajo. Era una combinación interesante: tocas de monja con chalecos antibalas”.
Con el FBI y la policía cada vez más cerca, al asalto del furgón le sigue una persecución por carretera con docenas de vehículos en todas las direcciones. Rodar la escena ya habría resultado muy difícil en una gran ciudad, pero las estrechas calles serpenteantes del barrio histórico multiplicaban exponencialmente el reto. “El North End es un lugar increíblemente estrecho, aclara David Crockett. “El diseño de las calles data del siglo XVII, así que no están construidas para los coches, pero eso también mejoró la escena de acción. Fue genial”.
Affleck colaboró con Gary Hymes y el director de segunda unidad Alexander Witt en la preparación de la persecución, primero con coches de juguete sobre un gran mapa y luego pasando a lo real cuando "todo el mundo tuvo claro dónde iba a estar cada coche y qué iba a hacer cada uno”, recuerda Witt. “Constantemente buscábamos formas de hacerlo más emocionante, pero con tantos coches implicados, también necesitábamos que resultara seguro”.
Al organizar la coreografía de la escena, Hymes comenta que tomó ciertas pistas del guión. “Dice así, ‘Gloansy conduce sin pisar nunca el freno.’ Sortea el tráfico. Hasta ahí sabía que tenía que ser fluido, pero también quería acción. La banda ve que hay polis por todas partes así que, ¿qué tenían que perder?”
“Gary y su equipo fueron sin duda los elementos más cruciales de la secuencia en el North End”, comenta Affleck. "Da igual lo que se te ocurra, si no tienes conductores para hacerlo, no lo vas a poder rodar”.
Para sumergir al público en la acción, Affleck y el director de fotografía Robert Elswit utilizaron en primer lugar una cámara montada en la parte baja del coche con un gran angular. “Queríamos crear algo casi claustrofóbico, para que diera la sensación de que estás sentado con ellos en el coche acelerando por esas callejuelas a toda velocidad”, señala el director. “Lo mejor es que llevan máscaras, así que no tienes que preocuparte por los primeros planos de los especialistas. Eso nos permitió llegar aún más lejos para crear una escena de acción totalmente visceral”.
La persecución termina con el cierre del puente de Charlestown, lo que hizo que la producción tuviera que cerrar una de las principales arterias de salida y entrada de Charlestown durante varias horas. “Fue algo enorme”, enfatiza Crockett, “porque éramos tan sólo una de las muchas actividades que se estaban desarrollando en Boston ese día. Pero la ciudad se mostró muy colaboradora; realmente todos nos ayudaron en lo que necesitamos”.
El equipo técnico apreció especialmente la cooperación de la ciudad al rodar el trabajo más ambicioso y peligroso de la banda – en palabras de Fergie, “hacerse con la catedral de Boston” – Fenway Park. Los productores alaban la capacidad de una persona en particular para lograr que pudieran acceder al emblemático estadio: “el señor Ben Affleck”, confirma King sin dudarlo. “Su nombre tiene mucho peso en Boston. Es fan confeso de los Red Sox, así que fue clave para poder rodar en Fenway”.
Rodadas en mitad de la temporada de baseball, todas las escenas en Fenway tuvieron que completarse en un marco temporal concreto, mientras el equipo estaba viajando. Hubiera resultado imposible rodar una toma masiva - tanto en los túneles del estadio como en las calles adyacentes – con jugadores en el campo y fans en las gradas. Y por si estas limitaciones aportaran poca presión, la compleja secuencia requería la coordinación de muchas partes en movimiento, especialistas y extras, así como miembros actuales y antiguos de los SWAT de Boston que, básicamente, se interpretaban a ellos mismos.
Al margen de esta presión, Basil Iwanyk comenta: “La experiencia del rodaje fue surrealista. Fue uno de los pocos momentos de la vida en los que tienes que hacer una pausa para dar las gracias por donde estás”.
Jeremy Renner está de acuerdo: “Fue genial poder rodar en un campo con tanta historia con ése. Comprendí al momento lo que Fenway significa para los ciudadanos de Boston. Transmite mucha energía incluso cuando está vacío. Sin duda me hizo querer ser seguidor de los Red Sox", comenta con una sonrisa.
“Es todo un hito para cualquier aficionado a este deporte", explica Graham King. “Fue increíble poder estar de pie junto al famoso ‘Green Monster’”, añade refiriéndose al muro de más de 11 metros que ha sido la pesadilla de numerosos bateadores. “Es parte del rodaje fue realmente mágica”.
Ben Affleck, que ha visto muchos partidos desde esas gradas, señala: “Soy un gran hincha de los Red Sox, por lo que fue muy emocionante y todo un privilegio poder rodar allí, especialmente fuera de horas. Sin duda no quería dejar pasar esa oportunidad.”
“Rodar ‘The Town. Ciudad de ladrones’ me ha dado muchas oportunidades”, reflexiona, “y aprecio especialmente la oportunidad de haber podido trabajar con algunos talentos extraordinarios. Ha sido un proceso muy colaborativo y la película es el fruto de muchas personas que se han preocupado por el proyecto y que lo han dado todo”.

BEN AFFLECK (Doug / Director / Guionista) ha sido reconocido por su trabajo como actor, guionista y director. Hizo su debut en la dirección en 2007 con “Adiós, pequeña, adiós”, película que le valió distintos reconocimientos por parte de la crítica como el Premio al Mejor Debut como Director concedido por el National Board of Review. También ganó el Premio al Director Revelación del Año en el Festival de Cine de Hollywood de 2007. Affleck era también co-autor del guión de la cinta, adaptado a partir de una novela de Dennis Lehane.
En 2006, Affleck recibió muy buenas críticas por su interpretación del malogrado actor George Reeves en la película negra “Hollywoodland”. La cinta se estrenó en el Festival de Cine de Venecia, donde se hizo con la codiciada copa Volpi al Mejor Actor. También fue nominado a los Globos de Oro y los Critics’ Choice Awards en la categoría de Mejor Actor, así como el premio a la mejor interpretación en el Festival de Cine de Hollywood. Más recientemente, ha formado parte del reparto conjunto de “Extract” y de “Qué les pasa a los hombres”, y ha protagonizado el thriller criminal de Kevin Macdonald “La sombra del poder”, junto a Russell Crowe, Helen Mirren y Rachel McAdams. Además de “The Town. Ciudad de ladrones”, este otoño podremos verle en la película independiente “En compañía de hombres”, con Kevin Costner, Chris Cooper y Tommy Lee Jones.
Affleck tuvo su primer papel destacado en 1997 con el aclamado drama “El indomable Will Hunting”, que protagonizó con su compañero en las labores de guionista Matt Damon. Ambos recibieron numerosos reconocimientos por el guión original de la cinta, incluido un Óscar, un Globo de Oro y el premio Humanitas. También compartieron una nominación a los premios del Sindicato de Actores (SAG) a la Mejor Interpretación.
Affleck protagonizó luego la oscarizada cinta de John Madden “Shakespeare in Love”, por la que recibió un premio SAG como parte del reparto conjunto. Sus trabajos posteriores incluyen “Armageddon” y “Pearl Harbor”, dirigidas ambas por Michael Bay; “Las fuerzas de la naturaleza”; “El informador”, de Ben Younger; “Al límite de la verdad”, de Roger Michell; “Pánico nuclear”, de Phil Alden Robinson y basada en la novela de Tom Clancy; la adaptación a la gran pantalla del cómic de Marvel “Daredevil”; “Una chica de Jersey”, de Kevin Smith; “Diario de un ejecutivo agresivo”, de Mike Binder; y el elegante thriller de Joe Carnahan “Ases calientes”.
En 2000, Affleck creó junto a Matt Damon, Chris Moore y Sean Bailey LivePlanet, Inc. Su primer trabajo, “Project Greenlight”, se pasó en la HBO y captó la atención de la crítica, el público y la industria por su visión entre bastidores de los retos a los que se enfrenta un director novel. La segunda temporada de “Project Greenlight” se pudo ver también en la HBO a comienzos de 2003, y una tercera temporrada se pasó por Bravo. Las tres fueron nominadas a los Emmy.
Además de su exitosa carrera en el cine, Affleck es también un apasionado defensor de distintas causas y un filántropo. En marzo de 2010 fundó la Eastern Congo Initiative (ECI), que tiene por misión ayudar a la población congolesa a apoyar proyectos basados en las comunidades locales para crear una sociedad sostenible y exitosa en esta región convulsa desde hace tanto tiempo. ECI es la primera iniciativa de ayuda y concesión de ayudas radicada en EE.UU. concentrada totalmente en el trabajo en la región oriental del Congo. Affleck es también un activista político desde hace mucho tiempo y un gran colaborador con muchas organizaciones benéficas como Feeding America, A-T Children’s Project y The Jimmy Fund.

SE ESTRENA EL 29 DE OCTUBRE

RETROSPECTIVA CINE NÓRDICO en la Mostra

2010-10-07T11:55:00.002+02:00

La Mostra de Valencia ofrecerá una retrospectiva del cine negro nórdico actual dentro de la programación y las actividades de su XXXI edición, que se celebrará entre el 15 y 23 de octubre bajo su renovado enfoque de festival especializado en cine de acción y aventuras, ha anunciado la organización del certamen en un comunicado.

Uno de los ejemplos de los nuevos aires que corren en la Mostra es el ciclo 'Generación Millenium', una amplia retrospectiva del mejor cine negro nórdico actual, un género que se ha desarrollado con notable éxito en paralelo al "boom" comercial experimentado por la literatura negra escandinava. La selección se presenta con la colaboración de la distribuidora A Contracorriente Films.

De hecho, antes del fenómeno editorial provocado por la obra de escritores como Stieg Larsson, Henning Mankell, Åsa Larsson, Maj Sjöwall y Per Wahlöö, Anne Holt y Tom Egeland, entre otros muchos, la industria cinematográfica de los países escandinavos ya había fijado la atención en su potencial y había adaptado a la gran pantalla algunos de sus libros más representativos.

La fuerza de estas novelas y películas ha hecho que configuren un movimiento artístico dentro del género criminal, con puntos de contacto con lo que en los años 30 y 40 significó el cine negro americano y en los 60 el "noir" francés.

El ciclo 'Generación Millenium' ofrecerá la oportunidad de descubrir títulos de éxito en sus países de origen y que hasta ahora apenas habían gozado de distribución internacional. Así, el público de la Mostra podrá disfrutar de películas como 'Dinero fácil' (basada en el best-seller de Jens Lapidus), 'Beck, el ojo de la tormenta' (a partir de los personajes creados por Maj Sjöwall y Per Wahlöö), 'Reykjavík-Rotterdam', 'La noche del lobo' y 'Fallen angels' (ambas adaptadas, según sus propias novelas, por Tom Egeland), y 'Aurora boreal' (basada en el éxito de Åsa Larsson).

Completan la lista 'La ragazza del lago', 'Nadie lo ha visto', 'Las marismas', 'Inspector Wallander: Pisando los talones' (basada en el best-seller de Henning Mankell), 'Kim Novak never swam in genesaret's lake', 'Olor a lana. Las grietas en el muro' (a partir del libro de Lars Gustafsson), 'Paradise', 'El danés serbio', 'El ojo de Eva' (adaptación del éxito de Karin Fossum), 'Bienaventurados los sedientos' (según la novela de Anne Holt), 'Roseanna' (basada en la obra de Maj Sjöwall y Per Wahlöo) y 'El camino de la serpiente sobre la roca'.

ENTERRADO (pressbook)

2010-09-21T15:59:00.013+02:00

LOGLINE
Despierta. Estás en un espacio cerrado, bajo 2500 metros cuadrados de desierto iraquí. Sólo dispones de 90 minutos de oxígeno. Tu única conexión con el mundo exterior es un misterioso teléfono móvil sin apenas cobertura y batería. Y cada segundo te aproxima un segundo más a la muerte…

SINOPSIS
Paul Conroy, padre de familia y contratista civil en Irak, despierta ENTERRADO VIVO en un viejo ataúd de madera. Sin saber quién lo ha puesto ahí ni mucho menos por qué, su única oportunidad para escapar de su agónica pesadilla es un teléfono móvil. La cobertura precaria, la falta de batería y la escasez de oxígeno son sus peores obstáculos en una carrera a vida o muerte contra el tiempo: Paul sólo dispone de 90 minutos para lograr su rescate.

NOTAS DEL DIRECTOR

EL TAMAÑO
Hay grandes historias e historias pequeñas. Su tamaño no depende de la inmensidad de sus paisajes, el número de personajes o sus pretendidos valores de producción. ¿Es El viejo y el mar una gran historia? ¿Sería más grande si Hemingway hubiera añadido diez o doce pescadores y un par de peces espada? El tamaño de una historia no se mide en centímetros cúbicos, depende sólo de… la historia. Si interesa, si captura la atención y la mantiene sin baches, si obliga a desear saber, a necesitar saber, qué va a suceder. ¿Estoy intrigado, fascinado, el tiempo pasa sin darme cuenta y me siento tan atrapado en la piel de sus personajes que apenas recuerdo que no soy yo el protagonista? Si una historia consigue que uno se sienta de esta manera, es una gran historia. Si no lo consigue, poco importa que haya una legión de orcos, una flota interestelar y el Ejército Rojo al completo luchando entre sí por la hegemonía de la Tierra.
El guión de BURIED lo consigue.
Si alguien me hubiera preguntado hace unos meses si sería posible hacer una película dentro de un ataúd, como mínimo habría tenido que dar un par de vueltas a la manzana antes de contestar. Mis dudas, en realidad, poco habrían tenido que ver con lo estrictamente cinematográfico, sino con la posibilidad de articular una narración que mantuviera el interés del espectador durante hora y media sin recurrir a apoyos adicionales. Eso significa que quien de verdad ha respondido la pregunta con un: «sí, se puede» es su guionista, Chris Sparling. Mi primera pregunta como director me la hago como lector: ¿he necesitado localizaciones extra o
historias paralelas para engullir las páginas del guión hacia su fatal desarrollo?

EL DESAFÍO
BURIED supone un desafío técnico de primera categoría, sería sensato levantar un altar con la silueta de Hitchcock y mantener su espíritu presente a lo largo de todo el proceso. Hitchcock demostró que podía filmar una película entera en una barca en mitad del mar (NÁUFRAGOS) o en un único plano sin romper la unidad de tiempo (LA SOGA); una vez certificado que la estructura dramática fluye como el aceite, corresponde encontrar la planificación precisa que sostenga la atención del espectador sin baches ni distracciones: la articulación narrativa debe
variar a lo largo del metraje para establecer diversos ritmos y ofrecer recursos expresivos que renueven su interés.
La primera regla de oro: NUNCA SALIR A LA SUPERFICIE.
El guión demuestra que podemos mantenernos bajo tierra sin perder en ningún instante el interés; es más: ¡demuestra que DEBEMOS mantenernos bajo tierra! Una narración en
montaje paralelo permitiendo que el oxígeno entrara en la pantalla antes de tiempo sería una traición imperdonable a la angustia de nuestro protagonista (y podemos estar seguros de que el espectador quiere ser partícipe de esa angustia). Emerger hacia la luz mostrando un solitario contestador automático en el pasillo de una casa bañada por la luz de la mañana o enseñar el rostro desconcertado de una telefonista alimentada a base de maíz mientras trata de lidiar con una incómoda llamada fuera del guión, lejos de agrandar la película sólo conseguiría hacerla más pequeña, abaratarla…, tendríamos más centímetros cúbicos y menos grandeza, convertiríamos una gran película de suspense en un mal telefilm. El público debe conectar con
la desesperación solitaria de un hombre obligado a confiar en la abstracción pura, en personas tal vez buenas o tal vez malas, tal vez gordas o delgadas, que quizá sean quienes dicen ser o tal vez no, cuyas voces no son más que confusos impulsos eléctricos lanzados al aire desde un satélite frío y anónimo. La única realidad del protagonista es la angustiosa reducción de su universo rectangular, su oscuridad amenazadora y su única conexión con un exterior incierto que es el último clavo ardiendo al que sujetarse.

EL RODAJE
El resto fue comparativamente fácil. Sólo había que olvidar lo antes posible el ataúd y considerar la localización como cualquier otra, sin dejarse constreñir por medidas de volumen. No dejar de moverse, no permitir que la película se detuviera, convertir cada desplazamiento en una gesta, cada cambio de posición en una quimera, cada decisión en una aventura. Olvidar lecciones objetivas pero limitadoras de clase de Física de instituto y hacer que Paul Conroy recorriera quilómetros y quilómetros a través de su agonía. Los recursos no salieron del baúl de los trucos por orden alfabético, la narración dictó sus necesidades y la película luchó por
reinventarse a sí misma, sin repetirse, avanzando en armas visuales desde la lógica narrativa más implacable. ¿Era necesario realizar un traveling violento de acercamiento cámara al hombro dentro del ataúd?, sólo había que encontrar la manera. Se diseñaron siete ataúdes diferentes para diferentes necesidades. La película trató de robar algo del Scorsese más juguetón y la lógica spielbergiana de sus películas de los 70: sin pantallas verdes ni nodos de alto contraste, sólo el puro goce sudoroso de rodar: cuanto se ve, sucedió, tanto si la cámara
rodea de forma incomprensible al personaje como si desciende desde la altura a lomos de una Technocrane; lo único importante era introducir violentamente al espectador en el cerebro confuso y torturado de Paul Conroy y hacerle sentir la densa humedad de su sudor, la falta de oxígeno, el calor asfixiante, la hiriente arena erosionando su piel, la rugosa madera astillada, los clavos aplastados, con frecuencia oxidados y peligrosos...
La película debía constituir un viaje FÍSICO Y SENSORIAL, un ejercicio activo: una EXPERIENCIA.

Ryan Reynolds.
El rodaje fue breve, exigiendo una enorme concentración mientras permitía que la propia película se nutriera de su energía precisa, tensa y rigurosa. En ocasiones, se realizaron tomas de seis minutos sin cortes, favoreciendo que Ryan Reynolds lograra una absoluta organicidad dramática, permitiendo que sus emociones crecieran y fluyeran, se desarrollasen y derramasen torrencialmente con total impunidad, sin intromisiones artificiales. Los elementos a nuestra disposición eran, objetivamente, mínimos, pero, lejos de considerarlos una carencia, los convertimos en nuestros mejores aliados: sólo quedó lo esencial. Tuvimos que manipular y cuidar los más ínfimos detalles dramáticos de este microcosmos permitiendo que el drama
del personaje enterrado fuera el principal conductor de nuestra atención vapuleada.
Ryan Reynolds es un Stradivarius. El mejor con que uno pueda soñar. La narración está llena de inflexiones: angustia, pánico, desesperación, calma, resignación, violencia, negación, terror, esperanza, tristeza, sufrimiento, humor negro, exasperación, dolor, fatiga, confianza… Ryan busca la verdad en cada plano, y su sentido del timing es sencillamente extraterrestre. ¿Cómo es posible buscar la luz más conveniente mientras se grita a través del móvil poniendo la carne
de gallina a cada miembro del equipo, consiguiendo ser firme pero empático, modulando la voz en progresión, estropeándola de forma controlada, manteniendo un sentido del tempo perfecto y golpeando la linterna con el puño en cada micropausa sin tapar el diálogo, mientras se hace girar el cuerpo hacia un lado para evitar una sombra y ayudar a hacer más fluida una corrección de cámara, virando levemente la dirección de la linterna, rebotando su luz contra el techo para autoiluminarse la mitad correcta del rostro cuando la arena tapa por un instante una fuente de luz? Nadie lo sabe. Él lo hizo día tras día durante tres semanas. Regresó a Los
Ángeles destrozado físicamente, tratando de justificar en la aduana por qué caía arena cada vez que parpadeaba: su sentido del compromiso fue más allá del deber. Sólo 17 días de rodaje, ¿a alguien le importa? 25 planos cada día. A veces 30. A veces 35. Un día, 52. ¿Cómo lo hicimos? Ni siquiera lo sé, así que supongo que no lo hicimos.

NOTAS DE PRODUCCIÓN

BURIED (Enterrado), el esperado segundo largometraje de Rodrigo Cortés, se estrenó
mundialmente el pasado Festival de Cine de Sundance cosechando un enorme éxito. Con colas masivas de hasta seis horas de espera, reventas de tickets por 150 dólares, ovaciones al final de cada proyección y alabanzas unánimes de la crítica, BURIED se convirtió en una de las grandes sorpresas del festival.
Tan sólo once horas después de la ovacionada premiere de BURIED y tras una dura pugna
entre diferentes estudios que hacía años que no se vivía en Sundance, Lionsgate adquirió los derechos de distribución en el mercado norteamericano, convirtiendo a BURIED en la mayor venta en los últimos tres años del festival. Jason Constantine, responsable de adquisiciones de Lionsgate, aseguró: «BURIED es uno de los thrillers más intensos que hemos visto nunca, teníamos la convicción absoluta de que debíamos conseguir esta película». La prensa también se deshizo en elogios hacia la película, y publicaciones tan relevantes como Variety o Ain’t It Cool News comentaron respectivamente que la película es «un ejercicio de tensión sostenida lleno de ingenio que haría que Hitchcock se revolviera en su tumba» y «BURIED lo tiene todo: es única, es innovadora, con una gran interpretación, una dirección
plena de inventiva, un guión perfecto y tensión genuina que crece y crece hasta que uno cree que no lo va a poder soportar más». Paralelamente, BURIED también ha cosechado otros reconocimientos internacionales:
La revista Variety, considerada la Biblia del mundo del cine, incluyó al director español Rodrigo Cortés en su prestigiosa lista «10 directors to watch» del año 2010, con los diez directores a los que seguir la pista este año en el mundo. A lo largo de sus trece ediciones, nos hemos encontrado con nombres que se han hecho un hueco brillante en el mundo del cine, como Christopher Nolan, Wes Anderson, Michael Winterbotton, George Clooney, Alexandre Aja o Alejandro González Iñárritu, pero hasta el día de hoy, de 160 directores han pasado por estas listas, sólo dos directores españoles han formado parte de ella: Juan Carlos Fresnadillo en el año 2002, y el propio Rodrigo Cortés en esta ocasión.
El guión de BURIED, firmado por Chris Sparling, también ha sido reconocido al ser incluido en la Blacklist de Hollywood, una lista muy exclusiva que elaboran cada año los más importantes ejecutivos de la Industria con los mejores guiones que han circulado ese año de películas aún no producidas o en producción. BURIED es el primer guión de una película española seleccionado en la prestigiosa Blacklist.
Asegurado su estreno en las pantallas de todo el mundo, desde Australia a Japón, pasando por la totalidad de Europa, Latinoamérica, Asia y el resto del planeta, BURIED podrá verse en Estados Unidos a partir del 24 de septiembre en cines selectos y en centenares de cines de todo el país a partir del 8 de octubre. En Europa se estrenará a lo largo del mes de octubre, y en España el 1 de octubre.

RYAN REYNOLDS (Paul Conroy)
Ryan Reynolds, uno de los actores más solicitados de Hollywood, interpreta a Paul Conroy en BURIED, dirigida por Rodrigo Cortés, antes de dar vida al superhéroe Green Lantern en la superproducción de Warner que dirigirá Martin Campbell («Casino Royale»), y después de coprotagonizar con Sandra Bullock “La Proposición”, número 1 en taquilla en los Estados Unidos y en muchos países del mundo.
Es uno de los actores más polifacéticos del momento, como lo demuestran sus diferentes papeles en más de treinta películas, entre ellas «Blade Trinity», el clásico de culto «Van Wilder», «La morada del miedo» (que recaudó 107 millones de dólares en todo el mundo) o la comedia romántica «Sólo amigos». Recibió excelentes críticas por su trabajo en «The Nines», escrita y dirigida por John August (guionista de éxitos como «Big Fish» o «La novia cadáver»),
en la que encarnaba a tres personajes diferentes. Asimismo, también fue muy aplaudido su trabajo en «Chaos Theory» y «Definitivamente, Quizás», comedia romántica que protagonizó junto a Rachel Weisz, Isla Fisher, Abagail Breslin, Kevin Kline y Elizabeth Banks.
Más recientemente, ha protagonizado junto a Julia Roberts y Emily Watson «Fireflies in the garden», película presentada en el Festival de Cine de Berlín, y «X‐Men Orígenes: Lobezno», en la que daba vida al mercenario Deadpool, personaje protagonista del spin‐off «Deadpool» que también encarnará Ryan Reynolds.
Hace poco pudimos admirar su trabajo en «Adventureland», junto a Kristen Stewart, comedia que recibió excelentes críticas, y tiene pendiente de estreno la película «Paperman», comedia que también cuenta con la participación de Emma Stone, Jeff Daniels y Lisa Kudrow.

RODRIGO CORTÉS (Director, Productor y Montador)
La afición de Rodrigo Cortés por la dirección se despierta muy temprano; a los 16 años ya había rodado su primer corto en súper‐8: «El descomedido y espantoso caso del victimario de Salamanca», al que seguiría «Siete escenas de la vida de un insecto». A principios de 1998 rueda el videoclip de la canción «Sick of you», del grupo Onion, para la película de Alejandro Amenábar «Abre los ojos». En julio de 1998 realiza el cortometraje «Yul», que obtiene una veintena de premios internacionales, y, en 2001, «15 días», mítico falso documental que se convierte en el cortometraje más premiado de la Historia del cine español en ese momento.
Mientras «15 días» recorre el circuito profesional, aborda diferentes creaciones que reciben numerosos reconocimientos en festivales online como Notodofilmfest. De 2003 a 2005 realiza varios videoclips, y desde 2006 trabaja asiduamente como realizador de publicidad.
“Concursante”, su primer largometraje, es la crónica trepidante del ascenso y caída de un hombre normal que ve cómo su destino experimenta un giro brutal cuando gana el mayor premio jamás concedido en la Historia de la Televisión. Se estrena con gran éxito en el Festival de Málaga en marzo de 2007, donde obtiene varios galardones, incluyendo el Premio de la Crítica a la Mejor Película.

CHRIS SPARLING (Guionista)
Chris Sparling es un guionista, director y actor de Providence, Rhode Island. Además de escribir BURIED, también se ha encargado de la redacción de «Mercy», proyecto que iniciará su producción en 2010. Sus comienzos en el cine se remontan a varios años atrás, cuando dirigió, escribió, produjo y actuó en la película indie de bajo presupuesto «An uzi at the Alamo».

SE ESTRENA EL 1 DE OCTUBRE

SALVANDO LAS DISTANCIAS (pressbook)

2010-09-07T15:40:00.011+02:00

La inteligencia irónica y la sinceridad sin tapujos de Erin (Drew Barrymore) cautivan a un Garrett (Justin Long) que se acaba de quedar sin pareja en un ambiente dominado por las cervezas, las conversaciones de bar y los desayunos de la mañana siguiente. Su química hace nacer un amor de verano en toda regla, pero ninguno de ellos espera que la historia dure mucho cuando Erin regrese a su casa en San Francisco y Garrett vuelva a trabajar en Nueva York. Pero cuando seis semanas de paseos sin rumbo por la ciudad cobran importancia sin darse cuenta, ninguno está seguro de querer que termine. Y aunque Box (Jason Sudeikis) y Dan (Charlie Day), los amigos de Garrett, bromean por su dieta antes de volar y su relación telefónica, en realidad lo hacen porque no quieren quedarse sin su mejor colega de copas por otro romance incierto. Al mismo tiempo, la nerviosa y sobreprotectora hermana casada de Erin, Corinne (Christina Applegate), quiere alejar a Erin de una historia que a todos les suena demasiado familiar.
No obstante, a pesar de vivir en el otro extremo del país, la negativa de sus familiares y amigos y algunas tentaciones imprevistas, la pareja parece haber encontrado algo parecido al amor y, con la ayuda de muchos mensajes, cibersexo y llamadas a altas horas de la noche, tratan de superar la distancia.
La oscarizada directora de documentales Nanette Burstein (“On the Ropes”) ha dirigido “Salvando las distancias”, que supone su debut en la dirección cinematográfica, a partir de un guión de Geoff LaTulippe. La película cuenta con la ganadora de un Globo de Oro Drew Barrymore (“Grey Gardens”), Justin Long, Charlie Day, Jason Sudeikis y Christina Applegate.
El film ha sido producido por Adam Shankman, Jennifer Gibgot y Garrett Grant. Dave Neustadter, Richard Brener y Michael Disco han sido sus productores ejecutivos.
El equipo técnico y creativo se completa con el director de fotografía Eric Steelberg, el diseñador de producción Kevin Kavanaugh, el editor Peter Teschner, la diseñadora de vestuario Catherine Marie Thomas y el compositor Mychael Danna.
New Line Cinema presenta “Salvando las distancias”, una producción de Offspring Entertainment. La película será distribuida por Warner Bros. Pictures, una compañía Warner Bros. Entertainment.

ACERCA DE LA PRODUCCIÓN

LOS PASOS CORRECTOS

“Salvando las distancias”, una comedia desternillante y romántica con ritmo y corazón, cuenta la historia de lo que puede ocurrir cuando una aventura de una noche propiciada por la cerveza y la barbacoa se convierte en algo más.
Cuando Erin y Garrett comienzan su relación, su intención es pasar unas semanas divertidas juntos antes de que ella regrese a la Universidad en San Francisco y él vuelva a su trabajo en Nueva York. Pero cuando Erin está a punto de coger el vuelo que le debe devolver a su hogar, los dos se dan cuenta de que ha surgido algo más profundo entre ellos y no quieren que eso acabe. Por eso deciden probar con una relación a distancia...
La película está protagonizada por Drew Barrymore y Justin Long en los papeles de una pareja separada por todo un país que mantiene una relación prácticamente por teléfono. Barrymore lo explicas así: “Me gustó la historia porque tenía mucho humor y era sexy, aunque también increíblemente emotiva. No podía dejar de pensar en esos personajes, y realmente me preocupaba por qué o cómo iban a ser capaces o no de resolver sus problemas. Me interesa cualquier historia que aborde las complejidades de una relación de forma cómica y moderna”.
“Había leído muchas comedias románticas”, recuerda Long, “y ésta me gustó especialmente porque resultaba mucho más cruda y realista, aunque era al mismo tiempo muy divertida. No hacía ninguna concesión.”
“Al venir del mundo de los documentales, donde capto los hechos de la vida real, quería que mi película resultara lo más real posible, porque en el mundo cotidiano la gente suda y dice lo que se le pasa por la cabeza”, comenta la directora Nanette Burstein. “Se trataba de una historia muy fresca y la premisa era muy natural. Respondía realmente a mis expectativas y pensé que podía gustarles a muchas personas”.
El productor Adam Shankman está de acuerdo. “Resulta verdaderamente honesto explorar los riesgos de las relaciones a distancia, que pueden resultar muy duras independientemente de lo que se adoren los miembros de la pareja”.
Shankman y su socia productora, Jennifer Gibgot, también creen que la naturaleza madura y realista de la comedia resulta refrescante. “Nos interesaba mucho tanto a Jennifer como a mí porque no habíamos entrado nunca en ese territorio, y lo cierto es que mi sentido del humor es un tanto subversivo”, confiesa Shankman.
“Siempre que los personajes puedan hablar como habla la gente de verdad, tienes mucha libertad cuando estás rodando una escena, tanto si se trata de una escena de amor como de un vuelo, no importa", añade Gibgot.
Se trata también del primer guión para una película de Geoff LaTulippe, que no tuvo que buscar muy lejos para inspirarse. “La idea de la historia se me ocurrió – y sé que eso va a sorprender a muchos - cuando estaba de copas una noche", señala con cara de póker. Él y el productor ejecutivo Dave Neustadter estaban sopesando distintas historias cuando Neustadter mencionó que acaba de salir de una relación a distancia. “Dave tenía muchas historias sobre lo que había pasado y ninguno recordábamos que ése hubiera sido el tema de ninguna película anterior, desde luego no de una comedia. Pensamos que estaba llena de situaciones cómicas y también de ciertos aspectos emotivos, aunque poco convencionales. La vida real es poco convencional”.
El guionista no tuvo ningún problema para llegar al límite con los escenarios y los diálogos. Además de su romance, Garrett también mantiene una relación con otras personas muy importantes en su vida, sus mejores amigos, Box y Dan, interpretados por las nuevas estrellas cómicas Jason Sudeikis y Charlie Day. LaTulippe pone a esos personajes en algunas situaciones imprevistas aunque brutalmente reales.
“Ya no estamos en los años 50, a nadie le asusta que a una mujer se le vean las rodillas y diga tacos, así que nos pareció que todo lo que resultara divertido podría encajar en el guión”, recuerda divertido Day.
“¿Pero había guión? A mí no me lo dieron”, bromea Sudeikis.
“El mundo está lleno de personas irónicas, y Geoff es sin duda una de ellas", afirma Shankman. “La historia no es demasiado sincera, porque tiene personajes irónicos que saben que están viviendo en el mundo real y haciendo lo que las personas reales hacen para tratar de estar juntas en las que puede que no sean las mejores circunstancias. Y eso incluye mantener su sentido del humor”.
El productor Garrett Grant concluye: “Las circunstancias económicas actuales lo están poniendo todo más difícil para las personas jóvenes que no han terminado de asentar su carrera. Hacer que todo funcione puede ser muy duro cuando no tienes muchas alternativas. No tener el lujo de trabajar donde se quiere ni el dinero necesario para viajar de acá para allá es a menudo muy complicado, y eso termina por afectar”.

ALGUNOS HOMBRES BUENOS

La química en la pantalla es aún más importante en una comedia romántica, pero si el equipo quiere explotar especialmente los aspectos cómicos de la cinta, la química entre todo el reparto puede llegar a ser crítica, especialmente porque Burstein quería promover la improvisación en el rodaje.
“Quería que todo fuera muy relajado y resultara lo más real posible, así que todos tuvimos claro que teníamos que encontrar a actores con un gran talento pero también divertidos de por sí”, explica la directora.
“Fue como una especie de conjunción planetaria”, afirma Grant sobre el reparto del film, que incluye a toda una veterana de las comedias románticas como Drew Barrymore, Justin Long, Christina Applegate y los actores cómicos Jason Sudeikis y Charlie Day.
Gibgot lo explica así: “Puesto que Erin y Garrett pasan tanto tiempo separados, sus familiares y amigos son personajes muy importantes, y queríamos rodear a Drew y Justin de unos actores de reparto increíbles, de forma que todos aportaran algo divertido al proyecto”.
El papel de la aspirante a periodista Erin obligaba a Barrymore a ser valiente y vulnerable al mismo tiempo, con un inteligente sentido del humor. “Drew siempre había interpretado a personajes tipo ‘novia de América’, pero Erin es lista, dice tacos y no tiene pelos en la lengua, lo que la sitúa al mismo nivel que los chicos. Drew ha sido capaz de interpretar el papel sin perder un ápice su encanto”, declara Burstein.
“Erin es una chica muy fuerte; es capaz de ir de bares y ganar en los videojuegos y luego ligar con un chico”, comenta Barrymore. “Pero ya antepuso una relación a todos sus sueños una vez y salió escarmentada, así que no está dispuesta a volver a hacerlo. Me gustó mucho poder interpretar a una chica con la lengua muy larga, inteligente y sincera. Me gusta su forma de ser valiente”.
“Para una mujer de unos 30 años con estudios, seguir ocupando puestos de becaria en un mercado de trabajo cada vez más complicado donde hay mucha competencia puede resultar frustrante”, comenta Shankman. “Así que, como les ocurre a muchas jóvenes profesionales, Erin sale después del trabajo para relajarse. “Se esfuerza tanto por divertirse como en el trabajo”, añade el productor. “Creo que para Drew ésta ha sido una oportunidad refrescante de cambiar de registro y está estupenda en su papel”.
El objeto amoroso de Erin es Garrett, un cazatalentos amante de la música independiente que se ve obligado a trabajar con grupos mucho más comerciales en el sello para el que trabaja. También se dedica a torpedearse a él mismo en lo que a las relaciones serias se refiere. Este papel ha sido interpretado por Long, al que Shankman describe como “una especie de ‘persona cualquiera’ con el que resulta fácil identificarse, independientemente de si somos hombres o mujeres”.
“Garrett está atrapado, tanto personal como profesionalmente", afirma Long. "Es un ejecutivo de bajo nivel que trata de escalar puestos en un sector que, en su opinión, está bastante acabado. Y le acaba de dejar una chica con la que llevaba varios meses porque, una vez más, no ha sido capaz de dar el siguiente paso. Y entonces conoce a esta chica, un tanto alocada, osada y descarada, que además es muy mona y le hace reír. Así que siente curiosidad, y (siento ‘destripar’ la película), decide salir con ella”.
“Para mí, tanto Erin como Garrett son unos personajes muy sinceros y con sus propios defectos”, señala Shankman. “Garrett se comporta muy mal en ocasiones, Erin es quien lo hace otras veces, y los dos son egoístas. Pero incluso aunque la vida se empeña en ponérselo difícil, ellos están decididos a darse una oportunidad antes de llegar a asumir un compromiso tan grande. Y aunque el humor está presente en casi toda la película, las escenas más emotivas entre Justin y Drew son las que verdaderamente sustentan la película”.
En todo el film, tanto Erin como Garrett cuentan con el apoyo – y el escepticismo – de sus amigos y, en el caso de Erin, de su familia. Christina Applegate interpreta a Corinne, la sobreprotectora hermana de Erin que no es que esté precisamente encantada con las aventuras sentimentales de su hermana, ni con las pasadas ni con la actual.
Applegate dotó a su personaje de una "trastienda" en la que "habrían estado ellas dos solas durante muchos años; pensé quizás en que Corinne había criado a Erin en cierto sentido”, especula la actriz. “Así que controla mucho su mundo aunque, al mismo tiempo, tiene sus propios momentos en los que no se porta del todo bien”.
“Christina y Drew son estupendas”, apunta Burstein. “Aunque era la primera vez que trabajaban juntas, parecían hermanas”.
Barrymore está de acuerdo. “Me ha encantado trabajar con Christina”, afirma. “Ha sido una gran inspiración para mí y me ha hecho reír todo el tiempo”.
En la costa opuesta, Garrett se ve mucho con sus mejores amigos, Box y Dan, a los que les gusta Erin, aunque no están seguros de que les termine de gustar Garrett cuando está con ella – o, más concretamente, cuando ella se va – y que se pase todo el tiempo enviándole mensajes y hablando por teléfono.
Box, que trabaja en la misma discográfica que Garrett, está interpretado por Jason Sudeikis. “Box es el mejor amigo de Garrett, el que se sabe toda su vida”, observa Sudeikis. “Con toda esa tecnología que hace posible ‘quedar’ con alguien que está a kilómetros de distancia, Box se siente un tanto frustrado porque su mejor amigo no está con él, aunque lo tenga sentado delante”.
Charlie Day es Dan, el compañero de piso de Garrett y su amigo más sincero, aunque no muy listo, que trata de saber más sobre el romance de Garrett aprovechando que las paredes de su piso son como de papel de fumar. Day lo explica así: “A menudo, Dan escucha todo lo que pasa en la habitación de Garrett, y le hace comentarios desde el otro lado o le pone música que cree que va con la ocasión. No sólo es su mejor amigo, es el DJ de su vida”.
“Jason interpreta a Box con mucha maestría, y Charlie es tan dulce como Dan, así que la forma de interactuar entre ellos ha sido realmente divertida", comenta Gibgot. “Este trío es muy auténtico. Resultan divertidos y conectan muy bien entre ellos, y creo que eso se deja sentir en la película”.
A este cóctel masculino hay que sumar a los actores cómicos Jim Gaffigan, que interpreta al marido de Corinne, Phil, y a Ron Livingston, que es Will, el jefe de Garrett en la compañía discográfica.
“El reparto es estupendo”, concluye Burstein. “Son aún más divertidos de lo que imaginaba. Al ser mi primera incursión en el mundo de la dirección, creo que he tenido mucha suerte”.

LEJOS, MUY LEJOS

“Salvando las distancias” se rodó totalmente en localizaciones de la ciudad de Nueva York y sus alrededores, con una segunda unidad que se encargó de rodar los exteriores necesarios de San Francisco después de que ya tenían terminada la producción principal.
“Puesto que se trata de una película sobre las relaciones a larga distancia, las ciudades en las que viven los personajes son su punto de apoyo”, afirma Shankman. “Siempre me ha gustado el romanticismo de Nueva York y San Francisco. Puedes sentirte solo y al mismo tiempo ser parte de una comunidad porque estás rodeado de vida, vayas donde vayas”.
Para capturar el tono correcto, Burstein colaboró con el director de fotografía Eric Steelberg, el diseñador de producción Kevin Kavanaugh y la diseñadora de vestuario Catherine Marie Thomas.
Entre los exteriores de Nueva York presentes en la película destacan varias zonas de Central Park. Las escenas clave se rodaron en el famoso Sheep’s Meadow, el Literary Walk en la parte sur del Mall, y el lago, en el que Barrymore, Long, Sudeikis y Day se amontonan todos juntos en una de las codiciadas barcas.
Aprovechando su bagaje en el mundo de los documentales, Burstein se sirvió de una unidad muy pequeña de estilo "guerrilla" para rodar varias escenas entre Erin y Garrett. “Queríamos mostrar cómo se enamoran en una serie de citas, por lo que salimos a rodar en alta definición y totalmente sin guión en Coney Island y Chinatown”, recuerda la directora. El equipo técnico y los actores lograban pasar desapercibidos durante un breve espacio de tiempo, lo justo antes de que la gente comenzara a reconocer a Barrymore y Long.
La producción se rodó en The Half King, un bar/restaurante del centro del que Burstein es co-propietaria y que se utilizó como el lugar en el que Erin trabaja de camarera y se convirtió en el punto de encuentro favorito tanto de los actores como del equipo técnico durante la producción. También rodaron en ni más ni menos que otros 11 bares y/o restaurantes, desde el Upper West hasta Lower East, pasando por Brooklyn.
Una serie de interiores se rodaron también en los estudios Hellgate de Queens, donde Kavanaugh y su equipo crearon varios escenarios: el piso de Garrett y Dan, incluido el dormitorio de Garret, cuya decoración influye en la primera oportunidad de Dan para poner música a la historia de Garrett y Erin; el salón de rayos UVA donde Garrett trata de dar algo de color a su pálida y lechosa piel típica de la costa este; y el dormitorio de Erin en la casa de su hermana en San Francisco. El resto de la casa en San Francisco se rodó en Riverdale, Nueva York, y una vivienda de verdad representa los espacios restantes del hogar de Corinne y Phil a las afueras de San Francisco.
También se pueden ver clásicos de la ciudad como el aeropuerto JFK, que también hace las veces del aeropuerto de Oakland; Chelsea Piers, donde los chicos juegan al golf; y el Pratt Institute, que se aparece como la Universidad de Stanford. Además, se utilizaron dos periódicos locales en la producción; las oficinas del New York Daily News sustituyeron al San Francisco Chronicle y, en la escena, el director del periódico aparece como extra. Las oficinas de trabajo de Associated Press son las oficinas ficticias del New York Sentinel en el que Erin trabaja como becaria. Ésta ha sido la primera vez que una producción se ha rodado dentro de las instalaciones de esta histórica agencia de noticias, que se mantuvieron abiertas durante el rodaje. De hecho, puede verse a algunos empleados de AP trabajando muy duro en un segundo plano.
“Tuvimos la gran suerte de rodar en Nueva York en verano”, comenta Grant. “El tiempo era estupendo, y la ciudad es enormemente visual y rebosa carácter. No nos tuvimos que esforzar mucho para que todo estuviera perfecto, todo estaba ahí a nuestra disposición." El reparto y el equipo técnico pasaban gran parte de su tiempo libre juntos, disfrutando de la buena mesa y bebiendo en distintos locales. “Llegamos a un punto en el que todos decíamos: ‘Vale, nada más de comida, tenemos que dejar de comer ya.’”, recuerda divertido. “Nos lo pasamos muy bien”.

LOS OUTSIDERS

La música contribuye a la diversión en “Salvando las distancias”, y el equipo tuvo la inmensa suerte de encontrar a The Boxer Rebellion, que aparece en la cinta como un grupo novel y sin sello que Erin descubre a Garrett durante una visita de éste a San Francisco. El guitarrista Todd Howe, el bajista Adam Harrison, el batería Piers Hewitt y el cantante Nathan Nicholson componen este grupo británico que, tanto en la vida real como en la película, no han firmado con ninguna discográfica. Llegaron a la película de la mano de un ejecutivo de New Line que los había visto durante su actuación en Los Ángeles. En un primer momento, se había pensado en que fueran actores los que interpretaran estos papeles usando una banda sonora de fondo, pero este descubrimiento les hizo cambiar de idea. El grupo tocó en vivo durante el rodaje, dotando a las escenas de un toque realista y permitiendo a los actores meterse en un auténtico ambiente de concierto.
“Estoy encantado de contar con The Boxer Rebellion en la película”, afirma Burstein. “Tienen un sonido muy fresco, y no suenan a cine. Cuando les escuché, al momento ya estaba imaginando las escenas que iban a tocar”.
Aunque el grupo está acostumbrado a escribir sus propios temas, encontraron el proceso de crear canciones para una película bastante diferente.
“Hay muchas pautas”, comenta Nicholson. “Por ejemplo, tuvimos que escribir una introducción más larga de lo habitual para la canción que tocamos durante el concierto en la película para que pudieran encajar el diálogo encima”.
Sin embargo, el grupo no se achicó, apunta Hewitt. “Normalmente, cuando escribimos, no tenemos un guión dándonos instrucciones sobre el tema o el tono ni a nadie diciéndonos ‘hazlo un poco más así o un poco menos asá’, así que el proceso es diferente. Pero ha estado bien para variar”.
Además de escribir las canciones y asistir al rodaje, también se lo pasaron muy bien delante de las cámaras. "Nunca hubiera pensado que íbamos a poder participar en una película, es totalmente increíble", confiesa Howe.
“Ha sido una experiencia genial y una gran plataforma para nosotros”, añade Nicholson.
“Está bien, hasta ahora nuestra cara sólo había salido por la radio”, bromea Harrison.

AMOR ETERNO

Como muchas parejas reales que tienen que estar separadas, los personajes de “Salvando las distancias” tratan de mantener tanto el humor como la emoción que fluye a raudales cuando está juntos.
“Aunque Erin y Garrett están separados por miles de kilómetros, queríamos asegurarnos de no separar el corazón del humor”, señala Drew Barrymore. “Hemos tratado de integrar ambos aspectos en toda la película, sin excepciones”.
Justin Long está de acuerdo, y añade que “parte del atractivo para mí y, espero que para el público, es que la película no se contiene en nada, como las relaciones, como la vida misma”.
En palabras del productor Adam Shankman; “Creo que la gente se va a ver muy reflejada a ella misma o a sus familiares y amigos en estos personajes. Resultan emotivos y honestos y, si me lo preguntas, absolutamente divertidos”.
La directora Nanette Burstein señala: “Creo que se trata de una comedia hilarante y honesta sobre las pruebas y tribulaciones que implica una relación a distancia, y cómo puedes equilibrar tu vida – profesional y amorosa – si tienes 30 años y crees que ya deberías tenerlo todo resuelto. Es lo profesional frente a lo amoroso, y resulta verdaderamente divertido ver lo que se puede conseguir al final”.

ACERCA DEL REPARTO

DREW BARRYMORE (Erin) es una de las actrices favoritas del público desde hace casi tres décadas ya. También está disfrutando de un gran éxito detrás de las cámaras como productora con su propia empresa, Flower Films, responsable de títulos de éxito como “¿Qué les pasa a los hombres?”, “Nunca me han besado” y “50 primeras citas”, y de las cintas de acción “Los ángeles de Charlie” y “Los ángeles de Charlie: Al límite”. Además de producirlas, Barrymore protagonizó junto a Cameron Díaz y Lucy Liu las dos entregas de “Los ángeles de Charlie”, que, en su conjunto, recaudaron más de quinientos millones de dólares en todo el mundo.
A principios de este año, Barrymore ganó un Globo de Oro y un premio del Sindicato de Actores (SAG) y fue nominada a los Emmy por su interpretación, junto a Jessica Lange, en “Grey Gardens”, para la HBO. También ha recibido muy buenas críticas y una estupenda audiencia por su trabajo en numerosas comedias como “¿Qué les pasa a los hombres?”, con Jennifer Aniston, Ben Affleck y Scarlett Johansson; “Amor en juego”, junto a Jimmy Fallon bajo la dirección de los hermanos Farrelly; la aclamada sátira biográfica de George Clooney “Confesiones de una mente peligrosa”, con Sam Rockwell; “Los chicos de mi vida”, de Penny Marshall; “El chico ideal” y “50 primeras citas”, ambas junto a Adam Sandler; “Todo queda en casa”, con Luke Wilson; y “Nunca me han besado”, que supuso el debut como productora de Barrymore; “Tú la letra, yo la música”, con Hugh Grant; y el drama “Lucky You”, del director Curtis Hanson. También ha prestado su voz en las películas animadas “Chihuahua en Beverly Hills” y “Jorge el curioso”.
Más recientemente, Barrymore ha hecho su debut como directora con la comedia ambientada en el mundo de la hípica “Whip It!”, protagonizada también por ella junto a Ellen Page y Juliette Lewis, y también ha protagonizado “Everybody’s Fine”, con Robert De Niro, Kate Beckinsale y Sam Rockwell.
Barrymore dio sus primeros pasos en el cine en el thriller de ciencia-ficción de 1980 "Viaje alucinante al fondo de la mente". Sin embargo, fue su cautivadora aparición como la precoz Gertie de “E.T.: El extraterrestre”, el taquillazo de Steven Spielberg de 1982, el que catapultó a la joven actriz al estrellato. Después de esta cinta, protagonizó el thriller “Ojos de fuego” y la comedia “Diferencias irreconciliables”, por la que fue nominada a un Globo de Oro como Mejor Actriz de Reparto.
Entre sus otros muchos trabajos destacan “Los ojos del gato”, con guión de Stephen King; “Far from Home”; “Poison Ivy”; “Guncrazy”, por la que de nuevo fue nominada a los Globos de Oro como Mejor Actriz; “Cuatro mujeres y un destino”; “Sólo ellas… Los chicos a un lado”, de Herbert Ross; “Amor loco”; “Batman Forever”; “Todos dicen I Love You”, de Woody Allen; “Por siempre jamás”, de Andy Tennant; y la cinta de terror de Wes Craven “Scream”, la primera dentro de una exitosa franquicia.

JUSTIN LONG (Garrett) se ha convertido en uno de los actores más demandados de Hollywood. Recientemente ha terminado la producción de “The Conspirator”, que se estrenará en el Festival Internacional de Cine de Toronto de 2010. Dirigida por Robert Redford, Long protagoniza la cinta junto a Robin Wright, James McAvoy y Evan Rachel Wood. Anteriormente, Long había participado en “Youth in Revolt”, con Michael Cera y Steve Buscemi.
En 2009, Long apareció en distintos títulos entre los que destacan la adaptación al cine del popular libro "¿Qué les pasa a los hombres?", dentro de un reparto coral compuesto por Ben Affleck, Jennifer Aniston, Drew Barrymore, Ginnifer Goodwin y Scarlett Johansson; en el papel protagonista junto a Alison Lohman en “Arrástrame al infierno”, de Sam Raimi; “¿Hacemos una porno?”; “Hazme reír”; y “Serious Moonlight”. En 2007, también protagonizó “La jungla 4.0”, con Bruce Willis, y ha prestado su voz a Alvin en las exitosas “Alvin y las ardillas” y “Alvin y las ardillas 2”, además de a Lem en “Planet 51”.
Como miembro de la compañía de comedia del Vassar College, en Laughingstock, Long dio sus primeros pasos en el mundo de la comedia, lo que le llevó a sus primeros papeles protagonistas en títulos como “Héroes fuera de órbita” y “Jeepers Creepers”. Posteriormente se encaminó hacia la pequeña pantalla con su papel en la serie para la NBC "Ed", y se aventuró en el mundo de las comedias disparatadas con su primer gran éxito de taquilla “Cuestión de pelotas”. Desde ese momento, interpretó papeles en títulos como “Accepted”, producida por Tom Shadyac, y “Separados”, junto a Vince Vaughn y Jennifer Aniston. También apareció en “Naturaleza a lo bestia”, producida por Adam Sandler, junto a Steve Zahn, e hizo un cameo en “Wild West Comedy Show”, de Vince Vaughn.
Además de su trabajo como actor, Long también es una imagen habitual en los hogares gracias a su aparición regular como “Mac Guy” en los anuncios de Apple Mac vs. PC.

SE ESTRENA EL 10 DE SEPTIEMBRE

ÁGORA (adaptación)

2010-08-27T23:22:00.003+02:00

ÁGORA
Marta Sofía
Planeta, Barcelona, 2009

- Hoy comprendo que esa bella melodía no estaba escrita para el oído de los sabios, sino para la sutil percepción de una mujer. Pág. 9

- Sí, es cierto, durante mucho tiempo yo fui un esclavo, pero mi corazón y mi mente eran libres y estaban llenos de ilusiones. Ahora soy un hombre de esos que se consideran libres, pero soy prisionero de mis recuerdos, y mi corazón está encerrado en la peor de las condenas: la culpa. ¿Acaso sois vosotros más libres de lo que yo fui? ¿Acaso vuestros corazones están libres de toda condena? Yo daría toda mi vida en libertad por uno solo de esos instantes que viví siendo el esclavo de Hipatia, la filósofa de Alejandría. Pág. 10

- Cuando estuve listo, pasé a ser el esclavo personal de Hipatia. Con el tiempo comprobé que la educación que ella había recibido era más amplia y exquisita que la de cualquier filósofo o gobernante que frecuentaban el hogar. Instruida personalmente por su padre, Hipatia gozaba de plena libertad y autonomía, amor por el saber y pasión por la política de la ciudad. A pesar de su belleza, de su buen juicio y de ser unos años mayor que yo, todavía no estaba casada. Vestía la toga de los filósofos, y puedo jurar que cuando éstos venían a la casa su opinión era escuchada no como la de uno más, sino con mayor atención. Año tras año, su sabiduría crecía y con ella mi devoción, pero no era el único, Hipatia era muy admirada por toda la ciudad. Estaba absolutamente dedicada al conocimiento y su fama llegó a ser tal, que se convirtió en maestra, pero no en una maestra cualquiera, sino en la maestra de la élite. Pág. 19

- La luz de la ventana anexa iluminaba su rostro, y su mirada estaba perdida la mayor parte del tiempo. No duraba largo rato leyendo los papiros, no era la Hipatia concentrada en sus estudios que yo había conocido. No, era una Hipatia abatida y triste, pensativa y ausente, una Hipatia despojada de su fortaleza habitual y que ahora, ante mis ojos, era la imagen de la fragilidad. Pág. 123

- Y son mis recuerdos los que he narrado. Me habría gustado hablaros de un tiempo de tolerancia, de un tiempo de libertad; de un lugar de convivencia pacífica, de una generación libre de ignorancia… Pero quizá sea demasiado pronto. Quizá los hombres necesiten de varios siglos para aprender que ninguna idea vale más que la vida de un ser humano y que nadie es poseedor de la verdad… O quizá no aprendan nunca. Pág. 300

BLADE RUNNER (adaptación)

2010-08-07T23:26:00.001+02:00

BLADE RUNNER ¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas?
Philip K. Dick
Edhasa, Barcelona, 2000

- Ese había sido el incentivo básico de la inmigración. El androide era la zanahoria, y la lluvia radiactiva el látigo. La ONU hizo que emigrar fuera fácil, y difícil –cuando no imposible- quedarse. Permanecer en la Tierra significaba la posibilidad de ser clasificado en cualquier momento como biológicamente inaceptable, una amenaza contra la herencia prístina de la estirpe humana. Una vez calificado “especial”, un ciudadano quedaba, aunque aceptara la esterilización, al margen de la historia. Cesaba de pertenecer a la humanidad. Y sin embargo, aquí y allá había personas que se negaban a emigrar: eso constituía una irracionalidad sorprendente incluso para los interesados. Lógicamente, todos los normales tenían que haber emigrado ya. Quizás, a pesar de su deformación, la Tierra seguía siendo familiar e interesante. O quizá quienes permanecían imaginaban que la nube de polvo terminaría por caer. De todos modos, miles de personas se habían quedado, agrupadas en su mayoría en zonas urbanas donde podían verse físicamente, y animarse mutuamente con su presencia. Estos parecían relativamente cuerdos; pero además –una dudosa adición- había en los suburbios, virtualmente abandonados, seres ocasionales y peculiares. Pág. 22

- Pensó también en su necesidad de un animal verdadero. Una vez más se manifestaba el odio que le inspiraba su oveja eléctrica, que debía cuidar y atender como si estuviera viva. La tiranía de los objetos, pensó. Ella no sabe que yo existo. Como los androides, carece de la capacidad de apreciar la existencia de otro ser. Jamás había pensado antes en la semejanza entre los animales eléctricos y los andrillos. Un animal eléctrico era una forma inferior, un robot de menor calidad. O a la inversa, un androide era una versión altamente desarrollada del seudoanimal. Las dos ideas le resultaban repulsivas. Pág. 41

REVOLUTIONARY ROAD (adaptación)

2010-07-12T12:25:00.000+02:00

REVOLUTIONARY ROAD
RICHARD YATES
SANTILLANA EDICIONES, MADRID, 2009

* No creo que haya estado nunca tan aburrida y harta y deprimida como ayer por la noche. Y, encima, la historia esa del hijo de Helen Givings, y cómo nos lanzamos todos encima como perros sobre un pedazo de carne; recuerdo que te miraba y pensé: “Dios, ojalá se callara de una vez”. Porque todo lo que decías se basaba en esta gran premisa de que nosotros somos superiores y especiales, y me daban ganas de decir: “¡No es verdad! ¡Fíjate bien!¡Somos iguales que la gente de la que estás hablando! ¡Somos esa misma gente de la que estás hablando!”. Sentí, qué se yo, desprecio hacia ti, porque no te dabas cuenta de que todo era una gran falacia. Y esta mañana, cuando te has ido, cuando bajabas en el coche hacia la curva, vi que te volvías para mirar la casa como si fuera a morderte. Te veía tan desdichado que casi me pongo a llorar, y luego me he sentido más sola que nunca y he pensado: Vamos a ver, ¿cuándo empezó a ir todo tan mal? Si la culpa no es suya, entonces ¿de quién? ¿Cómo fue que nos metimos en este sueño mezquino de los Donaldson y los Cramer y los Wingate? Sí, sí, y los Campbell también, porque otra cosa que he comprendido hoy es que los Campbell son una grandísima y colosal pérdida de tiempo. Y de pronto empecé a verlo claro (en serio, Frank, fue casi una revelación), estaba ahí en la cocina y de repente lo vi claro: la culpa es mía. Siempre ha sido así, y puedo decirte cuándo empezó todo. Puedo decirte el momento exacto en que empezó. Pág. 144

* Vamos Frank. ¿De verás crees que los artistas o los escritores son los únicos que tienen derecho a vivir una vida propia? Escucha: no me importa si te pasas cinco años sin hacer nada; no me importa si al cabo de cinco años decides que lo que más te gustaría es ser albañil o mecánico o marino mercante. ¿Me entiendes? No tiene nada que ver con talentos específicos y computables; lo que se está malogrando, lo que se está negando una y otra vez con el tipo de vida que llevamos es tu esencia misma, tu identidad. Pág. 149

* Todo este país está podrido de sentimentalismo –dijo Frank una noche, girando pesadamente para situarse en el centro de la sala-. Se ha estado extendiendo como una epidemia durante años, generación tras generación, y ahora todo lo que queda es fofo y enfermizo.
-Exactamente –dijo ella embelesada.
-Quiero decir, ése es el verdadero problema, si lo piensas bien. Sí, más aún que el ánimo de lucro y la pérdida de valores espirituales o el miedo o el miedo a la bomba atómica… O quizá es el resultado de todas esas cosas; quizá es lo que ocurre cuando todo esto empieza a actuar a la vez sin una tradición cultural capaz de asimilarlo. En fin, sea cual sea la causa, está matando a los Estados Unidos. ¿O no? Toda esa constante e insistente vulgarización de cualquier idea, de cualquier sentimiento, que los convierte en alimento intelectual para bebés; este sentimentalismo optimista, vanamente risueño, facilón, en la visión que la gente tiene de la vida… Pág. 164

* El único error real, la única cosa injusta y deshonesta, había sido verle como algo más que eso. Oh, durante un par de meses, sólo por diversión, no habría estado mal jugar a eso con un chico; ¡pero tantos años seguidos! Y todo porque, en una época de soledad sentimental, le había resultado fácil y agradable creerse todo lo que a aquel chico en concreto le parecía bien decir, y devolverle ese placer diciendo ella misma mentiras fáciles y agradables, hasta que cada cual decía lo que el otro más quería escuchar… Hasta que el afirmaba: “Te quiero”, y ella afirmaba. “De veras; eres la persona más interesante que he conocido nunca”.
¡Qué cosa más sutil y traicionera entusiasmarse de esa forma! Porque tan pronto empezabas era terriblemente difícil parar; y al poco tiempo estabas diciendo: “Perdona, tienes razón, por supuesto” y “Lo que tu prefieras” y “Eres la criatura más estupenda y valiosa del mundo”, y a renglón seguido sabías que toda verdad y toda sinceridad quedaban lejos y eran tan desesperadamente inalcanzables como el mundo de los privilegiados. Luego descubrías que tu manera de abordar la vida era la misma con que los Laurel Players abordaban El bosque petrificado, o como Steve Kovick atacaba sus tambores: intensa, desmañada, llena de jactancia y totalmente errónea; decías sí cuando en realidad quería decir no, y “En esto tenemos que estar unidos” cuando en realidad querías decir lo contrario. Luego aspirabas gasolina como quien aspira flores y te abandonabas a un delirio de amor bajo el peso de un hombre colorado y torpe y gruñón que ni siquiera te gustaba –Shep Campbell- y después te enfrentabas cara a cara, en completa oscuridad, el hecho de que no sabías quién eras. Pág. 370

MATAR A UN RUISEÑOR (adaptación)

2010-07-03T13:29:00.000+02:00

MATAR UN RUISEÑOR
HARPER LEE
CÍRCULO DE LECTORES, BARCELONA, 1969

- Preferiría que disparaseis contra botes vacíos en el patio trasero, pero sé que perseguiréis a los pájaros. Matad todos los arrendajos azules que queráis, si podéis darles, pero recordad que matar a un ruiseñor es pecado…. Los ruiseñores no se dedican a otra cosa que a cantar para alegrarnos. No devoran los frutos de los huertos, no anidan en los arcones del maíz, no hacen nada más que derramar el corazón, cantando para nuestro deleite. Por eso es pecado matar a un ruiseñor. Pág. 118
- En Maycomb “un rato” significaba un periodo de tiempo que podía oscilar entre tres días y treinta años. Pág. 164
- El resto de la tarde transcurrió en medio de la suave melancolía que desciende cuando se presentan los parientes, pero la tristeza se disipó cuando oímos entrar un coche en el paseo. Pág. 165
- Porque vosotros sois niños y podéis comprenderlo –dijo-. Las cosas del mundo no le han pervertido el instinto todavía. Deja que se haga un poco mayor y ya no sentirá asco ni llorará. Quizá se le antoje que las cosas no están… del todo bien, digamos, pero no llorará; cuando tenga unos años más, ya no. Pág. 257
- Cuando sea mayor, creo que seré payaso –dijo Dill. Jem y yo nos paramos en seco. Sí, señor. En relación a la gente, no hay cosa alguna en el mundo que pueda hacer si no es reírme; por lo tanto, ingresaré en el circo y me reiré hasta volverme loco.
- Lo tomas al revés, Dill –advirtió Jem. Los payasos son hombres tristes; es la gente la que se ríe de ellos. Pág. 276
- Mira, hubiera sido una cosa así como matar a un ruiseñor… pág. 354
- Atticus tenía razón. Una vez nos dijo que uno no conoce de verás a un hombre hasta que se pone dentro de su pellejo y se mueve como si fuera él. El estar de pie, simplemente, en el porche de los Radley, fue bastante. Pág. 358

SEXO EN NUEVA YORK 2 (Crítica)

2010-06-01T20:05:00.002+02:00

Quién le iba a decir a la escritora Candance Bushell que los personajes femeninos de su librito se convertirían en un fenómeno mundial abarcando casi doce años, seis temporadas de serie de televisión, una primera película (con más de 415 millones de dólares recaudados) y esta segunda parte que… ya veremos…
Cuenta su guionista-director-productor Michael Patrick King (autor también de dos clásicos como “Will & Grace” y “Murphy Brown) que “cuando se estrenó la primera película veía las colas que formaban las mujeres que iban a verla y todas estaban vestidas como si fueran a una fiesta, no al cine. Me dí cuenta de que querían celebrar ese día tan especial con sus amigas, las de la butaca de al lado y las de la pantalla. Pensé para mis adentros: quiero que la secuela sea la continuación de la fiesta. Quiero que sea la fiesta”.

Y así ha sido. Arrancan los primeros minutos de metraje con una boda de dos de los mejores amigos homosexuales de nuestras chicas, frívola y exagerada en términos inconmensurables en la que la actuación de Liza Minnelli a lo Beyoncé no tiene desperdicio. El cameo de nuestra Penélope Cruz, haciendo de una tal “Carrión”, tampoco.
Pero ¿qué es lo que tienen las historias de estas cuatro chicas, con chicos, con pasta que las hace tan… “cercanas”?
Según la opinión de otro de sus productores John Melfi “en esta película, nuestros personajes conocen un estilo de vida con el que la mayoría de nosotros sólo podemos soñar. Pero es lo que siempre ha hecho el cine, permitirnos evadirnos durante un par de horas y vivir indirectamente con una gente maravillosa en un mundo repleto de glamour que de otra forma nunca habría estado a nuestro alcance”.
En realidad, y gracias a un divertido flashblack ochentero, descubrimos la “normalidad” de estas cuatro mujeres (una camarera, una abogada, una dependienta y una niña bien) y como veinte años atrás, llegaron a la ciudad de Nueva York dispuestas a comerse la Gran Manzana y atraídas como miles de mujeres de veintitantos por la fórmula de las dos “tés”: tiendas y tíos.

Con Carrie (Sarah Jessica Parker), Samantha (Kim Cattrall), Charlotte (Kristin Davis) y Miranda (Cynthia Nixon) aprendimos que en el mercado del amor no era tan fácil reconocer las falsificaciones. Pasados los años, horas fueron y aquí vuelven ahora: todas exitosas y bien casadas, dispuestas esta vez a contarnos qué pasa después del “y fueron felices y comieron perdices”. El problema de la maternidad en una perfeccionista, el de la menopausia en una hedonista, el de la posible pérdida de identidad en una soltera independiente… Es curiosa la evolución del personaje de Miranda. La conocimos como una mujer cínica y amargada, siempre a la defensiva, de la escuela del amor libre y finalmente, madre soltera. Encontró a Steve, tuvo que superar su infidelidad; encontró un prestigioso bufete de abogados, tuvo que superar el machismo de su jefe… y ahora, más segura y más observadora y más honesta que nunca, es la que se ocupará emocionalmente de las otras tres.

A pesar de esto, Carrie, la escritora, sigue siendo esa especie de narradora de toda la historia, de alma de todas ellas, puesto que aún cuando la trama se concentra en otro personaje, la escuchamos a ella y lo vemos y lo vivimos a través de ella. Se ha pasado años escribiendo sobre la búsqueda del amor y ahora, hallado finalmente, debe hablar de aquello que viene después: cierta rutina, cierto conformismo… Un encuentro casual y mágico con su ex novio Aidan (John Corbett) le hará “recalificar” su personal cielo inmobiliario con su marido.
De alguna manera, la otra mitad del público, también pueden sentirse así identificados con los hombres que acompañan a estas mujeres, como bien los describe su creador: “los héroes silenciosos”.

Finalmente, destacar el trabajo de su director de fotografía John Thomas (”La noche que nunca tuvimos”, “Barcelona”, “Norma Jean & Marilyn”…) que hacen de Nueva York y de Abu Dhabi, respectivamente, otro personaje más. Cierto es, que todo lo que parece Emiratos Árabes esta rodado en Marrakech y parte del Sáhara, pero la medina, el zoco, las dunas… potencian la fantasía y el misterio. Y cierto es también, que hablar de la ciudad de Nueva York como personaje es ya un tópico, pero en este caso el pequeño parque que hay en la esquina de la Quinta Avenida y la Calle 59 donde los almacenes Bergdorf Goodman se encuentran con el Plaza Hotel, su luz y su ruido, son como el pulso de todo. Aaron Zigman, el prestigioso compositor de la banda sonora, es quizá el que termina de envolver este gran paquete rosa Made in Hollywood. Y para gustos, colores. Sin más.

SE ESTRENA EL 3 DE JUNIO

CRÍTICA PUBLICADA EN LA REVISTA DE CINE ENCADENADOS, JUNIO 2010

DIA INTERNACIONAL DE INTERNET: ¡¡¡Inauguración!!!

2010-05-17T12:55:00.003+02:00

htpp://ardescandinavia.blogspot.com/

Espero que tod@s me sigáis

también en este nuevo proyecto.

Gracias, como siempre.

LA MUCHACHA DE LAS BRAGAS DE ORO

2010-04-10T19:45:00.000+02:00

JUAN MARSÉ
LA MUCHACHA DE LAS BRAGAS DE ORO
PLANETA, BARCELONA, 1988

Son vivencias marginales, que no aportarían nada al libro porque miran hacia otro lado, que diría Stevenson….. Las cosas no son como son, sobrina, sino como se recuerdan.
Pág. 121

En un país frustrado, la gente tiende a evocar cosas que no han sucedido.
Pág. 142

Ser inteligente, a mi edad, no consiste en saber lo que se quiere y conseguirlo, sino en renunciar a lo que te conceden demasiado tarde…
Pág. 173

Basándose en la idea wildeana según la cual arrepentirse de algo es modificar el pasado…
Pág. 176

Descubrió que las mentiras sufren también un desgaste de la memoria, y que necesitan, lo mismo que los recuerdos y los sueños, las urgentes reparaciones del amanecer.
Pág. 190

FURIA DE TITANES (Crítica)

2010-03-27T19:18:00.002+01:00

Vienen a mi memoria las palabras de Umberto Eco: cada sociedad cultural tiene las novedades que se merece. El modelo del gentilhombre, culto y meditabundo, ya no existe. Nuestro hombre de la civilización de masas, mejor o peor, es otro, y otras deberán ser sus vías de formación y de salvación.

Siendo esto así, tenemos estos días en nuestras pantallas un remake de la película “Furia de titanes” (Desmond Davis, 1981) que fue a la vez en su momento, la versión cinematográfica del mito de Perseo. Siendo un poco simples y un poco malos, lo que narraba la hazaña mitológica no tenía nada de original: rebelarte contra tu padre y salvar a la chica. Claro está, y aquí venía la parte mítica y épica de Perseo, para conseguirlo, tenías que ir y volver del inframundo, matar unos cuantos monstruos de camino y vencer a tu padre y a tu tío, que resultaba, que eran dioses.

Pues bien, a la versión de los años ochenta ya debió de chirriarle algo por aquel entonces, para que acabara como un clásico de culto y no como un gran taquillazo. Y es que no es lo mismo adaptar una novela de Julio Verne que tener que elaborar un guión a partir de un mito griego. A pesar de contar con dos magos en la producción como eran Ray Harryhausen (“El viaje fantástico de Simbad”, “Simbad y el ojo del tigre”…) y Charles H. Schneer (“Jason y los argonautas”, “La isla misteriosa”...), sus trucos ya empezaban a quedarse obsoletos ante una generación fanática del género, que flipaba con la saga de Star Wars y con el genio y el ingenio de un tal, George Lucas, que andaba imponiendo las normas para hacer un nuevo cine fantástico y de ciencia-ficción. Aún así, en las retinas de aquellos jóvenes quedaba registrada la artesanía de miles y maravillosos efectos especiales (monstruos marinos, escorpiones gigantes, perros de dos cabezas...) dando paso a aquella primera revolución tecnológica de finales de los setenta.
“Era una de mis películas favoritas, de hecho, es una de las películas más mágicas que haya visto en mi vida. Me vuelve loco. Así que no lo dudé en cuanto tuve ocasión de hacer mi propia versión” confiesa el director de “Furia de Titanes” (2010) Louis Leterrier, autor de cintas como “Transporter 2” o “El increíble Hulk”.

Cada “imaginador”, cada creador, es a la vez un lector de ficciones ajenas y, en el fondo de su corazón, si no en su mesa de trabajo, tiene aquellas palabras de Homero que conturbaban tan poderosamente a Unamuno: Los dioses traman las desgracias de los hombres para que la posteridad tenga algo que cantar.
Volviendo a ser un poco malvados y un poco exagerados, la versión en 3D de Leterrier ha resultado ser, si no una gran desgracia, sí, una pequeña decepción.

La historia de los dioses cuenta que Zeus (Liam Neeson) recibió los cielos, Poseidón (Danny Huston) los mares y para un Hades (Ralph Fiennes) traicionado y vengativo, quedó el inframundo. La historia de los hombres cuenta que Perseo fue abandonado junto al cadáver de su madre en una caja, encontrado y después criado por una familia de pescadores. Cuando a los hombres les invade cierta nostalgia de independencia, los dioses deben recordarles como a los niños, el orden de las cosas. En medio de la furia de dioses y de hombres está Perseo (Sam Worthington), rebosante de intensidad y de juventud, creíble como dios e increíble como hombre. En la gesta le acompañarán un grupo de guerreros, con sus rastas y su eyeliner, padres e hijos, cuan más atractivo cuanto más tiznado, Draco, Solon, Eusebio, Ixas… (Mads Mikkelsen, Liam Cunningham, Nicholas Hoult, Hans Matheson…) y una especie de sexy ángel protector Io (Gemma Arterton).
“Hay un dios en ti, asegúrate de sacarlo” le aconsejan. Pero Perseo rechaza su origen semidios. “Tu orgullo está matando a mis hombres” le replican. Hasta que por fin, el héroe acepta la ayuda de su padre y con ello, su propio destino.

Destacar acaso, la interpretación e innovación de Neeson. Atrás quedó la imagen de un Zeus sentado en su trono, de toga y barba blancas. Ahora fuerte, poderoso y activo. Pero también herido, confuso y con cierta debilidad hacia los mortales, y en especial, a las mortales.
Todo aderezado con su dosis de acción y batalla, de monstruos y bestias (Medusa, Pegaso, el Kraken…) y su sobredosis de efectos especiales, visuales, digitales, no se sabe muy bien si todos necesarios, pero al fin y al cabo y como diría Eco, acordes con la era entertainment que le ha tocado vivir.
¿Redención o sacrificio?... El espectador dirá…

ESTRENO EL 31 DE MARZO.

CRÍTICA PUBLICADA EN LA REVISTA DE CINE ENCADENADOS, ABRIL 2010

MANHATTAN TRANSFER

2010-03-16T20:55:00.004+01:00

MANHATTAN TRANSFER
JOHN DOS PASSOS
DEBOLSILLO, BARCELONA, 2007

- ¿Dónde está Broadway?... Quiero ir al centro, al centro de todas las cosas. Pág. 10
- Voy a darle un consejito, amigo, que no le costará nada. Antes de ponerse a buscar, aféitese, córtese el pelo, cepíllese el traje, que está lleno de pelusa. Así le será más fácil encontrar algo. En esta ciudad lo que vale es la facha. Pág. 11

Bud dobla el periódico cuidadosamente, lo deja en la silla y sale. Fuera, el aire huele a muchedumbre, está lleno de ruidos y de sol. No soy más que una aguja en un montón de heno… “Y tengo veinticinco años”, murmuró en voz alta. Pensar que un chico de catorce… Bud aprieta el paso a lo largo del estruendoso pavimento donde el sol, atravesando la armazón del tren elevado, traza e la calle azul franjas de un amarillo cálido. No soy más que una aguja en un montón de heno. Pág. 25

- Lo que yo digo es que quiero llegar a algo en este mundo. Europa está podrida, apesta. En América uno puede abrirse camino. El nacimiento no importa, la educación no importa. Todo es abrirse camino. Pág. 28

- Y bien, ¿le gusta esta porquería de país? –preguntó Marco.
- ¿Por qué no? Yo estoy bien en cualquier sitio. Todo es lo mismo. En Francia te pagan mal y vives bien; aquí te pagan bien y vives mal. Pág. 44

El crepúsculo redondea suavemente los duros ángulos de las calles. La oscuridad pesa sobre la humeante ciudad de asfalto, funde los marcos de las ventanas, los anuncios, las chimeneas, los depósitos de agua, los ventiladores, las escaleras de incendios, las molduras, los ornamentos, los festones, los ojos, las manos, las corbatas, en enormes bloque negros. Bajo la presión cada vez más fuerte de la noche, las ventanas escurren chorros de luz, los arcos voltaicos derraman leche brillante. La noche comprime los sombríos bloques de casas hasta hacerles gotear luces rojas, amarillas, verdes, en las calles donde resuenan millones de pisadas. El asfalto rezuma luz. La luz chorrea de los letreros que hay en los tejados, gira vertiginosamente entre las ruedas, colorea toneladas de cielo. Pág. 125

El recibidor estaba muy oscuro; olía a sueño, a pasta de los dientes y a cremas para la cara. Pág. 144

La oficina olía a engrudo, a manifiesto y a hombres en mangas de camisa. Pág. 160

- Ruth se ocupa sólo de su carrera de actriz. Está tan loca por triunfar que sacrifica todo los demás.
- ¿Por qué diablos tendrá todo el mundo tantas ganas de triunfar!... Me gustaría encontrar a alguien que quisiera fracasar. Eso es lo sublime.
- Sí, cuando tiene uno una renta confortable.
- Tonterías… ¡Vaya cóctel! Herf, creo que eres la única persona sensata en toda esta ciudad. Tú no tienes ambiciones.
- ¿Cómo sabes que no las tengo?
- ¿Qué puedes hacer con el éxito después de obtenido? No te lo puedes comer ni beber. Comprendo, claro, que las personas que no tengan bastante guita para comer y todo eso se desvivan por encontrarla. Pero el éxito… Pág. 191

Sentado en un diván verde, Jimmy Herf leía a la luz de una bombilla, que alumbraba un rincón del cuarto desnudo. Había llegado a la muerte de Olivier en Jean Christophe, y leía con un nudo en la garganta. En su memoria persistía el murmullo del Rin royendo sin cesar el pie del jardín de la casa donde Jean Christophe había nacido. Europa era en su mente un parque verde, lleno de músicas, de banderas rojas, de multitudes en marcha. De vez en cuando el silbido de un vapor en el río penetraba en el cuarto, apagado, blando como la nieve. De la calle subía el clamor de los taxis y el rechinar de los tranvías. Llamaron a la puerta. Jimmy se levantó, los ojos turbios y ardientes de tanto leer. Pág. 209

- Yo no sé por qué la gente tiene hijos. Es confesar la derrota. La procreación es una confesión de un organismo incompleto. La procreación es una confesión de la derrota. Pág. 227

- Lo terrible es que cuando uno se harta de Nueva York no hay dónde ir. Es el vértice del mundo. El único recurso es dar vueltas y vueltas como una ardilla enjaulada. Pág. 239

Martín solía decir: Todo andaría mejor si de pronto sonara una campana y los unos se dijeran a los otros honradamente lo que hicieron, cómo vivieron, cómo amaron. El ocultar las cosas es lo que las hace pudrirse… ¡Dios mío, es horrible! Como si la vida no fuera ya bastante difícil sin eso. Pág. 254

Con un níquel antes de medianoche se compra el mañana… Titulares de atracos, un café de máquina, un paseo por Woodlawn, Fort Lee, Flatbush… Con un níquel introducido en una ranura se compra goma de mascar. Somebody loves me, Baby Divine, You´re in Kentucky Juss shu´as You´re Born… notas contusionadas de fox-trots salen cojeando por las puertas; blues, valses (We´d danced the whole night though), giran y giran, trayendo recuerdos de oropel… En la Sexta Avenida, en la calle 14, hay todavía estereóscopos con cagadas de mosca, donde por un níquel puede uno asomarse a los amarillos ayeres. Al lado del crepitante tiro al blanco puede uno ver: Noches de novios, La sorpresa del soltero, La liga robada… cesto de papeles donde yacen nuestros sueños destrozados… Por un níquel antes de medianoche se compran nuestros ayeres. Pág. 317

Ardientes lingotes de pensamientos se iban colocando en su sitio, deletreados por una linotipia repiqueteante. Pág. 351

A cada aspiración, Herf inhalaba ruido, arena, frases pintadas, hasta que empezó a hincharse, a sentirse gordo y vago, vacilante como una columna de humo sobre las calles de abril. Miraba las ventanas de las tiendas de máquinas, de las fábricas de botones, de las casa de vecindad. Sentía la mugre de las sábanas y el blando ronronear de los tornos. Escribía palabrotas en las máquinas de escribir, entre los dedos de las mecanógrafas, y revolvía las etiquetas de los almacenes. En su interior efervescía como una gaseosa en dulces jarabes abrileños de fresa, de zarzaparrilla, de chocolate, de cereza, de vainilla, goteando espuma en el aire tenue, azul como gasolina. Cayó, presa de náuseas, desde el piso cuarenta y cuatro, y se estrelló. Pág. 383

AL LIMITE (Pressbook)

2010-02-21T20:19:00.001+01:00

“Al límite” es un thriller cargado de emotividad en el que se entremezclan la política y los grandes negocios. Thomas Craven (Mel Gibson) es un veterano detective de homicidios del distrito de policía de Boston y un padre viudo. Cuando su única hija, Emma (Bojada Novakovic) de 24 años, es asesinada en las escaleras de su casa, todo el mundo supone que él era el objetivo. Pero él pronto sospecha lo contrario, y se embarca en la misión de averiguar la vida secreta de su hija y de su asesinato. Su investigación le lleva a un peligroso y engañoso mundo de encubrimientos corporativos, connivencia gubernamental y asesinato—y a un misterioso agente del gobierno, Darius Jedburgh (Ray Winstone), que ha sido enviado para eliminar las pruebas. La solitaria búsqueda de Craven de respuestas sobre la muerte de su hija se convierte en una odisea de descubrimiento emocional y redención.
“Al límite” está dirigida por Martin Campbell (“Casino Royale”) y protagonizada por Mel Gibson, galardonado con un Premio de la Academia (“Braveheart”), Ray Winstone (“Infiltrados”), Danny Huston (“X-Men Orígenes: Lobezno”), Bojana Novakovic (“Arrástrame al infierno”) y Shawn Roberts (“I Love You, Beth Cooper”).
Una producción GK Films basada en la miniserie de la BBC del mismo nombre, galardonada con los premios BAFTA, “Al límite” está producida por Graham King, galardonado con los Premios de la Academia (“Infiltrados”), y su socio, Tim Headington (“La reina Victoria”), y por Michael Wearing, el productor de la miniserie original de la BBC. El guión es de William Monahan, ganador de un Premio de la Academia (“Infiltrados”), y de Andrew Bovell (“Lantana”), basado en la serie de televisión original escrita por Troy Kennedy Martin. Los productores ejecutivos son Dan Rissner, David M. Thompson, Suzanne Warren, Gail Lyon y E. Bennett Walsh.
Entre los miembros del equipo técnico figuran el director de fotografía Phil Meheux (“Casino Royale”), el diseñador de producción Tom Sanders, nominado a los Oscars (“Salvar al soldado Ryan”, “Drácula de Bram Stoker”), el montador Stuart Baird, también nominado a los Oscars (“Gorilas en la niebla”, “Superman”), la diseñadora de vestuario Lindy Hemming, ganadora de un Premio de la Academia (“Topsy-Turvy”) y el compositor Howard Shore, asimismo galardonado con los Premios de la Academia (“El señor de los anillos: La comunidad del anillo”, “El señor de los anillos: El retorno del rey”).
Warner Bros. Pictures presenta, en asociación con GK Films, una producción GK Films/BBC Films/Icon Productions, “Al límite”.

SOBRE LA PRODUCCIÓN

Algunos recuerdos nunca se olvidan…
Algunos sentimientos nunca cambian…
Algunos secretos nos llevan al límite.

En el thriller “Al límite”, Thomas Craven es un hombre movido por el dolor y que busca la verdad después de que su única hija, Emma, haya muerto por una bala que la policía creía que iba destinada contra él. Destrozado por la inesperada muerte de su hija, el veterano inspector de policía de Boston busca respuestas y se enfrentará —o acabará—con cualquier cosa o persona que se interponga en su camino.
Mel Gibson, que regresa a la pantalla tras un exitoso periodo detrás de las cámaras, asume el personaje de Craven, su primer papel protagonista en siete años. “Era una historia intrigante”, dice Gibson. “Eso es lo importante—si creo que va a ser impactante y entretenida para los espectadores, me implico”.
“Mel fue nuestra primera y única elección para Craven. El papel requería a alguien de su calibre; no hay muchos actores que tengan el tipo de seriedad que él posee”, dice el director de la película, Martin Campbell.
El productor Graham King afirma, “Realmente queríamos a Mel, y tuvimos mucha suerte en conseguir que volviera a ponerse delante de la cámara y en un papel para el que resulta perfecto”.
“Lo que realmente me atrajo fue el modo en que la historia te engancha”, comenta Gibson. El actor se reunió con King y Campbell y tuvo la impresión de que eran “dos tipos inteligentes que tienen una visión clara y precisa de la película, y constaté que sería estupendo trabajar con ellos”.
En lo que es algo poco habitual, Campbell ha dirigido actualmente “Al límite” no una vez sino dos, asumiendo la película después de haber dirigido previamente la premiada miniserie de televisión de la BBC hace más de 20 años. Teniendo en cuenta el éxito de la serie, BBC Films había empezado a desarrollar una versión cinematográfica de la historia; fue Campbell quien le planteó el proyecto a King, el cual, junto a Tim Headington, produjo la película bajo el sello GK Films. “Alguien sugirió la posibilidad de convertirla en una película hace unos cinco años”, recuerda el director. “Pensé que era una magnífica idea. Siempre creí que era una historia muy impactante: un padre pierde a su hija e intenta descubrir no sólo quien la mató y por qué, sino también quién era ella realmente. Es alguien que amaba a su hija, y pensaba que la entendía, pero lo que descubre es que llevaba un tipo de vida del que él no sabía nada”.
“Reaccioné de manera emocional a la historia entre padre e hija”, comenta el guionista William Monahan, galardonado con un Oscar. “Tengo una hija pequeña, por Io que básicamente me puse en la piel del protagonista, y me pregunté qué haría si eso me sucediese a mí”.
En 1985, la miniserie británica de seis capítulos cautivó a un país inmerso en fuertes tensiones a nivel nacional e internacional. Era una época en la que Gran Bretaña estaba viviendo una Guerra Fría y todavía seguía bajo la amenaza nuclear de la Unión Soviética. El terrorismo internacional también se manifestó con personajes como el coronel de Libia Muammar Qaddafi, y las preocupaciones de los ciudadanos sobre una guerra nuclear eran mayores que en ningún otro momento desde la crisis de los misiles de Cuba. Y había miedo por el secretismo que rodeaba a la industria nuclear.
En este contexto, “Al límite” conectó con las preocupaciones y los miedos de los espectadores, haciendo que la serie se convirtiera en un éxito de público y de crítica. Inmediatamente recibió el reconocimiento en forma de seis premios de la Academia Británica de Cine y Televisión (BAFTA), entre ellos el de mejor serie dramática. La serie alcanzó el número 15 en la lista de los 100 mejores programas de televisión del British Film Institute, y está considerada como una de las mejores y más influyentes series de televisión británicas jamás realizadas.
Gibson recuerda, “Era una serie de misterio, un thriller policíaco y político, y transcurría en una época de mucha agitación política en el Reino Unido. La serie reflejaba muy bien esa época”.
“La serie en los años 80 tenía mucho que ver con la política nuclear del gobierno”, dice Campbell. “El plutonio y su fabricación eran temas trascendentales, así como el organismo que los controlaba. Era un asunto candente. Y ‘Al límite’ fue una serie muy relevante en cuanto a esos importantes temas. Pero, en el fondo, también era una historia sobre un padre que pierde a su hija y necesita averiguar por qué le ha ocurrido eso a ella, y a él”.
Para la película, los aspectos políticos de la historia tenían que ser actualizados, pero el núcleo de la historia seguiría siendo el mismo. El premiado guionista australiano Andrew Bovell inició el proceso de convertir la serie de seis horas, escrita por Troy Kennedy Martin, en una película de dos horas.
“Me encantó la miniserie cuando se emitió por primera vez”, recuerda Bovell. “Troy Kennedy Martin era un adelantado para su época; su advertencia sobre la peligrosa conexión entre la industria corporativa y las encubiertas actividades gubernamentales sigue siendo tan relevante ahora como lo era en 1985. El que Martin Campbell me propusiese trabajar en la adaptación supuso para mí una de las ofertas más sugerentes que jamás había tenido”.
“El hecho de situar la película en Boston fue idea de Andrew”, dice Campbell. “Boston es una ciudad muy inglesa y muy irlandesa en lo que se refiere a sus raíces. En principio, nuestro héroe, Craven, era del norte de Inglaterra, cerca de Leeds, por lo que consideramos que era una evolución perfecta para una película norteamericana convertirle en un irlandés de Boston”.
Tal vez ningún otro guionista actual haya escrito sobre el área de Boston mejor que William Monahan, al que King incorporó al proyecto. En 2006, ambos consiguieron el Premio de la Academia por “Infiltrados”. King quería que alguien realmente nacido en Boston aportase al guión de “Al límite” su toque especial.
“Bill es la quintaesencia de la agudeza bostoniana. Es duro, pero enlaza con los guionistas más legendarios”, dice Gibson.
"Bill es un gran escritor de diálogos, y tiene un gran sentido de los personajes”, afirma Campbell. "Reescribió el guión teniendo en cuenta la trama, lo cual dio como resultado una gran diferencia entre la serie y la película”.
“No estoy muy seguro de ser el clásico chico de Boston”, dice Monahan, tras haber vivido en Los Angeles, Nueva York y Londres tanto como en su ciudad natal. Sin embargo, se sintió atraído por el tema. “Craven es uno de esos tipos de Roslindale. Es un hombre de hábitos muy regulares y organizados, que no se permite muchos lujos. Tiene su vida, tiene su casa y tiene su soledad. Es un viudo con una hija que significa mucho para él. Cuando la pierde, lo pierde todo”.

JEDBURGH
Sr. Craven, tenemos cosas de las que hablar.

CRAVEN
¿Como de su nombre y de lo que está haciendo aquí?

JEDBURGH
Como de quien mató a su hija.

El personaje central y más complejo de “Al límite” es Thomas Craven, un experimentado detective de homicidios del distrito policial de Boston y un padre viudo que pensaba que conocía a su hija, pero que descubre que había muchas cosas en ella de las que no sabía nada. Como la historia gira en torno a la trayectoria y redención de este personaje, la elección de los actores tenía que ser perfecta.
“Creo que el papel de un padre desconsolado y lleno de dolor que gradualmente se propone averiguar quienes mataron a su hija y vengarse le resultó atrayente a Mel”, comenta Campbell.
Thomas Craven es un hombre atormentado, un padre que trata de entender la muerte de su hija del único modo que sabe: resolviendo el crimen. Es policía, conoce el sistema y ha sido una persona de fiar. Siempre se ha atenido a las normas, pero por primera vez en su vida se ha dado cuenta de que las normas no le ayudarán a conseguir justicia; tendrá que tratar de conseguirla por sí mismo.
“Craven es muy normal”, comenta Gibson, “simplemente un tipo que vive al día. No ha sido el mejor de los padres pero cumplió con sus responsabilidades económicas. Su destino ahora es una guerra de desgaste; todo lo que sucede le pasa factura. La tension, la traumática experiencia de perder a una hija de ese modo, le dejan un poco trastornado y la mayor parte del tiempo a punto de volverse loco. Está cerca—justo al límite—pero no se puede permitir forzarlo demasiado porque tiene un trabajo que hacer”.
“Mel hizo una magnífica interpretación de un papel muy exigente que le obligaba a estar todos los días delante de la cámara”, dice Campbell con admiración. “Nunca tuvo un día libre durante el rodaje; su personaje aparece en casi todas las escenas. Trabajó muy duro y eso se aprecia en su interpretación”.
King apreció la actitud del actor ante el complejo papel. “Un policía tiene muchos enemigos, por lo que la mayoría de la gente va a pensar que la bala iba destinada a él y que su hija casualmente estaba allí ”, comenta King. “Además de eso, uno no puede dejar de imaginar lo que supondría toda esa culpa y emoción en una situación como la de Craven, que se ha quedado sin familia. Está agotado. Está acabado. Quiere averiguar quien lo hizo y luego seguir adelante, pero la gente interfiere en su camino”.
Gibson dice que el mayor reto de interpretar a Craven fue “la calma. La calma siempre ha sido algo ajeno a mí, y él es muy calmado. Traté de contenerme—no hacer demasiados gestos ni demasiados movimientos—porque es un hombre muy introvertido”.
Craven tiene motivos para andarse con cuidado, especialmente cuando la imponente presencia de Darius Jedburgh aparece de manera imprevista en su jardín trasero. El actor inglés Ray Winstone interpreta al único británico en un reparto totalmente norteamericano. En una especie de inversión de papeles, Jedburgh era el único personaje norteamericano en la miniserie exclusivamente con actores británicos.
Según Campbell, que trabajó por primera vez con el actor al comienzo de sus respectivas carreras, hace unos 30 años, “Ray aporta un fuerte y subyacente toque amenazador al personaje de Darius Jedburgh, quien al mismo tiempo es un completo enigma”.
“Ése es el tipo de papeles que te apetece interpretar. Creo que Jedburgh es un hombre inteligente que es capaz de ser un asesino despiadado”, comenta Winstone. “Sabe como manipular, como manejar a la gente. Pensé que tendría que tener un cierto tipo de atractivo para el personaje de Mel, en su estado de dolor e ira, para estar ahí y hablar con él”.
Jedburgh, que trabaja para un jefe anónimo, se asocia con Craven para averiguar en qué estaba metida la hija de éste y qué información podría haber tenido. Lo que alguien podría llamar un “limpiador”, tiene licencia por parte de los que le emplean para hacer cualquier cosa que sea necesaria para resolver una situación. De hecho, es juez, jurado y, cuando es necesario, verdugo.
“Jedburgh es un hombre muy poderoso que evidentemente ha hecho trabajos para el gobierno durante muchos años”, comenta Campbell. “No se sabe para qué organismo trabaja, si es para alguno en concreto, ni por qué tiene el poder que tiene. Es contratado para evaluar situaciones y solucionar problemas—en este caso, una posible catástrofe para la compañía Northmoor si las pruebas demuestran exactamente lo que están fabricando en sus instalaciones”.
Northmoor, para la que trabajaba Emma en el momento de su asesinato, es una compañía de investigación privada y de alta seguridad con contratos con el gobierno—aunque parece que el gobierno hace la vista gorda en lo que respecta a sus actividades. Está dirigida por un individuo llamado Jack Bennett.
“Bennett es el ‘malo’ por excelencia de la situación actual”, comenta King, “un carismático hombre de negocios elegante, un auténtico ‘ejecutivo’ corrupto en un puesto de mucho poder”.
Danny Huston interpreta al corrupto personaje. “Me gusta interpretar personajes malvados pero encontrando una manera de justificar sus actos”, dice el actor. “No creo que Bennett sea político, sólo que sabe utilizar ese mundo para su propio provecho. Es consciente de que sí, a veces, muere gente, pero hay una razón—se están entrometiendo, y podrían suponer un peligro más grave. Cree que no tiene que responder ante nadie. Para él, no se trata de una cuestión de política, es una cuestión de dinero”.
“Danny es un magnífico actor”, dice Campbell. “No hay muchos como él. Quería que interpretase este papel porque, en principio, no da el aspecto del típico ‘malo’. Hay un toque de humor detrás de lo que dice, lo cual, en definitiva, hace que resulte más amenazador”.
Un personaje con motivos para temer a Bennett es el novio de Emma y antiguo colega en Northmoor, Daniel Burnham. Burnham supone para Thomas Craven un modo de entender el oscuro pasado de su hija. Su primer encuentro es problemático y supone un momento fundamental en la película. Para el papel se eligió al actor Shawn Roberts.
“El guión me resultó muy atractivo”, comenta Roberts. “Tienes la sensación de que, en cualquier momento, van a llamar a la puerta y alguien va a morir. Esa tensión hace que la historia avance y supone una motivación para los personajes. Cuando Burnham aparece por primera vez, ha estado aislado en su apartamento durante días, esperando ese golpe en la puerta… y el cañón de una pistola al otro lado”.
Tal vez Burnham sea el único personaje de la película que pueda comprender la sensación de pérdida de Craven, porque él también amaba a Emma. La actriz Bojana Novakovic, nacida en Serbia, interpreta el papel de Emma, cuyo asesinato es el catalizador de la historia.
“Me pareció una combinación muy interesante, esta historia impulsada por las emociones debido a una decisión tomada por esta joven”, dice Novakovic. “Ella actuó movida por su instinto—lo que ella creía una actitud moralmente correcta—y se implicó con un grupo de gente más influyente que ella y que tenía más dinero y más poder”.
“Emma ama a su padre, pero también le hace reproches, le cuestiona cosas y se enfrenta a él si es necesario, incluso a pesar de que, hasta ahora, nunca le haya dado ninguna pista sobre el otro aspecto de su vida”, comenta Campbell.
Al comienzo de la película, Emma vuelve a casa a Boston para ver a su padre, y da la sensación de que es algo más que una visita casual. La actriz comenta, “Emma necesita que su padre la aconseje a nivel personal, pero también porque es policía y tiene mucha experiencia. Pero básicamente lo que pienso es que una hija necesita a su padre”.
Desgraciadamente, Thomas Craven pierde a su hija antes de que ella tenga la oportunidad de contarle lo que está sucediendo; sin embargo, él continúa viéndola, tanto como niña como mujer adulta, aunque sólo sea en su imaginación. “La necesita para poder hacer lo que ella quería de él”, continúa diciendo Novakovic. “Él necesita poder hablar con ella, porque lo ha perdido todo. Ella vuelve a él tal como la recuerda, y en ese sentido lo ayuda. La única manera que él tiene ahora de salvarla es seguir hablando con ella, mantener la relación recordándola, o recreándola, de la mejor manera posible”.
“Por supuesto, Emma no diría nada que Craven no hubiese imaginado”, según Gibson, “pero él cree que va a saber más de ella después de haber muerto que cuando estaba viva”.
Novakovic conoció a Gibson durante el periodo de ensayos, antes del inicio del rodaje, y la química entre ambos fue inmediata, haciendo que la relación padre-hija resultase auténtica y creíble.
“Bojana transmite dignidad”, añade Gibson, “algo intrínseco a ella. Tiene personalidad. Es imposible olvidarla”.

SANDERSON
Estás perdido
y muy lejos de tu jurisdicción.

“Al límite” se rodó en exteriores en la zona de Boston y sus alrededores, incluyendo la histórica Back Bay; los parques y jardines públicos de Boston; una impresionante mansión estilo Tudor en Manchester, Charlestown, Newburyport, Lincoln, Merrimac y Rockport. Los interiores de la casa de Craven y del apartamento de Emma se rodaron en decorados construidos en los Estudios Chelsea. El equipo también rodó escenas en el oeste de Massachusetts, en las pintorescas localidades de Northampton y Amherst y en la cima del monte Sugarloaf en Deerfield, en pleno apogeo de la temporada otoñal, que en Nueva Inglaterra se conoce como “los colores”.
“El rodaje en Boston fue magnífico, al igual que la gente”, dice Gibson. “Allá donde mirases, tenías la profunda sensación de la historia viva que te hacía apreciar realmente tu propia libertad ganada a pulso. Te sentías como si estuvieras en la cuna de una joven nación, pero con el viejo estilo y el encanto de Europa”.
Una de las directrices que el director Martin Campbell transmitió a su equipo creativo fue que el estilo de la película fuese lo más realista posible. “El realismo en la película era absolutamente importante”, afirma el director, precisando que “cuando matan a Emma, hay auténticos forenses, auténticos policías, y todo lo demás. La acción de esta película está basada en una relación, por lo que era esencial que ésta pareciese real. Así que, desde un punto de vista estilístico, la rodamos de manera muy sencilla, muy poco complicada; no hay tomas pretenciosas ni pulidas”.
Entre los colaboradores de Campbell estaban su habitual director de fotografía Phil Meheux y el diseñador de producción Tom Sanders, que trabajaba con Campbell por primera vez.
“Una de las tareas de un director de fotografía es resaltar lo que es emocionalmente interesante en cada escena, y una manera en que lo conseguimos fue con la iluminación”, dice Meheux, que menciona el ejemplo de la cocina de Craven y el apartamento de Emma, decorados que fueron modificados a lo largo de toda la película. “Craven ha dejado la comisaría, por lo que su cocina y su apartamento se convierten en sus áreas de actuación. Al comienzo de la película hay más luz, pero a medida que la historia avanza y los datos que conocemos sobre la vida y la muerte de Emma se hacen cada vez más oscuros, cada vez hay menos luz en esos decorados. No creo que el clásico espectador aprecie esos sutiles cambios de manera consciente, pero creo que a nivel emocional los percibirá”.
Sanders y su equipo también sacaron el máximo partido de los decorados y los exteriores. “Elegimos Sugarloaf porque todo el transcurso de la película giraba en torno a la caída de las hojas, algo que no siempre tienes la oportunidad de hacer”, dice. “Sugarloaf domina un hermoso e histórico valle en el que tuvieron lugar famosas batallas. Situamos la oficina de Bennett en Northmoor en la cima de la montaña para que toda la escena transcurriese mirando hacia ese valle”.
Para el resto de Northmoor, Sanders también utilizó un lugar histórico. “En Amherst, edificamos en el exterior de un centro de control aéreo estratégico, que era en realidad el centro donde habrían pulsado el botón para lanzar las bombas durante los años 60. Lo modernizamos para convertirlo en el vestíbulo de la compañía, en la cima de esa gran montaña”.
El equipo de Sanders también mantuvo un férreo control sobre la gama de colores. “Tratamos de que todo fueran colores suaves y apagados, de modo que los actores y el vestuario fueran lo más importante”, afirma, “de manera que te impliques más en las emociones que en el entorno”.
La mayor parte de las escenas más emotivas de Craven tenían lugar en su casa y en la de Emma, para las que se construyeron sendos decorados. “En el caso de Craven, reprodujimos una casa que encontramos en las afueras de Boston”, comenta Sanders, “y construimos todo el interior y el exterior en un plató y en un almacén. También construimos el ático de Emma”.
Los miembros del equipo técnico no fueron los únicos en recrear ese especial toque bostoniano. Gibson, nacido en Nueva York, pero que recibió la mayor parte de su formación en Australia, tenía que hablar como un bostoniano de pura cepa.
“Todos mis primos eran de Queens y de Brooklyn. Mi madre era una irlandesa de Brooklyn, por lo que no había tanta distancia; se remonta a raíces gaélicas”, dice el actor, que disfrutó en el proceso de preparación. “Me relacioné con detectives como Tommy Duffy. Es estupendo, se expresa como un auténtico perro malhablado de un cómic”, dice sonriendo. “El acento tiene su propia personalidad. Esa fonética puede situarte en un lugar diferente, en una forma de ser diferente”.

WHITEHOUSE
Éste es alguien armado y peligroso.

CRAVEN
¿Qué crees que soy?

Otro recurso que Gibson utilizó para personificar al hombre corriente que es Thomas Craven fue su vestuario. La diseñadora de vestuario Lindy Hemming recibió las mismas instrucciones de Campbell que habían recibido su director de fotografía y su diseñador de producción: que resulte real.
“Martin es magnífico porque te habla sobre los personajes, sobre cómo cree que son, y luego también sobre los actores, y a continuación te da libertad para hacer tu trabajo”, dice.
Un elemento un tanto emblemático de la miniserie de 1985 fue utilizado en la actual película: la gabardina de Craven. “Martin quería conservar por encima de todo la gabardina, que Craven se pone después de que hayan matado a Emma, porque el traje que lleva cuando está junto a ella está destrozado. Y sigue con la gabardina puesta durante la mayor parte de la película. En cierto modo, le aísla en una película en la que tantos hombres llevan trajes o uniformes de policía. A menudo, es el único que ofrece un aspecto gris y deprimido con su arrugada gabardina”. Para mostrar el deterioro de la gabardina del personaje a lo largo de su dura tarea, Hemming dice que tenía “unas 25 gabardinas normales y suaves, de modo que se fueran deteriorando a medida que él avanza en su proceso, deteriorándose también él cada vez más”.
Hemming comenzó a decidir su gama de colores para la película mediante un proceso de eliminación. “Traté de evitar el blanco siempre que pude, para que se vieran mejor los rostros y las expresiones de la gente, porque sabía que Phil la iva a iluminar centrándose en ese aspecto”. Hemming también intentó evitar un color concreto en lo que respecta a Gibson—el azul. “Traté de aplacar su energía. Simplemente utilicé con él un ligero toque de azul para una escena en la que pasea por la playa, que pensé que quedaría bien. Por supuesto, tan pronto como se puso ese azul, hizo que sus ojos adoptaran un tono más vibrante y estaba increíblemente atractivo, y pensé, ‘¡No debería haber permitido ese azul!’”
La escena de la playa no fue la única vez en que Hemming tuvo que luchar contra el aspecto de estrella de Gibson. “Su vestuario para el funeral era un traje de 99 dólares, el más barato que pude encontrar, para que pareciese que pertenecía a alguien que no tenía mucho dinero y al que no le interesaba la ropa. Mel se lo puso y pensé, ‘Oh, no, otra vez está demasiado atractivo”.
La diseñadora de vestuario adoptó una posición totalmente opuesta en lo que se refiere al personaje de Danny Huston, Jack Bennett. “La única persona con la que me permitieron no reparar en gastos fue Danny”, dice Hemming sonriendo. “Trajes preciosos, un poco de color. Tenía que parecer que llevaba ropa cara. Había trabajado con la compañía Brioni anteriormente, y fueron ellos quienes proporcionaron todo el vestuario para Bennett, y parte para Jedburgh. Tuve mucha suerte de que me proporcionasen unos trajes tan elegantes”, dice.
Sin embargo, Hemming se aseguró de no pasarse con Jedburgh. “Su ropa tenía que dar la impresión de que era cara, pero al mismo tiempo muy sutil y sofisticada, que no indicase quién era, ni diera ninguna información sobre su vida porque, en su caso, todo es un secreto. Utilizamos tejidos como el cachemir, que no reflejan la luz, haciéndole parecer muy suave, que es justo lo contrario de como es Ray Winstone. Es muy vital y sociable”.
Otro personaje al que Hemming le dio un tono muy suave fue Emma Craven. “Quería hacer que pareciese alguien que te encuentras entre la gente de Boston o Northampton; quería que llevase la misma ropa que visten allí”. Como Emma se aparece a su padre en varias escenas después de su muerte, Hemming y Campbell comentaron si cambiar o no su vestuario. “Al final, decidimos que sería demasiado confuso, así que lleva siempre la misma ropa. Los tejidos tienen un cierto aspecto difuminado, porque en la memoria de Craven ella está también algo suavizada”.

CRAVEN
Soy un tipo que no tiene nada que perder.

Para el director Martin Campbell, el reencontrarse con los personajes y los temas de la película después de dos décadas le supuso un apasionante reto. “Al igual que hace años, pensé que Ia emotiva historia de un hombre que pierde a su hija y busca venganza, podía resultar igualmente atractiva para los espectadores de hoy en día”.
El productor Graham King está de acuerdo. “Para mí, ‘Al límite’ no trata sobre la política actual. Trata sobre un ajuste de cuentas, sobre un hombre al margen de la justicia, y es un gran viaje hacia lo desconocido, sin saber cómo van a salir las cosas pero embarcándose en ese viaje”.
A pesar de los violentos extremos a los que Thomas Craven llega buscando justicia por el asesinato de su hija, el protagonista de la película, Mel Gibson, la consideró una historia muy humana. “Me intrigaron los personajes y el modo en que reaccionaban ante lo que les sucedía”, dice. “Al mismo tiempo, es un misterio que te atrapa, en el que aparecen temas sobre los que no tenemos control, y la incertidumbre es algo que da miedo a la mayoría de la gente”.

SOBRE EL REPARTO

MEL GIBSON (Thomas Craven) es un galardonado actor, director, guionista y productor. En 1995, dirigió y produjo el gran éxito de taquilla “Braveheart”, de la que también fue protagonista. La película fue nominada a 10 Premios de la Academia, consiguiendo cinco, entre ellos el de mejor director y mejor película. Gibson también recibió un Globo de Oro, un premio Critics’ Choice como mejor director, y un premio Special Achievement in Filmmaking de la National Board of Review. Además, Gibson fue elegido como director del año en la Convención de la ShoWest de 1996 y fue nominado a los premios BAFTA como mejor director, así como a los premios del Directors Guild of America.
Posteriormente dirigió, co-escribió y produjo en 2004 “La Pasión de Cristo”, que se convirtió en un enorme éxito de taquilla a nivel mundial, superando todas las expectativas de la industria. Habiendo recaudado más de 600 millones en todo el mundo, sigue siendo la película independiente más taquillera de la historia. Más recientemente, Gibson ha dirigido, co-escrito y producido el drama “Apocalypto”, que fue nominado a los Globos de Oro, los premios BAFTA y los premios del London Film Critics Circle como mejor película en lengua extranjera.
Gibson se dio a conocer como actor, al intervenir en películas de tanto éxito de crítica y público como la trilogía de “Mad Max”, “Gallipoli”, y la serie “Arma letal”. Nacido en Nueva York, Gibson se trasladó a Australia con su familia a los 12 años. Estudió en el National Institute of Dramatic Arts (NIDA) de la Universidad de Nueva Gales del Surt, donde intervino en varias producciones teatrales, incluido el papel de Biff en “Muerte de un viajante” de Arthur Miller. Debido a sus trabajos escénicos, despertó el interés del director cinematográfico George Miller, que le eligió para el papel protagonista de “Mad Max” en 1979. Ese thriller post-apocalíptico de bajo presupuesto se convirtió en un sorprendente éxito de taquilla a nivel mundial y convirtió a Gibson en una estrella cinematográfica. Ese mismo año, también interpretó el papel casi diametralmente opuesto de un amable y mentalmente discapacitado hombre en “Tim”, por el que recibió el premio al mejor actor del Australian Film Institute (AFI).
En 1981, Gibson intervino en dos películas que contribuyeron aún más a afianzarle como uno de los actores más populares a nivel internacional. Consiguió un segundo premio como mejor actor del AFI por su interpretación en la película de Peter Weir sobre la I Guerra Mundial “Gallipoli”, y a continuación intervino en “Mad Max II, el guerrero de la carretera” de Miller. Al año siguiente, Gibson volvió a trabajar con Weir como protagonista de “El año que vivimos peligrosamente”, por la que fue de nuevo nominado a los premios AFI en la categoría de mejor actor. En 1984, Gibson intervino en tres películas muy diferentes: “Motín a bordo” de Roger Donaldson, interpretando al amotinado Fletcher Christian; “Cuando el río crece” de Mark Rydell, junto a Sissy Spacek; y “Mrs. Soffel. Una historia real” de Gillian Armstrong, con Diane Keaton. Posteriormente protagonizó el éxito de George Miller de 1985 “Mad Max: Más allá de la cúpula del trueno”, retomando su papel por última vez.
Más tarde, Gibson intervino en el gran éxito de Richard Donner de 1987 “Arma letal”, interpretando el papel del policía Martin Riggs en la primera entrega de la que se convertiría en una de las franquicias de acción de más éxito de la industria del cine. Durante los 12 años siguientes, Gibson intervino en otras tres películas de “Arma letal”, todas ellas dirigidas por Donner.
En 1990, Gibson creó Icon Productions con su socio Bruce Davey. La primera película que produjeron fue “Hamlet”, dirigida por Franco Zeffirelli y protagonizada por Gibson, que reció el premio William Shakespeare de la Folger Library en Washington, D.C., por su interpretación. Desde entonces ha intervenido en películas de la Icon como “Eternamente joven”, “Maverick”, “Payback”, “En qué piensan las mujeres” y “Cuando éramos soldados”. Gibson también hizo su debut como director en 1993 con la película de la Icon “El hombre sin rostro”.
En 2000, Gibson se convirtió en el primer actor que protagonizó tres películas estrenadas en el mismo año y que recaudaron más de 100 millones de dólares a nivel nacional: la superproducción histórica de Roland Emmerich “El patriota”; la comedia de dibujos animados “Chicken Run”, en la que prestaba su voz al papel protagonista; y la comedia romántica de Nancy Meyers “En qué piensan las mujeres”, junto a Helen Hunt, por la que Gibson fue nominado a los Globos de Oro como mejor actor en un musical o comedia.
Gibson había sido nominado anteriormente a los Globos de Oro como mejor actor en drama por su interpretación en el thriller de Ron Howard “Rescate (Ransom)”. Entre su larga lista de trabajos para el cine también figuran “Conexión tequila” de Robert Towne; “Dos pájaros a tiro” de John Badham, junto a Goldie Hawn; “Air America”, con Robert Downey Jr.; “Conspiración” de Richard Donner, junto a Julia Roberts; y “Señales” de M. Night Shyamalan.

ESTRENO EL 26 DE FEBRERO

LOS SIETE LOCOS

2010-02-18T19:58:00.000+01:00

ROBERTO ARLT
LOS SIETE LOCOS
BRUGUERA, BARCELONA, 1980

Esta atmósfera de sueño y de inquietud que lo hacía circular a través de los días como un sonámbulo, la denominaba Erdosain, “la zona de la angustia”.
Ersosain se imaginaba que dicha zona existía sobre el nivel de las ciudades, a dos metros de altura, y se le representaba gráficamente bajo la forma de esas regiones de salinas o desiertos que en los mapas están revelados por óvalos de puntos, tan espesos como las ovas de un arenque.
Esta zona de angustia era la consecuencia del sufrimiento de los hombres.
Pág. 24

Vagabundeó toda la tarde. Tenía necesidad de estar solo, de olvidarse de las voces humanas y de sentirse tan desligado de lo que lo rodeaba como un forastero en una ciudad en cuya estación perdió el tren.
Pág. 41

Erdosain descubrió un día en él la inquietud que hace ver los cielos soleados como ennegrecidos de un hollín que sólo es visible para el alma que está triste.
Pág. 51

Erdosain se sentía anonadado por el desprecio formidable que ese hombre revelaba hacia las mujeres. Y recordaba que en otra oportunidad el Astrólogo le había dicho: “El Rufián Melancólico es un tipo que el ver a una mujer lo primero que piensa es esto: Ésta en la calle rendiría cinco, diez o veinte pesos. Nada más”.
Pág. 60

Lo que usted dice no tiene sentido. La sociedad actual se basa en la explotación del hombre, de la mujer y del niño. Vaya, si quiere tener conciencia de lo que es la explotación capitalista, a las fundiciones de hierro de Avellaneda, a los frigoríficos y a las fábricas de vidrio, manufacturas de fósforos y de tabaco. –Reía desagradablemente al decir estas cosas-. Nosotros, los hombres del ambiente, tenemos a una, a dos mujeres; ellos, los industriales, a una multitud de seres humanos. ¿Cómo hay que llamarles a esos hombres? ¿Y quién es más desalmado, el dueño de un prostíbulo o la sociedad de accionistas de una empresa? Y sin ir más lejos, ¿nole exigían a usted que fuera honrado con un sueldo de cien pesos y llevando diez mil en la cartera?
Pág. 62

- ¿Y que entiende usted por cansancio?
- El aburrimiento, la angustia … ¿no se ha fijado usted que éstos parecen los tiempos de tribulación de que habla la Biblia? Así los nombra un amigo mío que se ha casado con una coja. La coja es la ramera de las Escrituras…
Pág. 67

Hasta la conciencia de ser, en él no ocupaba más de un centímetro cuadrado de sensibilidad. Sí, todo su cuerpo sólo vivía, estaba en contacto con la tierra, por un centímetro cuadrado de sensibilidad. El resto se desvanecía en la oscuridad. Sí, el era un centímetro cuadrado de hombre, un centímetro cuadrado de existencia prolongando con su superficie sensible, la incoherente vida de un fantasma. Lo demás había muerto en él, se había confundido con la placenta de tinieblas que blindaba su realidad atroz.
Pág. 79

El hombre es una bestia triste a quién sólo los prodigios conseguirían emocionar.
Pág. 101

… Nunca podemos odiar a las personas que sabemos son capaces de hacer exactamente las mismas canalladas que nosotros.
Pág. 103

Un enorme cansancio lo agobiaba, la figura de su esposa distante terminó por borrarse de la superficie de su pena, y mientras permanecía así, un encalmamiento crepuscular vino a resignarlo para todos los desastres que se habían preparado.
Pág. 223

Siempre con el peso de mis ideas. Pág. 226

Después, antes de lanzarme a la prostitución, resolví estudiar… sí, no me mire asombrado, leía de todo… había llegado a la conclusión leyendo novelas, que el hombre admitía extraordinarias facultades de amor en la mujer culta… no sé si me explico bien… quiero decirle que la cultura era un disfraz que avaloraba a la mercadería.
Pág. 229

Todos son así, sin embargo. Los débiles, inteligentes e inútiles; los otros, brutos y aburridos. Todavía no he encontrado entre ellos uno digno de cortarle el pescuezo a los otros, o de ser un tirano. Dan lástima.
Pág. 235

Y cuando llegué a la parte del “cielo de Dios” comprendí el motivo de la tristeza de los hombres. El cielo de Dios les había sido negado por la iglesia tenebrosa… y por eso los hombres pecaban tan fuertemente.
Pág. 251