BENJAMIN BUTTON (pressbook)
“Nací en circunstancias inusuales”.
Así comienza “El Curioso Caso de Benjamin Button”, una adaptación de la historia de los años 20 del siglo pasado escrita por F. Scott Fitzgerald y que trata de un hombre que nace con ochenta años y va rejuveneciendo con el tiempo: un hombre que, como cualquiera de nosotros, no puede parar el tiempo. Desde la Nueva Orleans de finales de la I Guerra Mundial hasta el siglo XXI, en un viaje tan inusual como la vida de cualquier hombre, esta película cuenta la gran historia de un hombre no tan ordinario y la gente que va conociendo por el camino, los amores que encuentra y que pierde, las alegrías de la vida y la tristeza de la muerte, y que perduran más allá del tiempo.
Paramount Pictures y Warner Bros. Pictures presentan una producción de Kennedy/Marshall, una película de David Fincher, “El Curioso Caso de Benjamin Button”, protagonizada por Brad Pitt, Cate Blanchett, Taraji P. Henson, Julia Ormond, Jason Flemyng, Elias Koteas y Tilda Swinton. El film ha sido dirigido por David Fincher. El guión es de Eric Roth, sobre un argumento de Eric Roth y Robin Swicord basado en la historia de F. Scott Fitzgerald. Sus productores son Kathleen Kennedy, Frank Marshall y Ceán Chaffin.
El equipo técnico está compuesto por el director de fotografía Claudio Miranda, el diseñador de producción Donald Graham Burt, los editores Kirk Baxter y Angus Wall, y la diseñadora de vestuario Jacqueline West. La música es de Alexandre Desplat.
LA PRODUCCIÓN
“El Curioso Caso de Benjamin Button” nació como un relato breve escrito en los años 20 del siglo pasado por F. Scott Fitzgerald quien, a su vez, se inspiró en una cita de Mark Twain: “La vida sería infinitamente más alegre si pudiéramos nacer con 80 años y nos acercáramos gradualmente a los 18”.
La historia de Fitzgerald fue un capricho, una especie de fantasía, y su adaptación a la pantalla se consideró durante mucho tiempo como demasiado ambiciosa, demasiado fantástica. El proyecto permaneció en una especie de limbo durante cuatro décadas hasta que los productores Kathleen Kennedy y Frank Marshall lo retomaron. Desde hacía más de una década, el proyecto interesaba igualmente a Eric Roth, David Fincher y Brad Pitt.
Para Roth, el concepto se convirtió en una oportunidad para ver de forma introspectiva el lienzo completo de una vida a través de la síntesis de los momentos íntimos experimentados todos los días, a través de acontecimientos que podrían ser tan importantes como una guerra mundial o tan pequeños como un beso. “Eric era la persona ideal para desarrollar completamente todo el potencial de una historia a tan gran escala pero profundamente personal”, señala Kennedy. “En ‘Forrest Gump’, se presentaron unos retratos íntimos en el marco de historias épicas y un tesoro de detalles ricamente observados”.
La oportunidad de vivir la vida al revés podría parecer ideal. “Pero no es tan fácil”, comenta Roth. “En la superficie, se podría pensar que estaría bien, pero es un tipo de vida diferente, que creo que es lo que resulta tan atractivo de esta historia. Aunque Benjamin va retrocediendo, el primer beso y el primer amor tienen la misma importancia y sentido para él. No cambia nada si vives la vida hacia adelante o hacia atrás: lo importante es cómo vives tu vida”.
Mientras estaba concibiendo y escribiendo el guión, Roth experimentó la muerte de sus dos padres. “Su fallecimiento fue, evidentemente, muy doloroso para mí, y me dio una perspectiva distinta de las cosas”, comenta. “Creo que la gente responderá a las mismas cosas en esta historia que yo”.
La película explora la condición humana que existe fuera del tiempo y la edad: las alegrías de la vida y el amor y la tristeza de las pérdidas. “David y yo queríamos que pareciera la historia de cualquiera”, afirma Roth. “Es simplemente la vida de un hombre, eso es lo que tiene de extraordinario y ordinario al mismo tiempo esta película. Y esa particularidad es la que afecta a todo el mundo”.
Aunque el problema de Benjamin es totalmente peculiar, su viaje pone de manifiesto las emociones complejas que subyacen en la vida cotidiana. “Se ocupa de cuestiones que nos preguntamos a nosotros mismos a lo largo de la vida”, explica Marshall. “Y es poco habitual que una película apele a tantos puntos de vista personales distintos. Alguien que tenga 60 o 70 años la verá de una forma, mientras que alguien que tenga 20, lo hará de otra”.
El productor Céan Chaffin recuerda que el proyecto había estado dando vueltas alrededor de Fincher una y otra vez. Una primera versión del guión llegó a su mesa cuando Chaffin empezó a trabajar con él en 1992. “Era algo que le encantaba y que fue madurando con el tiempo”, afirma. “Recuerdo también cuando Brad preguntó por ello y David dijo ‘Podría ser una película estupenda.’ Fueron llegando otros guiones, pero éste no terminaba nunca de marcharse. Él dice que las cosas se marchan por un buen motivo y que no se pueden tener remordimientos. Éste ha debido de tener sus buenos motivos para no hacerlo”.
La propia experiencia de pérdida de Fincher infundió su fascinación con respecto a la historia. “Mi padre falleció hace cinco años, y recuerdo la experiencia de haber estado allí cuando se marchó”, recuerda. “Fue increíblemente profundo. Cuando pierdes a alguien que te ha ayudado de muchas formas, que es tu ‘verdadero Norte’, pierdes la brújula de tu vida. Ya no tienes que tratar de complacer a nadie, y ya no tienes que reaccionar contra nadie. En muchos sentidos, te quedas totalmente solo”.
En un primer momento de los preparativos de la película, las reuniones de Fincher con Kennedy y Marshall con frecuencia se convirtieron en algo muy personal. “Empezábamos a hablar de la historia”, recuerda Fincher, “y al cabo de un cuarto de hora, estábamos hablando de las personas que habíamos amado y habían fallecido y de la gente a la que habíamos querido y no nos había hecho caso, o la gente que nos había perseguido o a quienes habíamos perseguido. La película es interesante por ello; nos afectó a todos”.
Realizar la película iba a ser un salto ambicioso, con desafíos tanto técnicos como dramáticos. “¿Cómo se puede crear de forma hábil y sucinta la experiencia de una vida, con todos sus altibajos, desde la tumba hasta la cuna, dentro de un mismo film?”, se pregunta Kennedy. “En el guión de Eric, cada momento atesora emociones que resuenan en uno más tarde. Traicionar esa sensibilidad perjudicaría la experiencia, por lo que desde el principio sabíamos que nos llevaría un tiempo proyectar la experiencia de toda una vida”.
Para Pitt, la única forma de interpretar el personaje era de forma completa, en todas las edades, lo que planteó los mayores retos del proyecto. “A Brad solo le interesaba el personaje si podía interpretarlo en todas las edades”, explica Fincher. “Kathy y Frank tenían verdadera curiosidad por saber cómo íbamos a hacerlo. Le comenté: ‘No lo sé, pero ya se nos ocurrirá algo’”.
El atractivo para Pitt estaba también en el viaje de Benjamin. “Muchos actores interpretan sus papeles en base a lo que hace su personaje”, explica Fincher. “Bien, Benjamin no ‘hace’ mucho por sí mismo, pero, bueno, sí que le pasan muchas cosas. Brad era la persona perfecta. Es el tipo de papel que resultaría pasivo en otras manos”.
Para compartir la pantalla con Pitt, Fincher eligió a Cate Blanchett. El director había pensado en Blanchett desde que la vio en “Elizabeth”. “Recuerdo haber ido al Sunset 5 y pensar, ‘¿Pero quién es? ¡Dios mío!’”, recuerda. “No es habitual ver a personas con esa potencia y habilidad”.
La actriz, comenta Pitt, “elevó nuestra interpretación. Es exquisita. Es una gran amiga. Puede leer una escena como muy pocos actores saben hacerlo. Encuentro que tiene una gracia innata. Me gustó que interpretara a una bailarina. Le encajaba como anillo al dedo por ser quien es, por su innegable elegancia”.
La relación entre el personaje de Daisy y Benjamin evoluciona a medida que ella comprende y aprende a vivir con sus circunstancias sobrenaturales. Como dice Eric Roth: “Cate representa a la mujer que tiene que asumir la idea de envejecer mientras que la persona que ama recorre un camino inverso ¿En qué se convierte la vida para ella entonces? Pasa de ser una bailarina apasionada e impetuosa a convertirse en una mujer con una enormes reservas de fuerza”.
Blanchett interpreta a Daisy con las formas y pasiones de una bailarina, aunque la relación de la actriz con la danza terminó en su infancia. “Cuando era una niña, hice las cosas que suelen hacer las niñas y estudié ballet, pero tuve que elegir entre eso y las clases de piano”, recuerda Blanchett. “Elegí el piano y luego lo dejé por la interpretación. Me gusta mucho el baile, pero soy consciente de mis limitaciones. La película fue una estupenda oportunidad de revivir ese amor”.
Daisy es uno de los muchos personajes que se cruzan con Benjamin. “Benjamin es una especie de bola blanca de billar y toda la gente que choca con él le deja su huella”, explica Fincher. “Así es la vida: una colección de esas marcas y huellas. Todos ellos le convierten en lo que es y en nadie más”.
“Me gusta la idea de las marcas”, añade Pitt. “Todo el mundo tiene su impacto y deja algún tipo de huella. Hay algo de poesía y aceptación en ello. Eso no quiere decir que te limites a dejarte llevar. No quiere decir que no luches por lo que quieres. Significa que aceptas lo inevitable de la vida. La gente va y viene. La gente se va, voluntariamente o porque fallece. La gente se marcha como tú mismo te marcharás algún día: es inevitable. La cuestión es cómo lo afrontes”.
Pitt asocia esta noción con su amigo y colaborador frecuente. “El film explora esa idea que sé que es cierta en el caso de Fincher: la idea de que somos responsables de nuestras propias vidas”, explica el actor. “Somos responsables de nuestros éxitos y nuestros fracasos, y nadie más tiene la culpa o el mérito por ellos. Sin duda, el destino tiene algo que ver también, pero al final, eres tú el que decides”.
El papel presentó a Pitt un desafío complejo distinto a cualquiera de los que hubiera afrontado antes en una película: comunicar el crecimiento interior de un personaje a medida que reacciona a las demás personas que se va encontrando por su camino. “El viaje de Benjamin Button es básicamente interior”, afirma Blanchett. “A pesar de las exigencias físicas evidentes que el papel planteó a Brad como actor, la clave estaba en interpretar un personaje que escucha y está presente y reacciona a todos en la película”.
“Es quizás la actuación más sosegada de Brad”, añade Fincher.
Roth señala también que Pitt ha dotado a los aspectos extraordinarios del personaje de su propia humanidad esencial: “La brillantez de su interpretación consiste en que Brad representa a ese tipo de ‘hombre ordinario’. Creo que en su propia vida Brad ha encontrado cierta afinidad con este personaje que se puede apreciar en su actuación. Comprende que es como vivir una vida distinta”.
Como la madre adoptiva de Benjamin, Queenie, le dice durante toda su vida: “Nunca sabes lo que va a pasarte”.
Benjamin nace en Nueva Orleans en 1918, al final de la I Guerra Mundial, una buena noche para nacer. Cuando su madre fallece en el parto, su padre, horrorizado por su aspecto, lo abandona en la puerta de Nolan House, un asilo atendido por Queenie.
Taraji P. Henson se vinculó con el papel de Queenie mucho antes de que la película llegara a hacerse realidad, cuando el director de casting de Fincher, Laray Mayfield, llamó la atención del director sobre su papel en “Hustle and Flow”. “Nos convenció a todos que fuera tan viva y maternal”, recuerda Fincher. “Encontré en Taraji toda la calidez, esa carencia total de prejuicios sobre los otros de Queenie”.
Queenie se dedica a algo que muy pocas personas podrían hacer. “Es una mujer que sabe enfrentarse a la muerte”, explica Henson. “Y, al mismo tiempo, es la encarnación del amor incondicional. Es capaz de acoger a un hijo que no es suyo, en un momento en el que imperaba el racismo, y a pesar de que el niño es blanco y ha nacido en unas circunstancias muy poco habituales, ella es capaz de pasarlo todo por alto y quererlo”.
El personaje atrajo a Henson a un nivel intensamente personal. “Se trata de un viaje muy espiritual para mí”, confiesa. “Acababa de perder a mi padre y, aunque le echo mucho de menos, es como si su muerte fuera parte de mi acercamiento hacia Queenie. Cuando mi padre estaba enfermo, nos aseguramos de que no estuviera nunca solo: siempre había alguien junto a su cama. Falleció mientras yo estaba con él porque sabía que yo podía afrontarlo. Este papel me ayudó a expresar mi pena y mi pena me ayudó a dar forma a mi actuación. El arte puede ser una buena medicina”.
Benjamin crece siendo adulto con una ecuanimidad hacia las pérdidas que pocas personas experimentan. “Procede de un mundo de personas que aceptan su propia mortalidad, por lo que pocas cosas le asustan”, explica Fincher. “Todas las personas que conoce son efímeras; todos los momentos con ellas bien pueden ser los últimos. Sin embargo, ninguna de esas personas está histérica, todos lo aceptan. Por eso, desde que es muy joven, está familiarizado con los aspectos más profundos de la muerte. Nos llega a todos y nos pasamos la vida concentrándonos en otras cosas para evitar tener que pensar en lo inevitable”.
Benjamin conoce a Daisy cuando ambos son niños y ella va a visitar a su abuela a Nolan House. Daisy ve más allá de la incapacidad que le produce su edad el niño que Benjamin lleva dentro. “Uno de los ejes de la película es cómo sus vidas coinciden y difieren”, comenta Roth. “Su relación evoluciona a medida que van creciendo y cambiando, con todas las oportunidades perdidas y aprovechadas de en medio”.
Aunque todos los que le rodean van haciéndose mayores, Benjamin va rejuveneciendo, él solo. “El recorrido inverso de Benjamin solo le hace ser más consciente de que uno no puede aferrarse a las cosas”, explica el co-protagonista Mahershalalhashbaz Ali. “Sabe que uno tiene las cosas durante un período de tiempo muy limitado y que luego hay que aceptar que se vayan. Puedes aprovecharlas todo lo que seas capaz mientras tanto, pero nunca te pertenecen”
Este sentido de aceptación es un rasgo que Fincher encuentra en su propio padre. “Veo muchas cosas de mi padre en Benjamin”, explica el director. “Como periodista y producto de la Gran Depresión, mi padre fue un estoico en cierta medida, un observador, aceptaba las cosas sin juzgarlas. Recuerdo que le hacía feliz apreciar a las personas tal y como eran. Infiltré esta característica en las reacciones de Benjamin y, sobre todo, en la forma en que trata con la gente, con las situaciones. Le miraba y me decía: ‘Sí, Jack lo haría así. Eso es lo que haría.’”
Junto con Queenie, Benjamin es criado por los ancianos y ancianas con todas sus aventuras y lecciones de vida y que han llegado a Nolan House para pasar tranquilamente sus últimos años.
Tizzy Weathers, el amor de toda la vida de Queenie, es uno de los primeros “padres” de Benjamin. “Tizzy es una especie de mástil, un barómetro de su madurez”, comenta Mahershalalhashbaz Ali, que interpreta a Tizzy. “Le ayuda a guiarle y criarle. Le enseña a leer y escribir, le habla de Shakespeare. Pero creo que lo más importante que le transmite es el sentido de lo que es el hombre. Tizzy le da las bases necesarias para que Benjamin disfrute de cierta tranquilidad con respecto a la presencia de una figura masculina en su vida”.
Pero Tizzy, como todas las personas a las que conoce y ama Benjamin, solo está con él un breve espacio de tiempo. Benjamin deja atrás a Queenie y a Tizzy, a Daisy, y a todos sus amigos del único hogar que haya conocido nunca cuando sale al mundo. La persona que le hace esa invitación a la aventura es el Capitán Mike y la variopinta tripulación de su remolcador.
Jared Harris interpreta al peculiar capitán que revela su yo secreto a través del mapa de tatuajes que le cubren el cuerpo. Harris describe su personaje como “una especie de artista frustrado enfadado, borracho y fracasado en cierta medida. Se dedicó al negocio familiar porque no fue capaz de enfrentarse a su padre”.
A pesar de sus problemas con su propio padre, el Capitán Mike se convierte en otro “padre” para Benjamin. “El padre es una figura muy importante en la vida”, comenta Harris. “Y, dentro de esta historia, los personajes masculinos – las relaciones entre los padres y los hijos – es un hilo conductor clave. El Capitán Mike le presenta a Benjamin, como una especie de padre/tío malo, los vicios y placeres de la vida. También le presenta la vida del mar, y a través de esa vida, Benjamin logra ver el mundo”.
Pero el Capitán Mike, al igual que Tizzy antes de él, es un sustituto de la figura real, Thomas Button, el padre que abandonó a Benjamin en la puerta de Queenie. “Thomas traslada toda su tristeza, su resentimiento y su miedo al futuro al niño”, explica Jason Flemyng, que interpreta a Thomas Button. “En una forma muy extraña, después de haber perdido a su mujer en el parto, Thomas cree que se va a librar de todo su dolor deshaciéndose de su hijo, y se pasa el resto de la vida lamentando ese acto. Le persigue en todo momento”.
Flemyng, amigo de Pitt y Fincher, quedó tan atrapado por el guión de Eric Roth que ya estaba decidido justo después de leerlo para tratar de dar forma al papel de Thomas Button. Flemyng lo recuerda así: “A Fincher y Céan Chaffin les interesaba mucho ver lo que podía hacer en ese papel. Sabía que éste iba a ser el tipo de película que yo iría a ver al cine. Y realmente quería formar parte de ella”.
Benjamin cumple su mayoría de edad en la remota ciudad portuaria rusa de Murmansk, donde conoce a otra gran personalidad, Elizabeth Abbott, interpretada por Tilda Swinton. “Tilda ha demostrado una y otra vez que puede hacer cualquier cosa”, comenta Kennedy. “La oportunidad para ella de compartir pantalla con Brad, Cate, Taraji y todos los demás grandes actores que intervienen en la película contribuyó a la enorme fuerza del film en su conjunto”.
La solitaria Elizabeth Abbott, esposa de un diplomático, que sueña con poder cruzar a nado el Canal de la Mancha, es quien le da su primer beso a Benjamin. “Cada uno aprende algo del otro”, aclara Swinton. “Ella es abierta, enérgica y se está buscando a sí misma; él es paciente, sencillo y optimista. Es un intercambio justo. La idea de ella, al final de la aventura de su vida, afectada por el sentido de inicio de Benjamin – de vivir con la novedad de su independencia y capacidad de elección, de poder dar forma a su propia vida – es algo que encuentro muy conmovedor”.
A través de los viajes de Benjamin en el remolcador, la propia trayectoria de Daisy la lleva a Nueva York, donde se une a una compañía de baile en la flor de su juventud, llenándola de emociones y traspasando las fronteras. “No se trata de un canto a la ‘dependencia’ del tipo ‘No puedo vivir sin ti’”, explica Fincher. “No se están esperando. Son los dos sexualmente activos. Son dos personas completas que deciden estar juntas durante un tiempo, incluso aunque no sea el camino más fácil”.
Sus caminos se separan y convergen varias veces durante su vida, hasta que llegan a lo que Fincher denomina el “punto dulce” en la mitad, cuando están destinados a permanecer juntos. “El universo conspira para convertirlos en lo que son en el momento adecuado”, comenta. “Es como si se sintieran aliviados cuando están juntos porque ahora puede ocurrir justo como se suponía que tenía que ser”.
Daisy, y todas las personas que pueblan el mundo de Benjamin, tienen su propio desarrollo vital a lo largo de la historia. Sus historias, juntas o desenfocadas, son hilos imprescindibles dentro del tapiz que supone la película.
“Creo que David tiene el sentido de un artista de manejar el material fílmico real con sus propias manos”, comenta Swinton. “Se arremanga. Percibe tanto las tradiciones del cine de Hollywood como lo que considera sus posibilidades casi ilimitadas, todo ello con la actitud de un verdadero pionero. Es como un niño en un arenero. Es como si las imágenes que construye con sus colegas están sencillamente descargadas desde una película que ya existe, totalmente formada, en su cabeza. Es como si estuviera integrando su idea de la película en un juego elaborado: es como si estuviera recordando un sueño. El asombro no parece terminar de abandonarle nunca”.
Pitt está de acuerdo y señala: “David es como un hombre poseído. Tiene muy buen ojo para el cine y el equilibro y el baile de los movimientos de la cámara que sabe hacer de forma soberbia. La gran recompensa es que al final se consigue una obra de arte de factura muy fina, es un verdadero escultor”.
“Da la vuelta a una idea, a un momento, a una imagen, a un personaje o a una escena, mirándolo desde todos los ángulos y, allí donde otras personas se dan por satisfechas con la visión tridimensional de una idea, David sigue investigando hasta que tiene seis o siete dimensiones”, añade Blanchett. “Allí donde otros dirían: ‘Déjalo David, es imposible’, él se siente espoleado. No creo que haya muchos directores capaces de haber llegado a los lugares increíbles a los que David trasladó esta historia (junto con nosotros)”.
“El Curioso Caso de Benjamin Button” se rodó en distintas localizaciones, incluido Montreal y el Caribe, y la ciudad natal del personaje es Nueva Orleans, que se estaba recuperando tras el devastador huracán Katrina cuando llegó el equipo de producción. “Habíamos organizado el rodaje en Nueva Orleans antes del Katrina y, por supuesto, hubo un período de cierta incertidumbre sobre si íbamos a poder rodar tras el desastre”, recuerda Kennedy. “Sin embargo, nos llamaron de la ciudad dos días después del desastre, animándonos activamente a seguir con nuestros planes”.
Trabajar en una zona que acaba de sufrir graves daños emocionales y físicos planteó ciertos retos logísticos. “Con el increíble apoyo de la ciudad y el gran talento de nuestro equipo y elenco, al final fueron complicaciones menores”, recuerda Marshall. “Todos los días se planificaron y ensayaron con gran atención, y el liderazgo de David en todas las áreas nos permitió a todos tener una idea clara de lo que podíamos esperar por lo que, en general, el rodaje fue muy bien”.
El equipo pronto descubrió que los problemas no habían socavado el espíritu de la población de la ciudad. “Creo que Fincher y yo fuimos muy afortunados de poder trabajar con personas que estaban ahí porque querían estar ahí”, comenta Chaffin. “En esta película, recibimos una extraordinaria cantidad de ‘Sí, nos encantaría contar con vosotros’, especialmente en Louisiana. Todos los que leían el guión se sentían conmovidos por alguna parte de él, y eso variaba de una persona a otra. Creo que les recordaba a algo de sus propias vidas y que por eso querían participar en el proyecto”.
La intemporalidad de la ciudad encajaba a la perfección con la sucesión de distintas épocas de la película de Fincher. “Era importante delinear claramente cada era sin anunciar abiertamente el paso del tiempo”, explica el diseñador de producción Donald Graham Burt. “Lo más importante era crear cierta sensación de paso natural del tiempo dentro de los escenarios de la película. [El decorador de escenarios] Victor J. Zolfo y yo discutimos qué elementos pensábamos que debían cambiar y cuáles deberían quedar suspendidos en el tiempo. Era importante que todos los elementos tuvieran una finalidad y un sentido, y que no se usaran solamente para rellenar un vacío o se cambiaran por cambiar”.
Fincher trabajó con el equipo de diseño de producción para crear en los escenarios la sensación de estar pasando las hojas de un viejo álbum de fotos lleno de retratos de personas sencillas viviendo vidas normales. “Creamos nuestras propias ‘historias de vida’ para cada uno de los decorados, en especial para Nolan House y el Winter Palace Hotel de Murmansk [donde Benjamin conoce a Elizabeth] –, lugares donde se producen los principales acontecimientos de la vida de Benjamin”, comenta Zolfo.
El objetivo a todos los niveles de la producción era crear un realismo creíble que inculcara las verdades esenciales en el corazón de la historia. “A pesar de que había muchos elementos de fábula en la historia, quería que por otra parte resultara lo más realista posible”, explica Fincher. “No quería crear ese efecto de ‘Érase una vez’. No quería sacar a los actores del atolladero. No quería sacar al público del atolladero. Todo tenía que pertenecer a su período; el aspecto de los lugares, la ropa de la gente, el tipo de gafas o audífonos que usaban...”.
Los trajes eran de época, pero estilizados. La diseñadora de vestuario Jacqueline West se reunió con Burt y Zolfo muy pronto para garantizar la simetría de su trabajo. “David compone como un pintor”, comenta West. “Cuando llegué al escenario del remolcador, parecía como un cuadro de Caillebotte. Así que recurrí a Caillebotte y los otros primeros impresionistas (Edouard Manet, Toulouse Lautrec, Courbet...) para inspirarme. Lo único que sabía era que cuando me hubiera empapado de la hermosa sensibilidad de Don Burt, fuera lo que fuera lo que plasmara luego con mi propia paleta, que era bastante oscura y turbia, funcionaría”.
West recurrió a los fotógrafos de WPA y FSA durante la época de la Gran Depresión, especialmente para inspirarse para la ropa de Queenie durante los primeros años de vida de Benjamin Button. “Queenie es una mujer pobre con mucho carácter, por lo que quería que su armario reflejara su personalidad”, explica. “También me imaginé que la mayoría de sus prendas serían heredadas de las ancianas que habían vivido y fallecido en Nolan House. Probablemente tuvieran ya 20 años de antigüedad, por lo que me retrotraje un poco más”.
Por el contrario, Daisy estaría vestida siempre a la última moda y con las ropas típicas de una bailarina de la época. Para Daisy, West recurrió al coreógrafo pionero George Balanchine y su esposa y musa, Tanaquil LeClercq, una inspiración que la propia Blanchett había explorado. “Me fijé en los movimientos de baile que habían influido en la juventud de Daisy”, explica Blanchett. “George Balanchine y Tanaquil LeClercq me resultaron especialmente interesantes”.
Blanchett, comenta West, “se convirtió en bailarina gracias a lo accesorio. Me recuerda mucho a las imágenes que había visto de LeClercq: el lenguaje corporal, las maneras y el conflicto interior”.
LeClercq era aficionada a los diseños de Claire McCardell, una de las principales diseñadoras estadounidenses en los años 40 y 50 del siglo pasado, y a la que se considera creadora del look USA. West recurrió a McCardell para uno de los trajes más memorables de Daisy: el vestido vaporoso rojo que lleva en su cita con Benjamin. “Jackie fue sin duda mi cómplice”, afirma Blanchett. “Me encantó cada puntada, cada botón. Me dio a conocer a Claire McCardell y los accesorios de los trajes fueron toda una revelación. Tuve mucha suerte”.
Para vestir a Benjamin Button durante toda su vida, West se remitió a los iconos del cine del siglo XX. “Recurrí a Gary Cooper en los años 40, a Marlon Brando en los 50 y a Steve McQueen en los 60. Fueron una estupenda inspiración, y Brad tiene ese mismo carisma, por lo que ya sabía podría llevar las prendas”, confiesa.
Otro elemento físico para Pitt fueron las técnicas digitales que facilitarían su interpretación de Benjamin desde la juventud hasta la ancianidad. El supervisor de efectos visuales Eric Barba, colaborador de Fincher desde hace mucho tiempo, afirma: “David me dijo al principio, ‘Brad tiene que interpretar el personaje de principio a fin.’ Benjamin es el núcleo emocional de la película, incluso aunque parezca imposible. Ese fue nuestro reto en cuanto a los efectos”.
Barba trabajó en colaboración con el oscarizado diseñador de maquillaje Greg Cannom, quien creó prótesis para mejorar el envejecimiento y rejuvenecimiento a lo largo de todo el film.
La sutil aunque meticulosa atención al detalle sobre un gran lienzo llevó a la incorporación de las técnicas de cine digital a la película. “El estilo de rodaje de David aporta el sentido de lo que David Lean ejemplificó con tomas de barridos épicos que capturan la sensación de tiempo y espacio”, comenta Marshall. “El atractivo emocional de la película alcanza toda su potencia gracias al uso que David hace de la cámara como observador. Quiere que te impliques en el estudio del personaje, por lo que el trabajo de cámara se vuelve más estudiado y tranquilo. No se trata de una película con cortes rápidos y movimientos de cámara frenéticos y viscerales”.
“Queríamos algo lo más naturalista posible”, declara el director de fotografía Claudio Miranda. “Tratamos de saber cuál iba a ser el origen de la iluminación, y luego tratamos de plegarnos a ello o representarlo. Hicimos algunas tomas en las que simplemente usamos bombillas para iluminar la escena. Normalmente esto se oculta encendiendo una luz y atenuándola poco a poco para crear luego otra fuente de luz desenfocada. Me ha encantado estar ahí”.
El origen de la iluminación cambia a medida que las épocas se van superponiendo. “Existe una progresión en la tecnología, desde las velas y las lámparas de gas hasta las bombillas incandescentes y las fluorescentes”, explica Fincher. “Hay algunas luces de cine, pero no muchas. En su mayoría, se filmó digitalmente para poder utilizar ese tipo de orígenes de la iluminación y poder movernos también rápidamente”.
Ocasionalmente, las tomas se presentaron orgánicamente, como en la elegante toma libre de Blanchett bailando en el cenador durante su cita con Benjamín en Nueva York. “Esa toma fue muy sencilla. Lo vimos y dijimos: ‘Tenemos que rodar ahí’, recuerda Fincher. “Discutimos un poco sobre cuál debía ser el fondo y dije: ‘Bueno, lo que hay ahí es una ciénaga, así que vamos a crear vapor o humo, iluminar esos árboles y representarla a ella como una silueta.’ Estamos buscando un estilo del Viejo Hollywood clásico, muy sencillo. Parecía como una caja de música”.
La sensibilidad y atención al detalle de Fincher resultó el complemento ideal a su profunda comprensión de las verdades subyacentes en la historia de Benjamin. “Considerando el ámbito épico de la historia y las profundas evoluciones emocionales, cada decisión que tomó fue perfecta, y fue muy gratificante para nosotros formar parte de ello”, concluye Kennedy.
“El Curioso Caso de Benjamin Button” nació como un relato breve escrito en los años 20 del siglo pasado por F. Scott Fitzgerald quien, a su vez, se inspiró en una cita de Mark Twain: “La vida sería infinitamente más alegre si pudiéramos nacer con 80 años y nos acercáramos gradualmente a los 18”.
La historia de Fitzgerald fue un capricho, una especie de fantasía, y su adaptación a la pantalla se consideró durante mucho tiempo como demasiado ambiciosa, demasiado fantástica. El proyecto permaneció en una especie de limbo durante cuatro décadas hasta que los productores Kathleen Kennedy y Frank Marshall lo retomaron. Desde hacía más de una década, el proyecto interesaba igualmente a Eric Roth, David Fincher y Brad Pitt.
Para Roth, el concepto se convirtió en una oportunidad para ver de forma introspectiva el lienzo completo de una vida a través de la síntesis de los momentos íntimos experimentados todos los días, a través de acontecimientos que podrían ser tan importantes como una guerra mundial o tan pequeños como un beso. “Eric era la persona ideal para desarrollar completamente todo el potencial de una historia a tan gran escala pero profundamente personal”, señala Kennedy. “En ‘Forrest Gump’, se presentaron unos retratos íntimos en el marco de historias épicas y un tesoro de detalles ricamente observados”.
La oportunidad de vivir la vida al revés podría parecer ideal. “Pero no es tan fácil”, comenta Roth. “En la superficie, se podría pensar que estaría bien, pero es un tipo de vida diferente, que creo que es lo que resulta tan atractivo de esta historia. Aunque Benjamin va retrocediendo, el primer beso y el primer amor tienen la misma importancia y sentido para él. No cambia nada si vives la vida hacia adelante o hacia atrás: lo importante es cómo vives tu vida”.
Mientras estaba concibiendo y escribiendo el guión, Roth experimentó la muerte de sus dos padres. “Su fallecimiento fue, evidentemente, muy doloroso para mí, y me dio una perspectiva distinta de las cosas”, comenta. “Creo que la gente responderá a las mismas cosas en esta historia que yo”.
La película explora la condición humana que existe fuera del tiempo y la edad: las alegrías de la vida y el amor y la tristeza de las pérdidas. “David y yo queríamos que pareciera la historia de cualquiera”, afirma Roth. “Es simplemente la vida de un hombre, eso es lo que tiene de extraordinario y ordinario al mismo tiempo esta película. Y esa particularidad es la que afecta a todo el mundo”.
Aunque el problema de Benjamin es totalmente peculiar, su viaje pone de manifiesto las emociones complejas que subyacen en la vida cotidiana. “Se ocupa de cuestiones que nos preguntamos a nosotros mismos a lo largo de la vida”, explica Marshall. “Y es poco habitual que una película apele a tantos puntos de vista personales distintos. Alguien que tenga 60 o 70 años la verá de una forma, mientras que alguien que tenga 20, lo hará de otra”.
El productor Céan Chaffin recuerda que el proyecto había estado dando vueltas alrededor de Fincher una y otra vez. Una primera versión del guión llegó a su mesa cuando Chaffin empezó a trabajar con él en 1992. “Era algo que le encantaba y que fue madurando con el tiempo”, afirma. “Recuerdo también cuando Brad preguntó por ello y David dijo ‘Podría ser una película estupenda.’ Fueron llegando otros guiones, pero éste no terminaba nunca de marcharse. Él dice que las cosas se marchan por un buen motivo y que no se pueden tener remordimientos. Éste ha debido de tener sus buenos motivos para no hacerlo”.
La propia experiencia de pérdida de Fincher infundió su fascinación con respecto a la historia. “Mi padre falleció hace cinco años, y recuerdo la experiencia de haber estado allí cuando se marchó”, recuerda. “Fue increíblemente profundo. Cuando pierdes a alguien que te ha ayudado de muchas formas, que es tu ‘verdadero Norte’, pierdes la brújula de tu vida. Ya no tienes que tratar de complacer a nadie, y ya no tienes que reaccionar contra nadie. En muchos sentidos, te quedas totalmente solo”.
En un primer momento de los preparativos de la película, las reuniones de Fincher con Kennedy y Marshall con frecuencia se convirtieron en algo muy personal. “Empezábamos a hablar de la historia”, recuerda Fincher, “y al cabo de un cuarto de hora, estábamos hablando de las personas que habíamos amado y habían fallecido y de la gente a la que habíamos querido y no nos había hecho caso, o la gente que nos había perseguido o a quienes habíamos perseguido. La película es interesante por ello; nos afectó a todos”.
Realizar la película iba a ser un salto ambicioso, con desafíos tanto técnicos como dramáticos. “¿Cómo se puede crear de forma hábil y sucinta la experiencia de una vida, con todos sus altibajos, desde la tumba hasta la cuna, dentro de un mismo film?”, se pregunta Kennedy. “En el guión de Eric, cada momento atesora emociones que resuenan en uno más tarde. Traicionar esa sensibilidad perjudicaría la experiencia, por lo que desde el principio sabíamos que nos llevaría un tiempo proyectar la experiencia de toda una vida”.
Para Pitt, la única forma de interpretar el personaje era de forma completa, en todas las edades, lo que planteó los mayores retos del proyecto. “A Brad solo le interesaba el personaje si podía interpretarlo en todas las edades”, explica Fincher. “Kathy y Frank tenían verdadera curiosidad por saber cómo íbamos a hacerlo. Le comenté: ‘No lo sé, pero ya se nos ocurrirá algo’”.
El atractivo para Pitt estaba también en el viaje de Benjamin. “Muchos actores interpretan sus papeles en base a lo que hace su personaje”, explica Fincher. “Bien, Benjamin no ‘hace’ mucho por sí mismo, pero, bueno, sí que le pasan muchas cosas. Brad era la persona perfecta. Es el tipo de papel que resultaría pasivo en otras manos”.
Para compartir la pantalla con Pitt, Fincher eligió a Cate Blanchett. El director había pensado en Blanchett desde que la vio en “Elizabeth”. “Recuerdo haber ido al Sunset 5 y pensar, ‘¿Pero quién es? ¡Dios mío!’”, recuerda. “No es habitual ver a personas con esa potencia y habilidad”.
La actriz, comenta Pitt, “elevó nuestra interpretación. Es exquisita. Es una gran amiga. Puede leer una escena como muy pocos actores saben hacerlo. Encuentro que tiene una gracia innata. Me gustó que interpretara a una bailarina. Le encajaba como anillo al dedo por ser quien es, por su innegable elegancia”.
La relación entre el personaje de Daisy y Benjamin evoluciona a medida que ella comprende y aprende a vivir con sus circunstancias sobrenaturales. Como dice Eric Roth: “Cate representa a la mujer que tiene que asumir la idea de envejecer mientras que la persona que ama recorre un camino inverso ¿En qué se convierte la vida para ella entonces? Pasa de ser una bailarina apasionada e impetuosa a convertirse en una mujer con una enormes reservas de fuerza”.
Blanchett interpreta a Daisy con las formas y pasiones de una bailarina, aunque la relación de la actriz con la danza terminó en su infancia. “Cuando era una niña, hice las cosas que suelen hacer las niñas y estudié ballet, pero tuve que elegir entre eso y las clases de piano”, recuerda Blanchett. “Elegí el piano y luego lo dejé por la interpretación. Me gusta mucho el baile, pero soy consciente de mis limitaciones. La película fue una estupenda oportunidad de revivir ese amor”.
Daisy es uno de los muchos personajes que se cruzan con Benjamin. “Benjamin es una especie de bola blanca de billar y toda la gente que choca con él le deja su huella”, explica Fincher. “Así es la vida: una colección de esas marcas y huellas. Todos ellos le convierten en lo que es y en nadie más”.
“Me gusta la idea de las marcas”, añade Pitt. “Todo el mundo tiene su impacto y deja algún tipo de huella. Hay algo de poesía y aceptación en ello. Eso no quiere decir que te limites a dejarte llevar. No quiere decir que no luches por lo que quieres. Significa que aceptas lo inevitable de la vida. La gente va y viene. La gente se va, voluntariamente o porque fallece. La gente se marcha como tú mismo te marcharás algún día: es inevitable. La cuestión es cómo lo afrontes”.
Pitt asocia esta noción con su amigo y colaborador frecuente. “El film explora esa idea que sé que es cierta en el caso de Fincher: la idea de que somos responsables de nuestras propias vidas”, explica el actor. “Somos responsables de nuestros éxitos y nuestros fracasos, y nadie más tiene la culpa o el mérito por ellos. Sin duda, el destino tiene algo que ver también, pero al final, eres tú el que decides”.
El papel presentó a Pitt un desafío complejo distinto a cualquiera de los que hubiera afrontado antes en una película: comunicar el crecimiento interior de un personaje a medida que reacciona a las demás personas que se va encontrando por su camino. “El viaje de Benjamin Button es básicamente interior”, afirma Blanchett. “A pesar de las exigencias físicas evidentes que el papel planteó a Brad como actor, la clave estaba en interpretar un personaje que escucha y está presente y reacciona a todos en la película”.
“Es quizás la actuación más sosegada de Brad”, añade Fincher.
Roth señala también que Pitt ha dotado a los aspectos extraordinarios del personaje de su propia humanidad esencial: “La brillantez de su interpretación consiste en que Brad representa a ese tipo de ‘hombre ordinario’. Creo que en su propia vida Brad ha encontrado cierta afinidad con este personaje que se puede apreciar en su actuación. Comprende que es como vivir una vida distinta”.
Como la madre adoptiva de Benjamin, Queenie, le dice durante toda su vida: “Nunca sabes lo que va a pasarte”.
Benjamin nace en Nueva Orleans en 1918, al final de la I Guerra Mundial, una buena noche para nacer. Cuando su madre fallece en el parto, su padre, horrorizado por su aspecto, lo abandona en la puerta de Nolan House, un asilo atendido por Queenie.
Taraji P. Henson se vinculó con el papel de Queenie mucho antes de que la película llegara a hacerse realidad, cuando el director de casting de Fincher, Laray Mayfield, llamó la atención del director sobre su papel en “Hustle and Flow”. “Nos convenció a todos que fuera tan viva y maternal”, recuerda Fincher. “Encontré en Taraji toda la calidez, esa carencia total de prejuicios sobre los otros de Queenie”.
Queenie se dedica a algo que muy pocas personas podrían hacer. “Es una mujer que sabe enfrentarse a la muerte”, explica Henson. “Y, al mismo tiempo, es la encarnación del amor incondicional. Es capaz de acoger a un hijo que no es suyo, en un momento en el que imperaba el racismo, y a pesar de que el niño es blanco y ha nacido en unas circunstancias muy poco habituales, ella es capaz de pasarlo todo por alto y quererlo”.
El personaje atrajo a Henson a un nivel intensamente personal. “Se trata de un viaje muy espiritual para mí”, confiesa. “Acababa de perder a mi padre y, aunque le echo mucho de menos, es como si su muerte fuera parte de mi acercamiento hacia Queenie. Cuando mi padre estaba enfermo, nos aseguramos de que no estuviera nunca solo: siempre había alguien junto a su cama. Falleció mientras yo estaba con él porque sabía que yo podía afrontarlo. Este papel me ayudó a expresar mi pena y mi pena me ayudó a dar forma a mi actuación. El arte puede ser una buena medicina”.
Benjamin crece siendo adulto con una ecuanimidad hacia las pérdidas que pocas personas experimentan. “Procede de un mundo de personas que aceptan su propia mortalidad, por lo que pocas cosas le asustan”, explica Fincher. “Todas las personas que conoce son efímeras; todos los momentos con ellas bien pueden ser los últimos. Sin embargo, ninguna de esas personas está histérica, todos lo aceptan. Por eso, desde que es muy joven, está familiarizado con los aspectos más profundos de la muerte. Nos llega a todos y nos pasamos la vida concentrándonos en otras cosas para evitar tener que pensar en lo inevitable”.
Benjamin conoce a Daisy cuando ambos son niños y ella va a visitar a su abuela a Nolan House. Daisy ve más allá de la incapacidad que le produce su edad el niño que Benjamin lleva dentro. “Uno de los ejes de la película es cómo sus vidas coinciden y difieren”, comenta Roth. “Su relación evoluciona a medida que van creciendo y cambiando, con todas las oportunidades perdidas y aprovechadas de en medio”.
Aunque todos los que le rodean van haciéndose mayores, Benjamin va rejuveneciendo, él solo. “El recorrido inverso de Benjamin solo le hace ser más consciente de que uno no puede aferrarse a las cosas”, explica el co-protagonista Mahershalalhashbaz Ali. “Sabe que uno tiene las cosas durante un período de tiempo muy limitado y que luego hay que aceptar que se vayan. Puedes aprovecharlas todo lo que seas capaz mientras tanto, pero nunca te pertenecen”
Este sentido de aceptación es un rasgo que Fincher encuentra en su propio padre. “Veo muchas cosas de mi padre en Benjamin”, explica el director. “Como periodista y producto de la Gran Depresión, mi padre fue un estoico en cierta medida, un observador, aceptaba las cosas sin juzgarlas. Recuerdo que le hacía feliz apreciar a las personas tal y como eran. Infiltré esta característica en las reacciones de Benjamin y, sobre todo, en la forma en que trata con la gente, con las situaciones. Le miraba y me decía: ‘Sí, Jack lo haría así. Eso es lo que haría.’”
Junto con Queenie, Benjamin es criado por los ancianos y ancianas con todas sus aventuras y lecciones de vida y que han llegado a Nolan House para pasar tranquilamente sus últimos años.
Tizzy Weathers, el amor de toda la vida de Queenie, es uno de los primeros “padres” de Benjamin. “Tizzy es una especie de mástil, un barómetro de su madurez”, comenta Mahershalalhashbaz Ali, que interpreta a Tizzy. “Le ayuda a guiarle y criarle. Le enseña a leer y escribir, le habla de Shakespeare. Pero creo que lo más importante que le transmite es el sentido de lo que es el hombre. Tizzy le da las bases necesarias para que Benjamin disfrute de cierta tranquilidad con respecto a la presencia de una figura masculina en su vida”.
Pero Tizzy, como todas las personas a las que conoce y ama Benjamin, solo está con él un breve espacio de tiempo. Benjamin deja atrás a Queenie y a Tizzy, a Daisy, y a todos sus amigos del único hogar que haya conocido nunca cuando sale al mundo. La persona que le hace esa invitación a la aventura es el Capitán Mike y la variopinta tripulación de su remolcador.
Jared Harris interpreta al peculiar capitán que revela su yo secreto a través del mapa de tatuajes que le cubren el cuerpo. Harris describe su personaje como “una especie de artista frustrado enfadado, borracho y fracasado en cierta medida. Se dedicó al negocio familiar porque no fue capaz de enfrentarse a su padre”.
A pesar de sus problemas con su propio padre, el Capitán Mike se convierte en otro “padre” para Benjamin. “El padre es una figura muy importante en la vida”, comenta Harris. “Y, dentro de esta historia, los personajes masculinos – las relaciones entre los padres y los hijos – es un hilo conductor clave. El Capitán Mike le presenta a Benjamin, como una especie de padre/tío malo, los vicios y placeres de la vida. También le presenta la vida del mar, y a través de esa vida, Benjamin logra ver el mundo”.
Pero el Capitán Mike, al igual que Tizzy antes de él, es un sustituto de la figura real, Thomas Button, el padre que abandonó a Benjamin en la puerta de Queenie. “Thomas traslada toda su tristeza, su resentimiento y su miedo al futuro al niño”, explica Jason Flemyng, que interpreta a Thomas Button. “En una forma muy extraña, después de haber perdido a su mujer en el parto, Thomas cree que se va a librar de todo su dolor deshaciéndose de su hijo, y se pasa el resto de la vida lamentando ese acto. Le persigue en todo momento”.
Flemyng, amigo de Pitt y Fincher, quedó tan atrapado por el guión de Eric Roth que ya estaba decidido justo después de leerlo para tratar de dar forma al papel de Thomas Button. Flemyng lo recuerda así: “A Fincher y Céan Chaffin les interesaba mucho ver lo que podía hacer en ese papel. Sabía que éste iba a ser el tipo de película que yo iría a ver al cine. Y realmente quería formar parte de ella”.
Benjamin cumple su mayoría de edad en la remota ciudad portuaria rusa de Murmansk, donde conoce a otra gran personalidad, Elizabeth Abbott, interpretada por Tilda Swinton. “Tilda ha demostrado una y otra vez que puede hacer cualquier cosa”, comenta Kennedy. “La oportunidad para ella de compartir pantalla con Brad, Cate, Taraji y todos los demás grandes actores que intervienen en la película contribuyó a la enorme fuerza del film en su conjunto”.
La solitaria Elizabeth Abbott, esposa de un diplomático, que sueña con poder cruzar a nado el Canal de la Mancha, es quien le da su primer beso a Benjamin. “Cada uno aprende algo del otro”, aclara Swinton. “Ella es abierta, enérgica y se está buscando a sí misma; él es paciente, sencillo y optimista. Es un intercambio justo. La idea de ella, al final de la aventura de su vida, afectada por el sentido de inicio de Benjamin – de vivir con la novedad de su independencia y capacidad de elección, de poder dar forma a su propia vida – es algo que encuentro muy conmovedor”.
A través de los viajes de Benjamin en el remolcador, la propia trayectoria de Daisy la lleva a Nueva York, donde se une a una compañía de baile en la flor de su juventud, llenándola de emociones y traspasando las fronteras. “No se trata de un canto a la ‘dependencia’ del tipo ‘No puedo vivir sin ti’”, explica Fincher. “No se están esperando. Son los dos sexualmente activos. Son dos personas completas que deciden estar juntas durante un tiempo, incluso aunque no sea el camino más fácil”.
Sus caminos se separan y convergen varias veces durante su vida, hasta que llegan a lo que Fincher denomina el “punto dulce” en la mitad, cuando están destinados a permanecer juntos. “El universo conspira para convertirlos en lo que son en el momento adecuado”, comenta. “Es como si se sintieran aliviados cuando están juntos porque ahora puede ocurrir justo como se suponía que tenía que ser”.
Daisy, y todas las personas que pueblan el mundo de Benjamin, tienen su propio desarrollo vital a lo largo de la historia. Sus historias, juntas o desenfocadas, son hilos imprescindibles dentro del tapiz que supone la película.
“Creo que David tiene el sentido de un artista de manejar el material fílmico real con sus propias manos”, comenta Swinton. “Se arremanga. Percibe tanto las tradiciones del cine de Hollywood como lo que considera sus posibilidades casi ilimitadas, todo ello con la actitud de un verdadero pionero. Es como un niño en un arenero. Es como si las imágenes que construye con sus colegas están sencillamente descargadas desde una película que ya existe, totalmente formada, en su cabeza. Es como si estuviera integrando su idea de la película en un juego elaborado: es como si estuviera recordando un sueño. El asombro no parece terminar de abandonarle nunca”.
Pitt está de acuerdo y señala: “David es como un hombre poseído. Tiene muy buen ojo para el cine y el equilibro y el baile de los movimientos de la cámara que sabe hacer de forma soberbia. La gran recompensa es que al final se consigue una obra de arte de factura muy fina, es un verdadero escultor”.
“Da la vuelta a una idea, a un momento, a una imagen, a un personaje o a una escena, mirándolo desde todos los ángulos y, allí donde otras personas se dan por satisfechas con la visión tridimensional de una idea, David sigue investigando hasta que tiene seis o siete dimensiones”, añade Blanchett. “Allí donde otros dirían: ‘Déjalo David, es imposible’, él se siente espoleado. No creo que haya muchos directores capaces de haber llegado a los lugares increíbles a los que David trasladó esta historia (junto con nosotros)”.
“El Curioso Caso de Benjamin Button” se rodó en distintas localizaciones, incluido Montreal y el Caribe, y la ciudad natal del personaje es Nueva Orleans, que se estaba recuperando tras el devastador huracán Katrina cuando llegó el equipo de producción. “Habíamos organizado el rodaje en Nueva Orleans antes del Katrina y, por supuesto, hubo un período de cierta incertidumbre sobre si íbamos a poder rodar tras el desastre”, recuerda Kennedy. “Sin embargo, nos llamaron de la ciudad dos días después del desastre, animándonos activamente a seguir con nuestros planes”.
Trabajar en una zona que acaba de sufrir graves daños emocionales y físicos planteó ciertos retos logísticos. “Con el increíble apoyo de la ciudad y el gran talento de nuestro equipo y elenco, al final fueron complicaciones menores”, recuerda Marshall. “Todos los días se planificaron y ensayaron con gran atención, y el liderazgo de David en todas las áreas nos permitió a todos tener una idea clara de lo que podíamos esperar por lo que, en general, el rodaje fue muy bien”.
El equipo pronto descubrió que los problemas no habían socavado el espíritu de la población de la ciudad. “Creo que Fincher y yo fuimos muy afortunados de poder trabajar con personas que estaban ahí porque querían estar ahí”, comenta Chaffin. “En esta película, recibimos una extraordinaria cantidad de ‘Sí, nos encantaría contar con vosotros’, especialmente en Louisiana. Todos los que leían el guión se sentían conmovidos por alguna parte de él, y eso variaba de una persona a otra. Creo que les recordaba a algo de sus propias vidas y que por eso querían participar en el proyecto”.
La intemporalidad de la ciudad encajaba a la perfección con la sucesión de distintas épocas de la película de Fincher. “Era importante delinear claramente cada era sin anunciar abiertamente el paso del tiempo”, explica el diseñador de producción Donald Graham Burt. “Lo más importante era crear cierta sensación de paso natural del tiempo dentro de los escenarios de la película. [El decorador de escenarios] Victor J. Zolfo y yo discutimos qué elementos pensábamos que debían cambiar y cuáles deberían quedar suspendidos en el tiempo. Era importante que todos los elementos tuvieran una finalidad y un sentido, y que no se usaran solamente para rellenar un vacío o se cambiaran por cambiar”.
Fincher trabajó con el equipo de diseño de producción para crear en los escenarios la sensación de estar pasando las hojas de un viejo álbum de fotos lleno de retratos de personas sencillas viviendo vidas normales. “Creamos nuestras propias ‘historias de vida’ para cada uno de los decorados, en especial para Nolan House y el Winter Palace Hotel de Murmansk [donde Benjamin conoce a Elizabeth] –, lugares donde se producen los principales acontecimientos de la vida de Benjamin”, comenta Zolfo.
El objetivo a todos los niveles de la producción era crear un realismo creíble que inculcara las verdades esenciales en el corazón de la historia. “A pesar de que había muchos elementos de fábula en la historia, quería que por otra parte resultara lo más realista posible”, explica Fincher. “No quería crear ese efecto de ‘Érase una vez’. No quería sacar a los actores del atolladero. No quería sacar al público del atolladero. Todo tenía que pertenecer a su período; el aspecto de los lugares, la ropa de la gente, el tipo de gafas o audífonos que usaban...”.
Los trajes eran de época, pero estilizados. La diseñadora de vestuario Jacqueline West se reunió con Burt y Zolfo muy pronto para garantizar la simetría de su trabajo. “David compone como un pintor”, comenta West. “Cuando llegué al escenario del remolcador, parecía como un cuadro de Caillebotte. Así que recurrí a Caillebotte y los otros primeros impresionistas (Edouard Manet, Toulouse Lautrec, Courbet...) para inspirarme. Lo único que sabía era que cuando me hubiera empapado de la hermosa sensibilidad de Don Burt, fuera lo que fuera lo que plasmara luego con mi propia paleta, que era bastante oscura y turbia, funcionaría”.
West recurrió a los fotógrafos de WPA y FSA durante la época de la Gran Depresión, especialmente para inspirarse para la ropa de Queenie durante los primeros años de vida de Benjamin Button. “Queenie es una mujer pobre con mucho carácter, por lo que quería que su armario reflejara su personalidad”, explica. “También me imaginé que la mayoría de sus prendas serían heredadas de las ancianas que habían vivido y fallecido en Nolan House. Probablemente tuvieran ya 20 años de antigüedad, por lo que me retrotraje un poco más”.
Por el contrario, Daisy estaría vestida siempre a la última moda y con las ropas típicas de una bailarina de la época. Para Daisy, West recurrió al coreógrafo pionero George Balanchine y su esposa y musa, Tanaquil LeClercq, una inspiración que la propia Blanchett había explorado. “Me fijé en los movimientos de baile que habían influido en la juventud de Daisy”, explica Blanchett. “George Balanchine y Tanaquil LeClercq me resultaron especialmente interesantes”.
Blanchett, comenta West, “se convirtió en bailarina gracias a lo accesorio. Me recuerda mucho a las imágenes que había visto de LeClercq: el lenguaje corporal, las maneras y el conflicto interior”.
LeClercq era aficionada a los diseños de Claire McCardell, una de las principales diseñadoras estadounidenses en los años 40 y 50 del siglo pasado, y a la que se considera creadora del look USA. West recurrió a McCardell para uno de los trajes más memorables de Daisy: el vestido vaporoso rojo que lleva en su cita con Benjamin. “Jackie fue sin duda mi cómplice”, afirma Blanchett. “Me encantó cada puntada, cada botón. Me dio a conocer a Claire McCardell y los accesorios de los trajes fueron toda una revelación. Tuve mucha suerte”.
Para vestir a Benjamin Button durante toda su vida, West se remitió a los iconos del cine del siglo XX. “Recurrí a Gary Cooper en los años 40, a Marlon Brando en los 50 y a Steve McQueen en los 60. Fueron una estupenda inspiración, y Brad tiene ese mismo carisma, por lo que ya sabía podría llevar las prendas”, confiesa.
Otro elemento físico para Pitt fueron las técnicas digitales que facilitarían su interpretación de Benjamin desde la juventud hasta la ancianidad. El supervisor de efectos visuales Eric Barba, colaborador de Fincher desde hace mucho tiempo, afirma: “David me dijo al principio, ‘Brad tiene que interpretar el personaje de principio a fin.’ Benjamin es el núcleo emocional de la película, incluso aunque parezca imposible. Ese fue nuestro reto en cuanto a los efectos”.
Barba trabajó en colaboración con el oscarizado diseñador de maquillaje Greg Cannom, quien creó prótesis para mejorar el envejecimiento y rejuvenecimiento a lo largo de todo el film.
La sutil aunque meticulosa atención al detalle sobre un gran lienzo llevó a la incorporación de las técnicas de cine digital a la película. “El estilo de rodaje de David aporta el sentido de lo que David Lean ejemplificó con tomas de barridos épicos que capturan la sensación de tiempo y espacio”, comenta Marshall. “El atractivo emocional de la película alcanza toda su potencia gracias al uso que David hace de la cámara como observador. Quiere que te impliques en el estudio del personaje, por lo que el trabajo de cámara se vuelve más estudiado y tranquilo. No se trata de una película con cortes rápidos y movimientos de cámara frenéticos y viscerales”.
“Queríamos algo lo más naturalista posible”, declara el director de fotografía Claudio Miranda. “Tratamos de saber cuál iba a ser el origen de la iluminación, y luego tratamos de plegarnos a ello o representarlo. Hicimos algunas tomas en las que simplemente usamos bombillas para iluminar la escena. Normalmente esto se oculta encendiendo una luz y atenuándola poco a poco para crear luego otra fuente de luz desenfocada. Me ha encantado estar ahí”.
El origen de la iluminación cambia a medida que las épocas se van superponiendo. “Existe una progresión en la tecnología, desde las velas y las lámparas de gas hasta las bombillas incandescentes y las fluorescentes”, explica Fincher. “Hay algunas luces de cine, pero no muchas. En su mayoría, se filmó digitalmente para poder utilizar ese tipo de orígenes de la iluminación y poder movernos también rápidamente”.
Ocasionalmente, las tomas se presentaron orgánicamente, como en la elegante toma libre de Blanchett bailando en el cenador durante su cita con Benjamín en Nueva York. “Esa toma fue muy sencilla. Lo vimos y dijimos: ‘Tenemos que rodar ahí’, recuerda Fincher. “Discutimos un poco sobre cuál debía ser el fondo y dije: ‘Bueno, lo que hay ahí es una ciénaga, así que vamos a crear vapor o humo, iluminar esos árboles y representarla a ella como una silueta.’ Estamos buscando un estilo del Viejo Hollywood clásico, muy sencillo. Parecía como una caja de música”.
La sensibilidad y atención al detalle de Fincher resultó el complemento ideal a su profunda comprensión de las verdades subyacentes en la historia de Benjamin. “Considerando el ámbito épico de la historia y las profundas evoluciones emocionales, cada decisión que tomó fue perfecta, y fue muy gratificante para nosotros formar parte de ello”, concluye Kennedy.
EL REPARTO
BRAD PITT (Benjamin Button), es uno de los actores de más éxito en la actualidad, y también un exitoso productor con su empresa Plan B Entertainment.
Fue nominado a los Oscar por su papel en “Doce Monos”, de Terry William, por el que recibió un Globo de Oro. También fue nominado a los Globos de Oro por su actuación en “Leyendas de pasión”, de Edward Zwick, y “Babel”, de Alejandro González Iñárritu.
Pitt ha protagonizado más recientemente la película de Joel y Ethan Coen “Quemar después de leer”, que se estrenó a escala mundial en la velada inaugural del Festival de Cine Internacional de Venecia en 2008. El año anterior, fue elegido Mejor Actor en Venecia por su interpretación de Jesse James en "El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford", dirigida por Andrew Dominik.
Junto a George Clooney, co-protagonista de "Quemar después de leer”, también lo vimos en los éxitos de Steven Soderbergh "Ocean's Eleven “, "Ocean's Twelve" y "Ocean's Thirteen".
Nacido en Shawnee, Oklahoma, se crió en Springfield, Missouri, y asistió a la Universidad de Missouri en Columbia, donde estudió Periodismo. Justo antes de licenciarse, se trasladó a Los Ángeles para estudiar diseño gráfico, pero en su lugar inició su carrera como actor de la mano de Roy London. Muy pronto empezó a conseguir papeles en televisión, incluida la serie "Glory Days" y los aclamados telefilms "The Image" dirigido por Peter Werner y "Too Young to Die?" dirigida por Robert Markowitz.
El primer papel por el que Pitt llamó la atención a nivel nacional fue el que interpretó en la oscarizada "Thelma y Louise", de Ridley Scott. Pronto protagonizó la oscarizada "El río de la vida", de Robert Redford, “Kalifornia”, de Dominic Sena, y "Entrevista con el vampiro”, de Neil Jordan. También ha protagonizado "Johnny Suede”, de Tom DiCillo, que ganó el Leopardo de Oro a la Mejor Película en la edición de 1991 del Festival Internacional de Cine de Locarno y en "Una rubia entre dos mundos”, de Ralph Bakshi, “Amor a quemarropa", de Tony Scott, “Sleepers”, de Barry Levinson, "La sombra del diablo”, de Alan J. Pakula, “Siete años en el Tíbet”, de Jean-Jacques Annaud, “¿Conoces a Joe Black”, de Martin Brest, y dos películas anteriores de David Fincher: "Se7en" y "El club de la lucha".
Sus trabajos más recientes incluyen "Señor y señora Smith", de Doug Liman, que fue uno de los mayores éxitos de 2005, "Troya", de Wolfgang Petersen, la película animada de Patrick Gilmore y Tim Johnson "Simbad, la leyenda de los siete mares", "Spy Game (Juego de espías)", de Tony Scott, "The Mexican", de Gore Verbinski, "Snatch. Cerdos y diamantes", de Guy Ritchie, así como algunos cameos en "Full Frontal, de Soderbergh, y "Confesiones de una mente peligrosa", de Clooney.
Con Plan B Entertainment Pitt desarrolla y produce proyectos para cine y televisión. Plan B ha producido hasta ahora películas como "Infiltrados”, de Martin Scorsese, por la que ganó cuatro Óscar, incluido el de Mejor Película y Mejor Director, "Un corazón invencible”, de Michael Winterbottom, por la que Angelina Jolie fue nominada a los Globos de Oro, los Independent Spirit, los Critics' Choice y los premios del Sindicato de Actores, "Charlie y la fábrica de chocolate”, de Tim Burton, protagonizada por Johnny Depp, "Recortes de mi vida”, de Ryan Murphy, por la que Annette Bening fue nominada a los Globos de Oro, "Troya" y "El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford”.
CATE BLANCHETT (Daisy), quien recientemente ha interpretado a Irina Spalko en el éxito de Steven Spielberg “Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal”, ha sido nominada a dos Óscar este año como Mejor Actriz por “Elizabeth: La edad de oro” y como Mejor Actriz de Reparto por “I’m Not There”, lo que la convierte en la quinta actriz en los ochenta años de historia de la Academia en ser nominada para ambas categorías de actuación en la misma edición de los premios. Además, por “Elizabeth: La edad de oro”, también fue nominada a los SAG y los BAFTA. Con “I’m Not There”, fue nominada además a los SAG y los BAFTA y se hizo con el premio a la Mejor Actriz en el Festival de Cine de Venecia, el de Mejor Actriz de Reparto en los Globos de Oro y con un Independent Spirit Award por su trabajo.
Blanchett ya había ganado un Óscar como Mejor Actriz de Reparto por su tan aclamado retrato de Katharine Hepburn en “El aviador”, de Martin Scorsese. También recibió un BAFTA, un SAG y un Globo de Oro por este papel. En 1999, Blanchett recibió su primera nominación a los Óscar y sus primeros BAFTA y Globo de Oro por su interpretación de otro personaje insigne: la reina Isabel I de Inglaterra, en “Elizabeth”, de Shekhar Kapur. Posteriormente fue nominada a los Óscar, los Globos de Oro y los premios del Sindicado de Actores por su papel en “Diario de un escándalo” junto a Judi Dench.
Blanchett ha protagonizado recientemente “El buen alemán”, dirigida por Steven Soderbergh, junto a George Clooney y Tobey Maguire, y “Babel”, al lado de Brad Pitt.
Blanchett también ha sido nominada a los Globos de Oro en la categoría de Mejor Actriz por su papel en “Veronica Guerin”, de Joel Schumacher, y su papel en “Bandits”, de Barry Levinson. Entre sus otros trabajos destacan la trilogía de “El señor de los anillos”, “The Life Aquatic”, de Wes Anderson y “Coffee and Cigarettes”, de Jim Jarmusch, por la que fue nominada a los Independent Spirit Awards, “Despariciones”, de Ron Howard, junto a Tommy Lee Jones, “Charlotte Gray” dirigida por Gillian Armstrong, “Atando cabos”, de Lasse Hallstro, con Kevin Spacey, “Little Fish”, de Rowan Woods, con Sam Neill y Hugo Weaving (por la que ganó un premio AFI a la Mejor Actriz), “Fuera de control”, de Mike Newell, con John Cusack, “Un marido ideal”, de Oliver Parker, “El talento de Mr. Ripley”, de Anthony Minghella, por la que fue nominada a los BAFTA como Mejor Actriz de Reparto, “Premonición”, de Sam Raimi, y “Vidas furtivas”, de Sally Potter, por la que fue nominada a Mejor Actriz de Reparto por el National Board of Review.
Graduada por el National Institute of Dramatic Art (NIDA) australiano, Blanchett cuenta entre sus primeras apariciones en la gran pantalla con "Camino al paraíso", de Bruce Beresford, “Thank God He Met Lizzie”, por la que ganó un premio del Australian Film Institute (AFI) y un Sydney Film Critics Award como Mejor Actriz de Reparto, y “Oscar y Lucinda”, de Gillian Armstrong, junto a Ralph Fiennes, por la que fue también nominada a los AFI como Mejor Actriz.
En la extensa carrera teatral de Blanchett destacan producciones con Company B, radicada en Belvoir Street, en Sydney, bajo la dirección de Neil Armfield. Sus papeles incluyen el de Miranda en “La tempestad”, Ophelia en “Hamlet”, por la que recibió una nominación a los Green Room Awards, Nina en “La gaviota” y Rose en “The Blind Giant is Dancing”. Con la Sydney Theatre Company participó en “Top Girls”, de Caryl Churchill, “Oleanna”, de David Mamet (por la que ganó el Sydney Theater Critics Award a la Mejor Actriz), “Sweet Phoebe”, de Michael Gow, y “Kafka Dances”, de Timothy Daly, que le valió un Critics Circle Award como Mejor Revelación. Con el Almeida Theatre, en 1999, Blanchett interpretó a Susan Traheren en “Plenty”, de David Hare, en el West End londinense.
En 2004 Blanchett volvió a la Sydney Theatre Company para protagonizar la adaptación de “Hedda Gabler” de Andrew Upton. La obra fue todo un éxito de crítica que le reportó un prestigioso Helpmann Award en la categoría de Mejor Intérprete Femenina de Teatro. La producción vendió todas las localidades durante su paso por la Academy of Music de Brooklyn en 2006 en el que fue el debut sobre las tablas de Nueva York de Blanchett.
Blanchett se estrenó como directora con la obra “A Kind of Alaska” con la Sydney Theatre Company, a la que siguió una producción de “Blackbird”, de David Harrower, y “The Year of Magical Thinking”, de Joan Didion.
Blanchett es miembro del Australian Museum Board of Trustees y embajadora de la Australian Conservation Foundation, SolarAid, el Australian Film Institute y el Festival de Cine de Sydney.
Junto con su marido, Andrew Upton, han sido recientemente nombrados Co-directores Artísticos de la Sydney Theatre Company. Su temporada de debut comenzará en 2009.
TARAJI P. HENSON (Queenie), que saltó a la fama con "Hustle and Flow”, ha protagonizado recientemente películas como "Talk to Me" junto Don Cheadle, el drama de acción coral "Ases calientes" con Jeremy Piven, Alicia Keys y Ben Affleck, y "The Family That Preys", de Tyler Perry, con Kathy Bates y Alfre Woodard.
Pronto se verá en la gran pantalla su papel co-protagonista junto a Forest Whitaker y Lil' Wayne en "Hurricane Season" y "Not Easily Broken" junto con Morris Chestnut, dirigida por Bill Duke. Actualmente está rodando la película independiente “Once Fallen” con Ed Harris y Amy Madigan. Henson fue habitual en el drama de David E. Kelly "Boston Legal” y ahora aparece recurrentemente en “Eli Stone”, de la ABC, como Patti, la hija de Loretta Devine. Henson también protagoniza el video musical del último single de Estelle, “Pretty Please”.
Henson fue nominada a Mejor Actriz de Reparto en la edición de 2005 de los Black Movie Awards y recibió el premio a la Mejor Actriz en los BET Awards de 2006 por su papel de Shug en el drama "Hustle and Flow”, producido por el oscarizado John Singleton y protagonizado por Terrence Howard. Recibió dos nominaciones en los 2006 MTV Movie Awards, incluido el de Mejor Actriz Revelación. Henson debutó como cantante en "Hustle and Flow” al formar parte de su banda sonora, e interpretó la oscarizada canción "It's Hard Out Here for a Pimp" en la 78 gala anual de la Academia de los Oscar. Coincidió con John Singleton por tercera vez en "Cuatro hermanos" junto a Mark Wahlberg y Andre 3000, para Paramount Pictures. Henson co-protagonizó junto a Sanaa Lathan y Simon Baker "Something New”, y es muy recordada por su papel de Yvette, la bonita novia de Jody (Tyrese) en "Baby Boy”, escrita, producida y dirigida por John Singleton.
Durante tres años, Henson protagonizó a una detective en "The Division", de Lifetime. Co-protagonizó la película "Se ha escrito un crimen: El último hombre libre" para la CBS, protagonizada por Angela Lansbury y Phylicia Rashad. En cuanto a las series de televisión, ha aparecido en "Urgencias”, "Doctores de Filadelfia”, "CSI” y "House”, entre otras.
Nacida y criada en Washington, D.C., esta graduada por la Howard University vive en Los Ángeles. Henson es una apasionada de la ayuda a los niños discapacitados y menos afortunados y confiesa: “Siempre les digo a los niños que tienen que tener fe en sí mismos: la mejor receta para el éxito es la confianza en uno mismo”.
JULIA ORMOND (Caroline) nació en Epsom, Surrey, Inglaterra, y sintió la llamada del teatro en las representaciones del colegio; estudió interpretación en la Academia de Artes Dramáticas Webber-Douglas londinense. Tras graduarse, hizo su debut profesional en el teatro hasta que consiguió su primer papel protagonista en la serie de Channel Four "Traffik”.
Con varios años de sólida trayectoria sobre las tablas y la televisión a sus espaldas, Ormond co-protagonizó la biografía para la HBO "Stalin”, en la que su actuación como la sufrida esposa del dictador fue uno de los aspectos más destacados de la producción. Fue este papel el que impresionó al director Edward Zwick, que la eligió para encarnar a la heroína en su película de alto presupuesto “Leyendas de pasión” protagonizada por Brad Pitt. Ormond interpretó luego a la reina Ginebra junto a Sean Connery (rey Arturo) y Richard Gere (Lancelot) en "El primer caballero" y, posteriormente, fue la protagonista del remake de “Sabrina” de Sydney Pollack, junto a Harrison Ford.
Ormond ha protagonizado recientemente "Inland Empire”, de David Lynch, así como "Kit Kittredge: An American Girl" con Abigail Breslin. Ormond también ha participado en "Che", de Steven Soderbergh, junto con Benicio Del Toro y "Surveillance", con Bill Pullman.
Ha formado parte del reparto de proyectos internacionales como "Smilla: Misterio en la nieve”, "Sibirskij Tsiryulnik" ("The Barber of Siberia") y "Resistance”.
Ormond fue productora ejecutiva del documental “Calling the Ghosts”, ganador de un premio Emmy, sobre dos supervivientes de Omarska, el campo de concentración serbio, y es una conocida activista social en cuestiones humanitarias. Es Presidenta de ASSET, The Alliance to Stop Slavery and End Trafficking, una ONG que promueve y respalda las soluciones sistémicas para acabar con la esclavitud mundial. También es Embajadora de Buena Voluntad de la Oficina de las Naciones Unidas sobre las Drogas y el Crimen para luchar contra el Tráfico de Personas y la Esclavitud y Presidenta Fundadora de FilmAid International.
JASON FLEMYNG (Thomas Button) es un interesante y versátil actor cuyo talento y fuerte presencia en pantalla le han convertido en uno de los intérpretes más atractivos de Gran Bretaña en nuestros días.
Recientemente ha aparecido en “Stardust”, su cuarta colaboración con Matthew Vaughn. También ha sido Crazy Larry en el debut como director de Vaughn, “Crimen organizado”, protagonizada por Daniel Craig. Antes, Flemyng fue co-protagonista de la primera película como director de Guy Ritchie “Lock and Stock” y el siguiente film de Ritchie, “Snatch. Cerdos y diamantes”, ambas producidas por Vaughn.
Famoso por haber creado personajes distintivos, Flemyng aportó su talento a “La liga de los hombres extraordinarios” junto a Sean Connery, “Rock Star”, de la Warner Bros., protagonizada por Mark Wahlberg y Jennifer Aniston, “Desde el infierno”, de los hermanos Hughes, protagonizada por Johnny Depp y “Belleza robada”, de Bernardo Bertolucci, con Liv Tyler. Sus otros trabajos incluyen “Sumergidos”, “El violín rojo”, “El misterio de las profundidades”, “The Hollow Reed” y “Alive and Kicking”. Sus trabajos para televisión incluyen sus papeles en “Alicia en el País de las Maravillas”, para la NBC, la producción de la BBC “A Question of Attribution”, dirigida por John Schlesinger, y “For the Greater Good”, dirigida por Danny Boyle. Fue Jim Corbett en “The Man-Eating Leopard of Rudraprayag”, para la BBC, que cuenta la verdadera historia de la búsqueda de Corbett del leopardo devorador de hombres más famoso de la India colonial en 1925.
Entre sus apariciones en el teatro destacan Flemyng varias interpretaciones con la Royal Shakespeare Company (Barbican) incluida “Coriolanus”, “Como gustéis”, “Moscow Gold” “Barbarians” y “Bien está lo que bien acaba”.
ELIAS KOTEAS (Monsieur Gateau) participó, al comienzo de su carrera, en "Luna llena en agua azul" y "Malarek”, que le valieron sus primeras dos nominaciones a los Genie Awards en la categoría de Mejor Actor.
Posteriormente hizo su debut como director en "Crash", de David Cronenberg, y en varias películas dirigidas por Atom Egoyan, entre las que se incluyen "El liquidador”, así como "Exotica”, por la que fue nominado a un Genie como Mejor Actor de Reparto, y "Ararat”, con la que ganó un Genie como Mejor Actor de Reparto.
Koteas también apareció en "Hit Me”, Steven Shainberg, "Gattaca”, de Andrew Niccol, "Fallen”, de Gregory Hoblit, "Verano de corrupción”, de Bryan Singer, "Living Out Loud”, de Richard LaGravanese, "La delgada línea roja”, de Terrence Malick (nominado a los Oscar), "Sonrisa peligrosa”, "Las flores de Harrison" y "The Greatest Game Ever Played", dirigidas por Bill Paxton.
Sus papeles más recientes incluyen "El tirador”, de Antoine Fuqua, "Skinwalkers", de James Isaac, y "Zodiac", de David Fincher. Próximamente veremos a Koteas en "Shutter Island”, de Martin Scorsese, “The Haunting in Connecticut” junto a Virginia Madsen, y el thriller de ciencia ficción “The 4th Kind”.
Entre sus papeles en television destacan "Traffic: The Mini-Series” (nominada a los Emmy), la película original para la HBO "Shot in the Heart”, en la que interpretó al famoso asesino Gary Gilmore, "Sugartime", para la HBO, y el drama de Horton Foote "The Habitation of Dragons”.
Koteas se graduó por la American Academy of Dramatic Arts y es miembro del prestigioso Actors' Studio. Ha protagonizado numerosas producciones teatrales, incluida "Hot 'N' Throbbing”, de Paula Vogel, "El beso de la mujer araña " y "True West", de Sam Shepard, dirigida en Broadway por Matthew Warchus.
TILDA SWINTON (Elizabeth Abbott) ganó un Oscar y un BAFTA por su papel en "Michael Clayton”, de Tony Gilroy, protagonizada por George Clooney, con el que más recientemente ha protagonizado el thriller cómico "Quemar después de leer" dirigida por Joel y Ethan Coen, y que se estrenó a escala mundial en la velada inaugural del Festival de Cine Internacional de Venecia de 2008. También fue nominada a los premios del Sindicato de Actores y los Globos de Oro por su papel en "Michael Clayton”. Swinton ya había sido nominada antes a los Globos de Oro por "El precio del silencio”, de David Siegel y Scott McGehee, que también le supuso una nominación a los Independent Spirit Awards.
Escocesa de nacimiento, Swinton debutó en el cine con el director inglés Derek Jarman en 1985, protagonizando "Caravaggio”. Coincidieron en otras películas entre las que se incluyen "El ultimo de Inglaterra”, "La semilla del mal”, "War Requiem”, "Eduardo II" (por la que fue nominada a Mejor Actriz en el Festival de Cine de Venecia de 1991) y "Wittgenstein”, antes del fallecimiento de Jarman de 1994.
Obtuvo el reconocimiento internacional en 1992 por su interpretación en "Orlando”, basada en la novela de Virginia Woolf y dirigida por Sally Potter. Desde entonces, entre sus películas destacan "Conceiving Ada" y "Teknolust" (en cuatro papeles), de Lynn Hershman-Leeson, "Female Perversions", de Susan Streitfeld, "El amor es el diablo", de John Maybury, "Possible Worlds", de Robert Lepage, "La playa ", de Danny Boyle, "Vanilla Sky", de Cameron Crowe, "El ladrón de orquídeas", del oscarizado Spike Jonze, "Young Adam", de David Mackenzie, dos películas coprotagonizadas con Keanu Reeves, "Thumbsucker", de Mike Mills, y "Constantine", de Francis Lawrence, "The Man from London”, de Béla Tarr, los dos éxitos de taquilla de "Las crónicas de Narnia", de Andrew Adamson, y "Julia", de Erick Zonca, que se presentó a escala mundial en la edición de 2008 del Festival Internacional de Cine de Berlín.
Swinton ha interpretado recientemente un papel en la última película de Jim Jarmusch, "The Limits of Control”, y también ha aparecido en "Flores rotas", escrita y dirigida por Jarmusch.
JARED HARRIS (Capitán Mike) es un intérprete a cuya intensidad en pantalla hace sombra su carisma fuera de ella y uno de los actores más aclamados de su generación. Recientemente ha protagonizado trabajos tan variados como “La joven del agua”, de M. Night Shyamalan, y la aclamada miniserie de la BBC “To Ends of The Earth”.
Otras películas incluyen “Sylvia”, protagonizada por Gwyneth Paltrow, “Resident Evil: Apocalypse” y “Dummy” junto al oscarizado Adrien Brody y Milla Jovovich. Se ganó el reconocimiento de la crítica por su fascinante interpretación del influyente artista pop estadounidense Andy Warhol en la aclamada “Yo disparé a Andy Warhol”, para la que, a la verdadera manera de Warhol, Harris acudió a la prueba con una videocámara y grabó al director mientras se estaba grabando su propia prueba. Harris se ha hecho famoso por interpretar personajes variados y únicos, incluido el portentoso barrendero de “Smoke” y “Blue in the Face”, de Wayne Wang y Paul Auster, y a un truculento cazador de pieles en “Dead Man”, de Jim Jarmusch, el peculiar hermano de Tom Cruise en “Un horizonte muy lejano” y un sórdido taxista ruso en “Happiness”, de Todd Solondz, por la que el reparto recibió el premio al Mejor Elenco del National Board of Review de 1999, así como la apasionante “Sunday”, que ganó el Gran Premio del Jurado a la Mejor Película y el Mejor Guión en el Festival de Cine de Sundance en 1997.
Su primera aparición en pantalla se produjo en 1989, en “Seducir a Rachel”, que supuso el debut como director de su hermano mayor Damian. Con una carrera marcada por el reconocimiento unilateral, Harris recibió muy buenas críticas por sus interpretaciones, incluida la de Enrique VIII en la improvisada producción de “The Other Boleyn Girl” para BBC2. Salon.com afirmó: “Harris le deja a uno el corazón helado” a propósito de su interpretación de John Lennon junto a Adian Quinn (Paul McCartney) en “Two of Us”, de Michael Lindsay-Hogg, y Anita Gates, del The New York Times, afirmó: “Jared Harris se está convirtiendo en uno de los actores más fascinantes del momento” en relación con su papel en “B. Monkey", de Michael Radford, junto a Asia Argento. También co-protagonizó “Igby a la deriva”, escrita y dirigida por Burr Steers y protagonizada por Kieran Culkin, Claire Danes y Jeff Goldblum.
Hijo del famoso actor irlandés Richard Harris, nació en Londres y estudió en la Duke University, donde se especializó en drama y literatura. Tras graduarse, Harris se integró en la Royal Shakespeare Company. Formó parte de algunas de las compañías teatrales más famosas de Nueva York, incluidos sus trabajos en el New York Shakespeare Festival, el New Group, la New Jersey Shakespeare Company, el Vineyard Theater y el Manhattan Theater Club.
ELLE FANNING (Daisy –6 años) es una enérgica, vital y brillante actriz de diez años de edad que hizo su debut cinematográfico como la joven Lucy en “Yo soy Sam”, de New Line Cinema. Posteriormente co-protagonizó junto a Eddie Murphy la comedia familiar “Papá canguro” para Revolution Studios, que le valió a Fanning su primera nominación a un Young Artists Award.
En 2004, protagonizó junto a Jeff Bridges y Kim Basinger “Una mujer difícil”, de Focus Films, dirigida por Tod Williams. A esa película le siguió “Mi mejor amigo” con Cicely Tyson y Dave Matthews. En 2006, fue nominada dos veces a los Young Artists Awards por su trabajo en "Babel", nominada a los Oscar y protagonizada por Brad Pitt y Cate Blanchett, y en la miniserie para el canal SCI-FI “La habitación perdida”, protagonizada por Peter Krause. Ese mismo año, Fanning trabajó en “Un cruce en el destino”, en la que era Emma Learner, la hija de ocho años de edad de Joaquin Phoenix y Jennifer Connelly.
El año pasado, Fanning protagonizó “Phoebe in Wonderland” junto a Felicity Huffman y Patricia Clarkson. La película se estrenó en la edición de 2008 del Festival de Cine de Sundance. Entre sus últimos trabajos destacan “The Nutcracker: The Untold Story”, una película de época ambientada en la Viena de los años 20. Protagonizada también por John Turturro y Nathan Lane, se trata de la historia intemporal de una niña cuyo padrino le regala una muñeca muy especial en Navidad.
Además de su participación en películas, Fanning también ha hecho numerosas apariciones en televisión. Ha participado en “CSI: Miami” y “CSI: Nueva York”, además de en “House”, “Mentes criminales”, “La juez Amy” y “Sexy Money”. También ha participado en anuncios publicitarios para Toyota, Smuckers y Target y ha aparecido en el número especial del 30 aniversario de Vogue Bambini.
Fanning sigue rebosando energía y le gusta actuar y bailar. Vive en Los Ángeles con sus padres Joy y Steve Fanning y su hermana, la actriz Dakota Fanning.
MAHERSHALHASHBAZ ALI (Tizzy), que protagoniza junto a Harrison Ford y Sean Penn la próxima película de Wayne Kramer, “Crossing Over”, se está convirtiendo poco a poco en una sólida presencia en Hollywood.
Nacido en Oakland, California, Ali se crió en la ciudad vecina de Hayward junto a sus padres y su gran familia. Tenía previsto convertirse en jugador de la NBA mientras fue miembro del equipo del St. Mary’s College en Moraga, California (al este de Berkeley), donde se licenció en Comunicaciones de Masas. Pero, en su tercer año, se desvió del tema al tomar clases de interpretación, lo que le hizo cambiar sus perspectivas profesionales. En su ultimo año, participó como protagonista en la producción escolar de "Spunk”.
Tras licenciarse, Ali hizo su debut profesional durante una temporada con el aclamado California Shakespeare Festival de Orinda, California, a lo que siguió su aceptación en el prestigiosísimo programa de master en Drama de la New York University. Durante su estancia en la NYU, Ali apareció en producciones de "Blues for an Alabama Sky”, "La escuela del escándalo”, "Una mentira de la mente”, "Cada de muñecas”, "Monkey in the Middle”, "El mercader de Venecia”, "The New Place" y "A secreto agravio, secreta venganza”. Sus demás trabajos incluyen la aparición en Washington, D.C. en el Arena Stage, en el papel de Jack Jefferson en "La gran esperanza blanca”, y en "La larga marcha" y "Jack y Jill”.
Ali pasó del teatro a la televisión interpretando al Dr. Trey Sanders en el drama televisivo “Crossing Jordan”. A esto le siguieron papeles en series como “NYPD Blue”, “Threat Matrix”, “CSI: Crime Scene Investigation” y “The Haunted”.
Posteriormente, Ali se convirtió en una presencia regular en “Los 4400”, aclamadísima serie de USA Network durante sus tres temporadas. Su papel de Richard Tyler, el piloto de guerra coreano, le hizo ganar muchos admiradores y el reconocimiento de la crítica.
BRAD PITT (Benjamin Button), es uno de los actores de más éxito en la actualidad, y también un exitoso productor con su empresa Plan B Entertainment.
Fue nominado a los Oscar por su papel en “Doce Monos”, de Terry William, por el que recibió un Globo de Oro. También fue nominado a los Globos de Oro por su actuación en “Leyendas de pasión”, de Edward Zwick, y “Babel”, de Alejandro González Iñárritu.
Pitt ha protagonizado más recientemente la película de Joel y Ethan Coen “Quemar después de leer”, que se estrenó a escala mundial en la velada inaugural del Festival de Cine Internacional de Venecia en 2008. El año anterior, fue elegido Mejor Actor en Venecia por su interpretación de Jesse James en "El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford", dirigida por Andrew Dominik.
Junto a George Clooney, co-protagonista de "Quemar después de leer”, también lo vimos en los éxitos de Steven Soderbergh "Ocean's Eleven “, "Ocean's Twelve" y "Ocean's Thirteen".
Nacido en Shawnee, Oklahoma, se crió en Springfield, Missouri, y asistió a la Universidad de Missouri en Columbia, donde estudió Periodismo. Justo antes de licenciarse, se trasladó a Los Ángeles para estudiar diseño gráfico, pero en su lugar inició su carrera como actor de la mano de Roy London. Muy pronto empezó a conseguir papeles en televisión, incluida la serie "Glory Days" y los aclamados telefilms "The Image" dirigido por Peter Werner y "Too Young to Die?" dirigida por Robert Markowitz.
El primer papel por el que Pitt llamó la atención a nivel nacional fue el que interpretó en la oscarizada "Thelma y Louise", de Ridley Scott. Pronto protagonizó la oscarizada "El río de la vida", de Robert Redford, “Kalifornia”, de Dominic Sena, y "Entrevista con el vampiro”, de Neil Jordan. También ha protagonizado "Johnny Suede”, de Tom DiCillo, que ganó el Leopardo de Oro a la Mejor Película en la edición de 1991 del Festival Internacional de Cine de Locarno y en "Una rubia entre dos mundos”, de Ralph Bakshi, “Amor a quemarropa", de Tony Scott, “Sleepers”, de Barry Levinson, "La sombra del diablo”, de Alan J. Pakula, “Siete años en el Tíbet”, de Jean-Jacques Annaud, “¿Conoces a Joe Black”, de Martin Brest, y dos películas anteriores de David Fincher: "Se7en" y "El club de la lucha".
Sus trabajos más recientes incluyen "Señor y señora Smith", de Doug Liman, que fue uno de los mayores éxitos de 2005, "Troya", de Wolfgang Petersen, la película animada de Patrick Gilmore y Tim Johnson "Simbad, la leyenda de los siete mares", "Spy Game (Juego de espías)", de Tony Scott, "The Mexican", de Gore Verbinski, "Snatch. Cerdos y diamantes", de Guy Ritchie, así como algunos cameos en "Full Frontal, de Soderbergh, y "Confesiones de una mente peligrosa", de Clooney.
Con Plan B Entertainment Pitt desarrolla y produce proyectos para cine y televisión. Plan B ha producido hasta ahora películas como "Infiltrados”, de Martin Scorsese, por la que ganó cuatro Óscar, incluido el de Mejor Película y Mejor Director, "Un corazón invencible”, de Michael Winterbottom, por la que Angelina Jolie fue nominada a los Globos de Oro, los Independent Spirit, los Critics' Choice y los premios del Sindicato de Actores, "Charlie y la fábrica de chocolate”, de Tim Burton, protagonizada por Johnny Depp, "Recortes de mi vida”, de Ryan Murphy, por la que Annette Bening fue nominada a los Globos de Oro, "Troya" y "El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford”.
CATE BLANCHETT (Daisy), quien recientemente ha interpretado a Irina Spalko en el éxito de Steven Spielberg “Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal”, ha sido nominada a dos Óscar este año como Mejor Actriz por “Elizabeth: La edad de oro” y como Mejor Actriz de Reparto por “I’m Not There”, lo que la convierte en la quinta actriz en los ochenta años de historia de la Academia en ser nominada para ambas categorías de actuación en la misma edición de los premios. Además, por “Elizabeth: La edad de oro”, también fue nominada a los SAG y los BAFTA. Con “I’m Not There”, fue nominada además a los SAG y los BAFTA y se hizo con el premio a la Mejor Actriz en el Festival de Cine de Venecia, el de Mejor Actriz de Reparto en los Globos de Oro y con un Independent Spirit Award por su trabajo.
Blanchett ya había ganado un Óscar como Mejor Actriz de Reparto por su tan aclamado retrato de Katharine Hepburn en “El aviador”, de Martin Scorsese. También recibió un BAFTA, un SAG y un Globo de Oro por este papel. En 1999, Blanchett recibió su primera nominación a los Óscar y sus primeros BAFTA y Globo de Oro por su interpretación de otro personaje insigne: la reina Isabel I de Inglaterra, en “Elizabeth”, de Shekhar Kapur. Posteriormente fue nominada a los Óscar, los Globos de Oro y los premios del Sindicado de Actores por su papel en “Diario de un escándalo” junto a Judi Dench.
Blanchett ha protagonizado recientemente “El buen alemán”, dirigida por Steven Soderbergh, junto a George Clooney y Tobey Maguire, y “Babel”, al lado de Brad Pitt.
Blanchett también ha sido nominada a los Globos de Oro en la categoría de Mejor Actriz por su papel en “Veronica Guerin”, de Joel Schumacher, y su papel en “Bandits”, de Barry Levinson. Entre sus otros trabajos destacan la trilogía de “El señor de los anillos”, “The Life Aquatic”, de Wes Anderson y “Coffee and Cigarettes”, de Jim Jarmusch, por la que fue nominada a los Independent Spirit Awards, “Despariciones”, de Ron Howard, junto a Tommy Lee Jones, “Charlotte Gray” dirigida por Gillian Armstrong, “Atando cabos”, de Lasse Hallstro, con Kevin Spacey, “Little Fish”, de Rowan Woods, con Sam Neill y Hugo Weaving (por la que ganó un premio AFI a la Mejor Actriz), “Fuera de control”, de Mike Newell, con John Cusack, “Un marido ideal”, de Oliver Parker, “El talento de Mr. Ripley”, de Anthony Minghella, por la que fue nominada a los BAFTA como Mejor Actriz de Reparto, “Premonición”, de Sam Raimi, y “Vidas furtivas”, de Sally Potter, por la que fue nominada a Mejor Actriz de Reparto por el National Board of Review.
Graduada por el National Institute of Dramatic Art (NIDA) australiano, Blanchett cuenta entre sus primeras apariciones en la gran pantalla con "Camino al paraíso", de Bruce Beresford, “Thank God He Met Lizzie”, por la que ganó un premio del Australian Film Institute (AFI) y un Sydney Film Critics Award como Mejor Actriz de Reparto, y “Oscar y Lucinda”, de Gillian Armstrong, junto a Ralph Fiennes, por la que fue también nominada a los AFI como Mejor Actriz.
En la extensa carrera teatral de Blanchett destacan producciones con Company B, radicada en Belvoir Street, en Sydney, bajo la dirección de Neil Armfield. Sus papeles incluyen el de Miranda en “La tempestad”, Ophelia en “Hamlet”, por la que recibió una nominación a los Green Room Awards, Nina en “La gaviota” y Rose en “The Blind Giant is Dancing”. Con la Sydney Theatre Company participó en “Top Girls”, de Caryl Churchill, “Oleanna”, de David Mamet (por la que ganó el Sydney Theater Critics Award a la Mejor Actriz), “Sweet Phoebe”, de Michael Gow, y “Kafka Dances”, de Timothy Daly, que le valió un Critics Circle Award como Mejor Revelación. Con el Almeida Theatre, en 1999, Blanchett interpretó a Susan Traheren en “Plenty”, de David Hare, en el West End londinense.
En 2004 Blanchett volvió a la Sydney Theatre Company para protagonizar la adaptación de “Hedda Gabler” de Andrew Upton. La obra fue todo un éxito de crítica que le reportó un prestigioso Helpmann Award en la categoría de Mejor Intérprete Femenina de Teatro. La producción vendió todas las localidades durante su paso por la Academy of Music de Brooklyn en 2006 en el que fue el debut sobre las tablas de Nueva York de Blanchett.
Blanchett se estrenó como directora con la obra “A Kind of Alaska” con la Sydney Theatre Company, a la que siguió una producción de “Blackbird”, de David Harrower, y “The Year of Magical Thinking”, de Joan Didion.
Blanchett es miembro del Australian Museum Board of Trustees y embajadora de la Australian Conservation Foundation, SolarAid, el Australian Film Institute y el Festival de Cine de Sydney.
Junto con su marido, Andrew Upton, han sido recientemente nombrados Co-directores Artísticos de la Sydney Theatre Company. Su temporada de debut comenzará en 2009.
TARAJI P. HENSON (Queenie), que saltó a la fama con "Hustle and Flow”, ha protagonizado recientemente películas como "Talk to Me" junto Don Cheadle, el drama de acción coral "Ases calientes" con Jeremy Piven, Alicia Keys y Ben Affleck, y "The Family That Preys", de Tyler Perry, con Kathy Bates y Alfre Woodard.
Pronto se verá en la gran pantalla su papel co-protagonista junto a Forest Whitaker y Lil' Wayne en "Hurricane Season" y "Not Easily Broken" junto con Morris Chestnut, dirigida por Bill Duke. Actualmente está rodando la película independiente “Once Fallen” con Ed Harris y Amy Madigan. Henson fue habitual en el drama de David E. Kelly "Boston Legal” y ahora aparece recurrentemente en “Eli Stone”, de la ABC, como Patti, la hija de Loretta Devine. Henson también protagoniza el video musical del último single de Estelle, “Pretty Please”.
Henson fue nominada a Mejor Actriz de Reparto en la edición de 2005 de los Black Movie Awards y recibió el premio a la Mejor Actriz en los BET Awards de 2006 por su papel de Shug en el drama "Hustle and Flow”, producido por el oscarizado John Singleton y protagonizado por Terrence Howard. Recibió dos nominaciones en los 2006 MTV Movie Awards, incluido el de Mejor Actriz Revelación. Henson debutó como cantante en "Hustle and Flow” al formar parte de su banda sonora, e interpretó la oscarizada canción "It's Hard Out Here for a Pimp" en la 78 gala anual de la Academia de los Oscar. Coincidió con John Singleton por tercera vez en "Cuatro hermanos" junto a Mark Wahlberg y Andre 3000, para Paramount Pictures. Henson co-protagonizó junto a Sanaa Lathan y Simon Baker "Something New”, y es muy recordada por su papel de Yvette, la bonita novia de Jody (Tyrese) en "Baby Boy”, escrita, producida y dirigida por John Singleton.
Durante tres años, Henson protagonizó a una detective en "The Division", de Lifetime. Co-protagonizó la película "Se ha escrito un crimen: El último hombre libre" para la CBS, protagonizada por Angela Lansbury y Phylicia Rashad. En cuanto a las series de televisión, ha aparecido en "Urgencias”, "Doctores de Filadelfia”, "CSI” y "House”, entre otras.
Nacida y criada en Washington, D.C., esta graduada por la Howard University vive en Los Ángeles. Henson es una apasionada de la ayuda a los niños discapacitados y menos afortunados y confiesa: “Siempre les digo a los niños que tienen que tener fe en sí mismos: la mejor receta para el éxito es la confianza en uno mismo”.
JULIA ORMOND (Caroline) nació en Epsom, Surrey, Inglaterra, y sintió la llamada del teatro en las representaciones del colegio; estudió interpretación en la Academia de Artes Dramáticas Webber-Douglas londinense. Tras graduarse, hizo su debut profesional en el teatro hasta que consiguió su primer papel protagonista en la serie de Channel Four "Traffik”.
Con varios años de sólida trayectoria sobre las tablas y la televisión a sus espaldas, Ormond co-protagonizó la biografía para la HBO "Stalin”, en la que su actuación como la sufrida esposa del dictador fue uno de los aspectos más destacados de la producción. Fue este papel el que impresionó al director Edward Zwick, que la eligió para encarnar a la heroína en su película de alto presupuesto “Leyendas de pasión” protagonizada por Brad Pitt. Ormond interpretó luego a la reina Ginebra junto a Sean Connery (rey Arturo) y Richard Gere (Lancelot) en "El primer caballero" y, posteriormente, fue la protagonista del remake de “Sabrina” de Sydney Pollack, junto a Harrison Ford.
Ormond ha protagonizado recientemente "Inland Empire”, de David Lynch, así como "Kit Kittredge: An American Girl" con Abigail Breslin. Ormond también ha participado en "Che", de Steven Soderbergh, junto con Benicio Del Toro y "Surveillance", con Bill Pullman.
Ha formado parte del reparto de proyectos internacionales como "Smilla: Misterio en la nieve”, "Sibirskij Tsiryulnik" ("The Barber of Siberia") y "Resistance”.
Ormond fue productora ejecutiva del documental “Calling the Ghosts”, ganador de un premio Emmy, sobre dos supervivientes de Omarska, el campo de concentración serbio, y es una conocida activista social en cuestiones humanitarias. Es Presidenta de ASSET, The Alliance to Stop Slavery and End Trafficking, una ONG que promueve y respalda las soluciones sistémicas para acabar con la esclavitud mundial. También es Embajadora de Buena Voluntad de la Oficina de las Naciones Unidas sobre las Drogas y el Crimen para luchar contra el Tráfico de Personas y la Esclavitud y Presidenta Fundadora de FilmAid International.
JASON FLEMYNG (Thomas Button) es un interesante y versátil actor cuyo talento y fuerte presencia en pantalla le han convertido en uno de los intérpretes más atractivos de Gran Bretaña en nuestros días.
Recientemente ha aparecido en “Stardust”, su cuarta colaboración con Matthew Vaughn. También ha sido Crazy Larry en el debut como director de Vaughn, “Crimen organizado”, protagonizada por Daniel Craig. Antes, Flemyng fue co-protagonista de la primera película como director de Guy Ritchie “Lock and Stock” y el siguiente film de Ritchie, “Snatch. Cerdos y diamantes”, ambas producidas por Vaughn.
Famoso por haber creado personajes distintivos, Flemyng aportó su talento a “La liga de los hombres extraordinarios” junto a Sean Connery, “Rock Star”, de la Warner Bros., protagonizada por Mark Wahlberg y Jennifer Aniston, “Desde el infierno”, de los hermanos Hughes, protagonizada por Johnny Depp y “Belleza robada”, de Bernardo Bertolucci, con Liv Tyler. Sus otros trabajos incluyen “Sumergidos”, “El violín rojo”, “El misterio de las profundidades”, “The Hollow Reed” y “Alive and Kicking”. Sus trabajos para televisión incluyen sus papeles en “Alicia en el País de las Maravillas”, para la NBC, la producción de la BBC “A Question of Attribution”, dirigida por John Schlesinger, y “For the Greater Good”, dirigida por Danny Boyle. Fue Jim Corbett en “The Man-Eating Leopard of Rudraprayag”, para la BBC, que cuenta la verdadera historia de la búsqueda de Corbett del leopardo devorador de hombres más famoso de la India colonial en 1925.
Entre sus apariciones en el teatro destacan Flemyng varias interpretaciones con la Royal Shakespeare Company (Barbican) incluida “Coriolanus”, “Como gustéis”, “Moscow Gold” “Barbarians” y “Bien está lo que bien acaba”.
ELIAS KOTEAS (Monsieur Gateau) participó, al comienzo de su carrera, en "Luna llena en agua azul" y "Malarek”, que le valieron sus primeras dos nominaciones a los Genie Awards en la categoría de Mejor Actor.
Posteriormente hizo su debut como director en "Crash", de David Cronenberg, y en varias películas dirigidas por Atom Egoyan, entre las que se incluyen "El liquidador”, así como "Exotica”, por la que fue nominado a un Genie como Mejor Actor de Reparto, y "Ararat”, con la que ganó un Genie como Mejor Actor de Reparto.
Koteas también apareció en "Hit Me”, Steven Shainberg, "Gattaca”, de Andrew Niccol, "Fallen”, de Gregory Hoblit, "Verano de corrupción”, de Bryan Singer, "Living Out Loud”, de Richard LaGravanese, "La delgada línea roja”, de Terrence Malick (nominado a los Oscar), "Sonrisa peligrosa”, "Las flores de Harrison" y "The Greatest Game Ever Played", dirigidas por Bill Paxton.
Sus papeles más recientes incluyen "El tirador”, de Antoine Fuqua, "Skinwalkers", de James Isaac, y "Zodiac", de David Fincher. Próximamente veremos a Koteas en "Shutter Island”, de Martin Scorsese, “The Haunting in Connecticut” junto a Virginia Madsen, y el thriller de ciencia ficción “The 4th Kind”.
Entre sus papeles en television destacan "Traffic: The Mini-Series” (nominada a los Emmy), la película original para la HBO "Shot in the Heart”, en la que interpretó al famoso asesino Gary Gilmore, "Sugartime", para la HBO, y el drama de Horton Foote "The Habitation of Dragons”.
Koteas se graduó por la American Academy of Dramatic Arts y es miembro del prestigioso Actors' Studio. Ha protagonizado numerosas producciones teatrales, incluida "Hot 'N' Throbbing”, de Paula Vogel, "El beso de la mujer araña " y "True West", de Sam Shepard, dirigida en Broadway por Matthew Warchus.
TILDA SWINTON (Elizabeth Abbott) ganó un Oscar y un BAFTA por su papel en "Michael Clayton”, de Tony Gilroy, protagonizada por George Clooney, con el que más recientemente ha protagonizado el thriller cómico "Quemar después de leer" dirigida por Joel y Ethan Coen, y que se estrenó a escala mundial en la velada inaugural del Festival de Cine Internacional de Venecia de 2008. También fue nominada a los premios del Sindicato de Actores y los Globos de Oro por su papel en "Michael Clayton”. Swinton ya había sido nominada antes a los Globos de Oro por "El precio del silencio”, de David Siegel y Scott McGehee, que también le supuso una nominación a los Independent Spirit Awards.
Escocesa de nacimiento, Swinton debutó en el cine con el director inglés Derek Jarman en 1985, protagonizando "Caravaggio”. Coincidieron en otras películas entre las que se incluyen "El ultimo de Inglaterra”, "La semilla del mal”, "War Requiem”, "Eduardo II" (por la que fue nominada a Mejor Actriz en el Festival de Cine de Venecia de 1991) y "Wittgenstein”, antes del fallecimiento de Jarman de 1994.
Obtuvo el reconocimiento internacional en 1992 por su interpretación en "Orlando”, basada en la novela de Virginia Woolf y dirigida por Sally Potter. Desde entonces, entre sus películas destacan "Conceiving Ada" y "Teknolust" (en cuatro papeles), de Lynn Hershman-Leeson, "Female Perversions", de Susan Streitfeld, "El amor es el diablo", de John Maybury, "Possible Worlds", de Robert Lepage, "La playa ", de Danny Boyle, "Vanilla Sky", de Cameron Crowe, "El ladrón de orquídeas", del oscarizado Spike Jonze, "Young Adam", de David Mackenzie, dos películas coprotagonizadas con Keanu Reeves, "Thumbsucker", de Mike Mills, y "Constantine", de Francis Lawrence, "The Man from London”, de Béla Tarr, los dos éxitos de taquilla de "Las crónicas de Narnia", de Andrew Adamson, y "Julia", de Erick Zonca, que se presentó a escala mundial en la edición de 2008 del Festival Internacional de Cine de Berlín.
Swinton ha interpretado recientemente un papel en la última película de Jim Jarmusch, "The Limits of Control”, y también ha aparecido en "Flores rotas", escrita y dirigida por Jarmusch.
JARED HARRIS (Capitán Mike) es un intérprete a cuya intensidad en pantalla hace sombra su carisma fuera de ella y uno de los actores más aclamados de su generación. Recientemente ha protagonizado trabajos tan variados como “La joven del agua”, de M. Night Shyamalan, y la aclamada miniserie de la BBC “To Ends of The Earth”.
Otras películas incluyen “Sylvia”, protagonizada por Gwyneth Paltrow, “Resident Evil: Apocalypse” y “Dummy” junto al oscarizado Adrien Brody y Milla Jovovich. Se ganó el reconocimiento de la crítica por su fascinante interpretación del influyente artista pop estadounidense Andy Warhol en la aclamada “Yo disparé a Andy Warhol”, para la que, a la verdadera manera de Warhol, Harris acudió a la prueba con una videocámara y grabó al director mientras se estaba grabando su propia prueba. Harris se ha hecho famoso por interpretar personajes variados y únicos, incluido el portentoso barrendero de “Smoke” y “Blue in the Face”, de Wayne Wang y Paul Auster, y a un truculento cazador de pieles en “Dead Man”, de Jim Jarmusch, el peculiar hermano de Tom Cruise en “Un horizonte muy lejano” y un sórdido taxista ruso en “Happiness”, de Todd Solondz, por la que el reparto recibió el premio al Mejor Elenco del National Board of Review de 1999, así como la apasionante “Sunday”, que ganó el Gran Premio del Jurado a la Mejor Película y el Mejor Guión en el Festival de Cine de Sundance en 1997.
Su primera aparición en pantalla se produjo en 1989, en “Seducir a Rachel”, que supuso el debut como director de su hermano mayor Damian. Con una carrera marcada por el reconocimiento unilateral, Harris recibió muy buenas críticas por sus interpretaciones, incluida la de Enrique VIII en la improvisada producción de “The Other Boleyn Girl” para BBC2. Salon.com afirmó: “Harris le deja a uno el corazón helado” a propósito de su interpretación de John Lennon junto a Adian Quinn (Paul McCartney) en “Two of Us”, de Michael Lindsay-Hogg, y Anita Gates, del The New York Times, afirmó: “Jared Harris se está convirtiendo en uno de los actores más fascinantes del momento” en relación con su papel en “B. Monkey", de Michael Radford, junto a Asia Argento. También co-protagonizó “Igby a la deriva”, escrita y dirigida por Burr Steers y protagonizada por Kieran Culkin, Claire Danes y Jeff Goldblum.
Hijo del famoso actor irlandés Richard Harris, nació en Londres y estudió en la Duke University, donde se especializó en drama y literatura. Tras graduarse, Harris se integró en la Royal Shakespeare Company. Formó parte de algunas de las compañías teatrales más famosas de Nueva York, incluidos sus trabajos en el New York Shakespeare Festival, el New Group, la New Jersey Shakespeare Company, el Vineyard Theater y el Manhattan Theater Club.
ELLE FANNING (Daisy –6 años) es una enérgica, vital y brillante actriz de diez años de edad que hizo su debut cinematográfico como la joven Lucy en “Yo soy Sam”, de New Line Cinema. Posteriormente co-protagonizó junto a Eddie Murphy la comedia familiar “Papá canguro” para Revolution Studios, que le valió a Fanning su primera nominación a un Young Artists Award.
En 2004, protagonizó junto a Jeff Bridges y Kim Basinger “Una mujer difícil”, de Focus Films, dirigida por Tod Williams. A esa película le siguió “Mi mejor amigo” con Cicely Tyson y Dave Matthews. En 2006, fue nominada dos veces a los Young Artists Awards por su trabajo en "Babel", nominada a los Oscar y protagonizada por Brad Pitt y Cate Blanchett, y en la miniserie para el canal SCI-FI “La habitación perdida”, protagonizada por Peter Krause. Ese mismo año, Fanning trabajó en “Un cruce en el destino”, en la que era Emma Learner, la hija de ocho años de edad de Joaquin Phoenix y Jennifer Connelly.
El año pasado, Fanning protagonizó “Phoebe in Wonderland” junto a Felicity Huffman y Patricia Clarkson. La película se estrenó en la edición de 2008 del Festival de Cine de Sundance. Entre sus últimos trabajos destacan “The Nutcracker: The Untold Story”, una película de época ambientada en la Viena de los años 20. Protagonizada también por John Turturro y Nathan Lane, se trata de la historia intemporal de una niña cuyo padrino le regala una muñeca muy especial en Navidad.
Además de su participación en películas, Fanning también ha hecho numerosas apariciones en televisión. Ha participado en “CSI: Miami” y “CSI: Nueva York”, además de en “House”, “Mentes criminales”, “La juez Amy” y “Sexy Money”. También ha participado en anuncios publicitarios para Toyota, Smuckers y Target y ha aparecido en el número especial del 30 aniversario de Vogue Bambini.
Fanning sigue rebosando energía y le gusta actuar y bailar. Vive en Los Ángeles con sus padres Joy y Steve Fanning y su hermana, la actriz Dakota Fanning.
MAHERSHALHASHBAZ ALI (Tizzy), que protagoniza junto a Harrison Ford y Sean Penn la próxima película de Wayne Kramer, “Crossing Over”, se está convirtiendo poco a poco en una sólida presencia en Hollywood.
Nacido en Oakland, California, Ali se crió en la ciudad vecina de Hayward junto a sus padres y su gran familia. Tenía previsto convertirse en jugador de la NBA mientras fue miembro del equipo del St. Mary’s College en Moraga, California (al este de Berkeley), donde se licenció en Comunicaciones de Masas. Pero, en su tercer año, se desvió del tema al tomar clases de interpretación, lo que le hizo cambiar sus perspectivas profesionales. En su ultimo año, participó como protagonista en la producción escolar de "Spunk”.
Tras licenciarse, Ali hizo su debut profesional durante una temporada con el aclamado California Shakespeare Festival de Orinda, California, a lo que siguió su aceptación en el prestigiosísimo programa de master en Drama de la New York University. Durante su estancia en la NYU, Ali apareció en producciones de "Blues for an Alabama Sky”, "La escuela del escándalo”, "Una mentira de la mente”, "Cada de muñecas”, "Monkey in the Middle”, "El mercader de Venecia”, "The New Place" y "A secreto agravio, secreta venganza”. Sus demás trabajos incluyen la aparición en Washington, D.C. en el Arena Stage, en el papel de Jack Jefferson en "La gran esperanza blanca”, y en "La larga marcha" y "Jack y Jill”.
Ali pasó del teatro a la televisión interpretando al Dr. Trey Sanders en el drama televisivo “Crossing Jordan”. A esto le siguieron papeles en series como “NYPD Blue”, “Threat Matrix”, “CSI: Crime Scene Investigation” y “The Haunted”.
Posteriormente, Ali se convirtió en una presencia regular en “Los 4400”, aclamadísima serie de USA Network durante sus tres temporadas. Su papel de Richard Tyler, el piloto de guerra coreano, le hizo ganar muchos admiradores y el reconocimiento de la crítica.
EL EQUIPO TÉCNICO
DAVID FINCHER (Director) hizo su debut como director en 1992 con “Alien³”. En 1995, dirigió “Se7en”, el aclamado drama en el que dos detectives (interpretados por Brad Pitt y Morgan Freeman) seguían la pista de un asesino en serie que cometía sus crímenes basándose en los siete pecados capitales. El film recaudó más de $325 millones en todo el mundo y sus innovadores enfoque, título y secuencias de créditos influyeron en otras películas del género que siguieron.
En 1997, Fincher dirigió “The Game”, con Michael Douglas y Sean Penn, una oscura historia de aventuras que se concentra en un hombre de negocios de San Francisco que recibe un regalo inusual de su hermano pequeño: un regalo que le convierte en el protagonista involuntario de un juego en el que se juega la vida. En 1999, volvió a trabajar con Brad Pitt en “El club de la lucha”, basada en una adaptación a la pantalla de la novela de Chuck Palahniuk. La película, co-protagonizada por Edward Norton y Helena Bonham Carter, fue muy bien recibida por la crítica y dio paso a un movimiento underground que la convirtió en uno de los films más influyentes de su tiempo.
En 2002, dirigió “La habitación de pánico”, protagonizada por Jodie Foster, Forest Whitaker, Dwight Yoakum y Jared Leto. Este éxito de taquilla, que presentó algunos usos innovadores de los gráficos generados por ordenador, narraba la angustia de una madre soltera y su hija ocultas en una habitación segura dentro de su propia casa cuando unos delincuentes la asaltan en busca de una fortuna perdida.
Antes de “El Curioso Caso de Benjamin Button”, Fincher había dirigido la aclamada “Zodiac”. Estrenada en 2007, la película cosechó críticas de prestigio y ha sido elegida para integrar en más de 150 de las listas de las “diez mejores”, incluidas las de Entertainment Weekly, USA Today y The Washington Post.
El oscarizado ERIC ROTH (guión, argumento) asistió a la Universidad de California en Santa Bárbara, la Universidad de Columbia y UCLA. Ganó el Samuel Goldwyn Writing Award mientras estaba en UCLA. Su primer guión producido fue “El hombre clave”, de Robert Mulligan, que se presentó en el Festival de Cine de Cannes de 1975. Algunas de las películas escritas por Roth o en las que ha colaborado incluyen “Sospechoso” con Cher y Dennis Quaid, ”Mr. Jones” con Richard Gere y dirigida por Mike Figgis; “Rapsodia en agosto” dirigida por Akira Kurosawa; “Forrest Gump”, por la que ganó un Oscar y el Premio del Sindicato de Guionistas al Mejor Guión Adaptado, “El hombre que susurraba a los caballos” dirigida por Robert Redford, “El dilema” dirigida por Michael Mann y protagonizada por Al Pacino y Russell Crowe, por la que fue nominado a un Oscar y un Premio del Sindicato de Guionistas y se hizo con el Humanitas Award. También escribió “Ali” dirigida por Michael Mann y protagonizada por Will Smith. Co-escribió el guión nominado a un Oscar en para “Munich”, dirigida por Steven Spielberg, y el guión de “El buen pastor”, con Matt Damon, Angelina Jolie y Robert De Niro, dirigida por De Niro.
Roth está trabajando actualmente en “Hatfields and McCoys” para Warner Bros., “Extremely Loud and Incredibly Close” para Warner Bros. y Paramount, y en breve escribirá “The Devil in the White City” para Paramount. Su hija, Vanessa Roth, se hizo con un Oscar en 2007 al Mejor Documental Breve por “Freeheld”.
Roth vive en Los Ángeles con su esposa, Debra Greenfield, abogada y profesora de genética y derecho en UCLA. Tiene cinco hijos y cinco nietos.
ROBIN SWICORD (Argumento) es famoso sobre todo por su trabajo en bocetos (“Memorias de una geisha”, “Mujercitas”, “Matilda”, “Shag”, “Cuando salí de Cuba”, “Practical Magic”) y como dramaturgo (“Last Days at the Dixie Girl Café”, “Mentes criminales”). Swicord hizo crecientemente su debut en la dirección con “Conociendo a Jane Austen”, de Sony Pictures Classics, para la que escribió un guión adaptado. Actualmente está trabajando con el productor Wendy Finerman (“Forrest Gump”, “El diablo viste de Prada”) en una comedia romántica para la nueva CBS Films, “Didn’t Like Him Anyway”, sobre un médium de mal carácter. En los próximos meses, Swicord va a escribir y dirigir un thriller para Universal llamado “The Alibi Club”.
Robin Swicord escribió su primer borrador de “El Curioso Caso de Benjamin Button” en enero de 1990. La revista Premiere la incluyó en su lista de los “Diez mejores guiones no producidos”. En la década siguiente, Swicord escribió más de una docena de borradores sucesivos a medida que el guión se iba desarrollando en dos estudios diferentes con una selección siempre cambiante de directores y ejecutivos de producción de mejor nivel antes de que el proyecto se produjera por fin.
Nacida en Carolina del Sur, Swicord se crió en el rural norte de Florida y el sur de Georgia. Sus obras, así como su guión “Shag” (que recibe su nombre de un concurso de baile de la costa Sur), giran en torno a esta parte del mundo. Empezó a escribir y hacer cortometrajes mientras estudiaba literatura inglesa y teatro en la Florida State University.
Swicord está casada con el guionista y dramaturgo Nicholas Kazan. Tienen dos hijas y viven en Santa Mónica, California y Vashon Island, Washington en Puget Sound.
Swicord participa activamente en el Sindicato de Guionistas de América (WGA), el consejo de la West Foundation, donde ayudó a poner en marcha el programa de integración educativa del WGA y a principios de este año creó el Industry Support Fund, que entregó casi un millón de dólares en ayudas económicas entre los profesionales del sector que no fueran guionistas y que se hubieran visto afectados por reciente huelga de éstos. Es fideicomisaria del Writers Guild Pension and Health Fund, y recientemente se ha unido al consejo inicial del Center for the Study of Women in Television and Film de la San Diego State University, dirigido por la Dr. Martha Lauzen.
KATHLEEN KENNEDY (Productora). Sus numerosos éxitos la han convertido en una de los ejecutivos de más éxito de la industria del cine actual. Entre éstos destacan tres de las películas de más recaudación de la historia del séptimo arte: “E.T.: El extraterrestre”, “Parque jurásico” y “El sexto sentido”.
Kennedy dirige actualmente la Kennedy/Marshall Company, que fundó en 1992 junto con el director/productor Frank Marshall. Con este sello han producido películas como “El sexto sentido”, que fue nominada a seis Oscar, incluido el de Mejor Película, “Seabiscuit”, con siete nominaciones a los Oscar, incluido también el de Mejor Película, y el éxito de taquilla de la trilogía “Bourne”: “El caso Bourne”, “El mito de Bourne” y “El ultimátum de Bourne” que en su conjunto reinventaron los thriller de espías.
Kennedy ha producido recientemente los éxitos del cine independiente nominados a los Oscar “La escafandra y la mariposa”, una adaptación de las emotivas memorias de Jean-Dominique Bauby, dirigida por Julian Schnabel y con guión de Ronald Harwood, y “Persépolis”, basada en la novela gráfica autobiográfica de Marjane Satrapi sobre una joven que crece durante la Revolución Iraní. Además, la Kennedy/Marshall Company ha producido “Las crónicas de Spiderwick”, basada en la popular serie de libros infantiles.
Kennedy comenzó una exitosa asociación con Steven Spielberg cuando fue su asistente de producción en “1941”. Luego volvió a trabajar con él en “En busca del arca perdida”, fue su productora asociada en “Poltergeist” y productora de “E.T”. Mientras “E.T”. se convertía en un fenómeno internacional, Spielberg, Kennedy y Marshall ya estaban produciendo “Indiana Jones y el templo maldito”, que junto con Marshall produjo acompañando a George Lucas. Esta asociación también incluye “Indiana Jones y la última cruzada”, y la tan esperada cuarta entrega de la saga, “Indiana Jones y el reino de la carabela de cristal”, que se convirtió en un éxito de taquilla mundial en el verano de 2008. Actualmente está produciendo “Tintin”, una serie de películas dirigidas por Steven Spielberg y Peter Jackson basadas en el famoso personaje creado por Georges Remi (“Hergé”).
En 1982, Kennedy co-fundó Amblin Entertainment con Spielberg y Marshall, con la que fue productora o productora ejecutiva de numerosas películas como “Hook”, “Para siempre”, “Gremlins”, “El joven Sherlock Holmes”, “Los Goonies”, “El chip prodigioso”, “Nuestros maravillosos aliados”, “Joe contra el volcán”, “Fievel va al Oeste”, “El cabo del miedo” y “Arachnophobia”, Frank Marshall hizo su debut en la dirección en 1990.
Kennedy se asoció también con Spielberg, Marshall y Quincy Jones para producir “El color púrpura” que recibió once nominaciones a los Oscar en 1985, incluida la de Mejor Película, y con Spielberg y Marshall en la película de más recaudación de 1985, “Regreso al futuro”, así como sus dos exitosas secuelas: “Regreso al futuro II” y “Regreso al futuro III”.
En 1988, Kennedy volvió a producir la película de más recaudación del año con “¿Quién engañó a Roger Rabbit?” junto con Marshall y Robert Watts, y posteriormente produjo “El imperio del sol”, de Spielberg, con Spielberg y Marshall, que el National Board of Review eligió Mejor Película del Año.
Kennedy fue productora ejecutiva del aclamado drama sobre el holocausto de Spielberg “La lista de Schindler”, que recibió siete Óscar en 1993, incluido el de Mejor Director y Mejor Película. Ese mismo año también volvió a trabajar con Robert Watts en la producción de la segunda película de Marshall, “Vivos”.
En 1995, Kennedy produjo la producción de Amblin Entertainment/Malpaso “Los puentes de Madison”, dirigida por Clint Eastwood, y a la que siguieron el thriller de acción de Amblin Entertainment dirigido por Jan DeBont “Twister”, que Kennedy produjo con Ian Bryce. Kennedy también fue productora ejecutiva de la secuela de “Parque jurásico” dirigida por Spielberg, “El mundo perdido”.
En 1999 y 2000, se estrenaron tres películas producidas por la Kennedy/Marshall Company: “Mientras nieva sobre los cedros”, dirigida por Scott Hicks; “El sexto sentido”, protagonizada por Bruce Willis, y “El mapa de la vida”, protagonizada por Sigourney Weaver y Julianne Moore. La Kennedy/Marshall Company produjo también la película IMAX “Olympic Glory”, estrenada en mayo de 2000.
En 2001, Kennedy produjo “Inteligencia Artificial”, dirigida por Spielberg, con Bonnie Curtis y “Parque jurásico III”, con Spielberg y Gerald Molen; al año siguiente fue productora ejecutiva de “Señales”, de M. Night Shyamalan, protagonizada por Mel Gibson. En 2003 produjo (con Marshall, Gary Ross y Jane Sindell) el éxito de crítica y público “Seabiscuit”. En 2005, Kennedy y Colin Wilson produjeron “La guerra de los mundos”, dirigida por Steven Spielberg y protagonizada por Tom Cruise. Más adelante ese mismo año, Kennedy volvió a colaborar con Wilson, Barry Mendel y Spielberg en la producción de “Munich”, dirigida por Spielberg, que fue nominada a cinco Oscar, incluido el de Mejor Película.
Kennedy preside El Comité Ejecutivo de Productores de la Academia de Cinematografía y es miembro de la Junta de Gobierno de la Academia. Recientemente ha completado su mandato como Presidenta del Sindicato de Productores de América, que le concedió su máxima distinción, el Charles Fitzsimons Service Award, en 2006. En 2008, junto con Marshall, recibió el David O. Selznick Award del Sindicato de Productores de América por toda su carrera.
“En busca del arca perdida” marcó el comienzo de la remarcable colaboración entre FRANK MARSHALL (Productor) y Steven Spielberg, George Lucas y Kathleen Kennedy, una asociación que incluye “Indiana Jones y el templo maldito”, “Indiana Jones y la última cruzada” e “Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal”.
Con más de 50 películas como productor visionario que ha ayudado a dar forma al cine estadounidense, Marshall es también un aclamado director y participante activo en el servicio público y el deporte. Entre sus trabajos como productor destacan algunas de las películas de más éxito y más recordadas de todos los tiempos como “Poltergeist”, “Gremlins”, “Los Goonies”, “El color púrpura”, “Fievel y el nuevo mundo”, “El imperio del sol”, “¿Quién engañó a Roger Rabbit?”, “En busca del valle encantado”, la trilogía de “Regreso al futuro”, “El sexto sentido”, “Seabiscuit” y la trilogía “Bourne”.
Sus películas han sido nominadas para numerosos Oscar, incluidos el de Mejor Película por “En busca del arca perdida” en 1982 y “El color púrpura” en 1985, que produjo con Steven Spielberg, Quincy Jones y su esposa, Kathleen Kennedy. El éxito de taquilla de M. Night Shyamalan “El sexto sentido” fue nominado en 1999 a seis Oscar y la aclamada “Seabiscuit” recibió siete nominaciones, incluida la de Mejor Película.
Como director, Marshall estuvo al frente del aclamado éxito de taquilla “Bajo cero”, así como del thriller “Arachnophobia”, el conmovedor drama basado en hechos reales “Vivos”, el éxito de aventuras de 1995 “Congo” y un episodio de la miniserie de la HBO “De la tierra a la luna”, distinguida con un Emmy.
Marshall comenzó su carrera como asistente de Peter Bogdanovich en el clásico de culto del director “El héroe anda suelto”. Luego, Bogdanovich le pidió que fuera su director de localizaciones en “La última película” y “¿Qué me pasa, doctor?” antes de convertirse en productor asociado de los cinco siguientes trabajos del director, incluidos “Luna de papel” y “Así se formó Hollywood”.
Marshall fue director de producción de “El último vals”, de Martin Scorsese, el documental musical sobre el grupo The Band. Comenzó luego una asociación durante dos películas con el director Walter Hill, primero como productor asociado de “Driver”, y posteriormente como productor ejecutivo de “The Warriors”, que se convirtieron ambas en películas de culto entre los amantes del cine. Marshall fue también director de producción de la legendaria película no acabada de Orson Welles “The Other Side of the Wind”, a la que volvió de forma periódica de 1971 a 1976.
Su duradera y fructífera colaboración con Steven Spielberg y Kennedy comenzó en 1981 con “En busca del arca perdida”. Tras la producción de “E.T.: El extraterrestre” (de la que fue supervisor de producción) y “Poltergeist” (productor) en 1981, el trío fundó el buque insignia del sector Amblin Entertainment. Durante su paso por Amblin, Marshall produjo películas como “Fandango”, de Kevin Reynolds, “El joven Sherlock Holmes”, de Barry Levinson, “Gremlins”, de Joe Dante, la trilogía “Regreso al futuro” de y “¿Quién engañó a Roger Rabbit”, de Robert Zemeckis, y “Para siempre”, “Hook” y “El imperio del sol”, de Spielberg, y también hizo su debut como director, con “Arachnophobia”.
Marshall dejó Amblin en el otoño de 1991 para proseguir su carrera como director, y creó la Kennedy/Marshall Company con Kathleen Kennedy. Las producciones de la empresa incluyen películas tan variadas como “La llave mágica”, dirigida por Frank Oz, “Mientras nieva sobre los cedros”, dirigida por Scott Hicks, “El mapa de la vida”, protagonizada por Sigourney Weaver y Julianne Moore, “El sexto sentido”, protagonizada por Bruce Willis y Haley Joel Osment, “Olympic Glory”, la primera película oficial en formato largo de los Juegos Olímpicos, “Señales”, de M. Night Shyamalan, “Seabiscuit”, la dramática historia real basada en el best-seller de Laura Hillenbrand, dirigida por Gary Ross, y los tres éxitos de taquilla de la franquicia “Bourne” protagonizada por Matt Damon: “El caso Bourne”, dirigida por Doug Liman, “El mito de Bourne” y, el año pasado, “El ultimátum de Bourne”, dirigidas ambas por Paul Greengrass.
La Kennedy/Marshall Company produjo “Las crónicas de Spiderwick”, basada en la popular serie de libros infantiles sobre el mundo invisible de las hadas que viven a nuestro alrededor, “La escafandra y la mariposa”, la aclamada adaptación de las emotivas memorias de Jean-Dominique Bauby dirigida por el famoso artista y director Julian Schnabel y escrita por el oscarizado Ronald Harwood por la que Schnabel recibió el premio al mejor director en el Festival de Cine de Cannes y que fue nominada a un Oscar, la versión en inglés de la película animada francesa “Persépolis”, basada en la novela gráfica autobiográfica sobre una joven que crece durante la Revolución Iraní, que ganó el Premio del Jurado en Cannes y fue nominada a los Oscar en la categoría de Mejor Película Animada, y “Crossing Over” dirigida por Wayne Kramer.
Próximamente se estrenará la producción de Kennedy/Marshall “Roving Mars”, un documental IMAX sobre la exploración del planeta rojo que produjo junto con el director George Butler.
Natural de Los Ángeles e hijo del compositor Jack Marshall, Marshall corría campo a través y practicaba atletismo mientras estudiaba en UCLA y fue miembro del equipo de fútbol universitario durante tres años. Combinando su pasión por la música y el deporte, junto con el famoso deportista estadounidense Steve Scott, fundó la Rock ‘N’ Roll Marathon, que hizo su debut en 1998 en San Diego como la mayor maratón en su primera edición de la historia. Durante más de una década, Marshall fue miembro del Comité Olímpico de Estados Unidos y en 2005 recibió el prestigioso Olympic Shield. En la actualidad pertenece al Consejo de Administración de USA Gymnastics. El verano pasado, Marshall se incorporó al Salón de la Fama Olímpica de EE.UU. Actualmente, es miembro del consejo del Los Angeles Sports Council, Athletes for Hope y The Governor’s Council on Physical Fitness, así como Co-presidente de Mentor LA y miembro de la Junta de Gobierno de la UCLA Foundation. Ha recibido el codiciado American Academy of Achievement Award, el UCLA Alumni Professional Achievement Award y el California Mentor Initiative’s Leadership Award. Junto con Kennedy, en 2008 se les concedió el David O. Selznick Award del Sindicato de Productores de América por su carrera.
CEÁN CHAFFIN (Productor) había producido anteriormente cuatro películas de David Fincher desde que ambos se asociaron tras colaborar en un anuncio japonés de Coca-Cola en 1992, que ella produjo y dirigió: “The Game”, el drama de aventuras de 1997 protagonizado por Michael Douglas y Sean Penn sobre un financiero que recibe un perturbador regalo de cumpleaños de su hermano que pone en juego su vida, el clásico de culto “El club de la lucha”, protagonizada por Brad Pitt, Edward Norton y Helena Bonham Carter, basada en la novela de Chuck Palahniuk, “La habitación del pánico”, un thriller co-protagonizado por Jodie Foster, Forest Whitaker, Jared Leto y Dwight Yoakum sobre tres hombres que irrumpen en una mansión en busca de una fortuna perdida mientras una madre y su hija se esconden en una habitación segura, y “Zodiac”, la historia del escurridizo asesino en serie de San Francisco protagonizada por Robert Downey Jr. y Jake Gyllenhaal.
Chaffin también ha producido dos vídeos distinguidos con un premio Grammy: “Scream”, de Mark Romanek, para Michael y Janet Jackson, y “Love Is Strong”, de David Fincher, para los Rolling Stones.
Director de fotografía e inventivo gurú de la iluminación CLAUDIO MIRANDA (Director de Fotografía) conoce a David Fincher desde 1985. Desde sus primeros trabajos como director de escena, electricista y ayudante de electricista, prosperó con “The Game”, de Fincher, a lo que siguió el decisivo “El club de la lucha” en 1999. En la fiesta de presentación de la producción de “El Curioso Caso de Benjamin Button”, Miranda recibió el (humorístico) “Premio a la fidelidad” por su duradera relación con el director. También participó en “Marea roja”, de Tony Scott, “Fanático” y “Enemy of the State”.
Un carácter práctico y unos conocimientos técnicos innegables han catapultado a Miranda hasta su estatus actual de director de fotografía de elección. El éxito del Festival de Sundance de 2005 “Mil caminos”, dirigida por Chris Eyre, fue su primer trabajo como director de fotografía y comenzó a cimentar su fama como valor al alza.
Tras mejorar su técnica de iluminación para las películas de acción, Miranda empezó a recibir premios a la Mejor Fotografía por sus trabajos en publicidad y vídeos musicales. Las imágenes de sus anuncios son difíciles de olvidar; ganó los premios AICP y Clio por el spot “Tennis”, de Pocari en 2002, un Clio por Xelebri en 2004, un AICP por Heinekin en 2005, así como un MVPA por un videoclip de Beyoncé (protagonizado por Sean Paul) en 2004.
Hijo de un arquitecto y diseñador de interiores chileno, Miranda empezó a estudiar en el Los Angeles Community College, pero pronto se dio cuenta de que este tipo de educación no iba con él. No quería terminar trabajando en un despacho, la labor de director de escena le resultaba mucho más interesante. Su gran éxito le llegó en 1994, cuando Dariusz Wolski contó con él para ser técnico de iluminación jefe en “El cuervo”, de Alex Proyas.
Disfrutando del apoyo constante de sus colegas, Miranda comenta que se le ha recibido muchas ayudas útiles durante su meteórica carrera. No jugaba con una cámara cuando era adolescente ni soñaba con ser Steven Spielberg. Explica que le sorprende lo rápido que avanza su carrera dado el gran número de directores de fotografía de talento que hay por ahí.
Miranda ha desarrollando un look influido más por el mundo natural que por las estilizaciones cinematográficas convencionales. Está influido por las imperfecciones que aparecen dentro de las composiciones, y con frecuencia opta por iluminar los puntos focales menos evidentes dentro del fotograma.
Miranda vive en Los Ángeles con su novia Kelli y su mejor trabajo, su hija Sofia. Lo representa Dattner Dispoto and Associates.
DONALD GRAHAM BURT (Diseñador de Producción) ha diseñado el look de 11 películas, entre las que se incluye su primera colaboración con el director David Fincher en “Zodiac”.
Ha colaborado con Wayne Wang en varios films, desde “El club de la buena estrella”, el aclamado drama basado en el best-seller de Amy Tan y la primera película de Burt como diseñador de producción. También trabajó en “Mi mejor amigo”, de Wang en 2005, protagonizada por Jeff Daniels, Cicely Tyson y Eva Marie Saint, sobre una niña abandonada por su madre que se va a vivir con su padre a Florida, el apasionado drama de Wang de 2001 “El centro del mundo” protagonizada por Peter Sarsgaard, y el drama cómico entre una madre y una hija de 1999 “A cualquier otro lugar”, protagonizado por Susan Sarandon y Natalie Portman. Fue diseñador de producción del documental de Davis Guggenheim “It Might Get Loud”, una revisión de la guitarra eléctrica desde la perspectiva de los músicos de rock The Edge, Jimmy Page y Jack White.
Burt diseñó los decorados de dos películas de John Smith: el drama de 1998 “Padre e hijo”, con Vince Vaughn y Joey Lauren Adams, y la biografía de 1995 “Mentes peligrosas”, protagonizada por Michelle Pfeiffer, sobre una profesora ex marine que reforma a los chicos malos de un instituto de una zona desfavorecida de la ciudad. Fue su segunda colaboración con Pfeiffer, quien también protagonizó el drama de Peter Kominsky de 2002 “La flor del mal”, con Robin Wright Penn, Renee Zellweger y Alison Lohman.
Entre sus demás trabajos destacan el thriller aclamado por la crítica de Mike Newell “Donnie Brasco”, protagonizado por Al Pacino y Johnny Depp.
KIRK BAXTER (Editor) nació y se crió en Sydney, Australia. A los 17 años de edad, comenzó su carrera en la industria del cine como mensajero de una productora publicitaria que integraba a varios directores, un gran departamento de cámaras, grúas, electricistas y un completo departamento editorial. Trabajando para todos esos departamentos, como el propio Baxter confiesa: “me enamoré de la edición y no volví a fijarme en ninguna otra cosa desde entonces”.
A los 18, era editor asistente a jornada completa familiarizado con el cine. Dos años después, empezó a editar anuncios, lo que coincidió con el nacimiento del AVID y la edición no lineal. Dada la escasez de proyectos interesantes en el sector cinematográfico australiano, Baxter concentró su carrera en la publicidad. Gracias al origen escocés de su padre, su pasaporte británico le permitió trasladarse a Londres a los 23 para buscar – y encontrar – mejores oportunidades y más grandes. Tras cinco años de trabajo editando algunos de los principales anuncios del país de la época, Baxter se volvió a mudar a Nueva York y creó junto con un socio una empresa dedicada a la edición de publicidad llamada Final Cut. Pronto viajó también a Los Ángeles durante meses para editar anuncios. Para encargarse de sus encargos en Los Ángeles, Baxter trabajó con la editorial Rock Paper Scissors (RPS), fundada por Angus Wall. La combinación de experiencias positivas de gran afinidad con Wall – y la viabilidad sin igual del sector cinematográfico de Los Ángeles – llevaron a Baxter a mudarse a la ciudad y unirse a RPS. Durante la edición de “Zodiac”, Wall le presentó al director David Fincher, y éste le invitó a montar algunas escenas. “Hace más de dos años de ello y apenas he salido de la sala de montaje de Fincher desde entonces. Angus y yo pasamos a co-editar ‘Benjamin Button”. Creo que soy el editor más afortunado del mundo. Es una obra de arte. Es una experiencia que recordaré durante toda la vida”.
ANGUS WALL (Editor) es editor cinematográfico y fundador de Rock Paper Scissors, proveedor de servicios editoriales para directores y agencias publicitarias, y de A52, empresa de efectos especiales.
Wall creó ambas empresas de servicios en Los Ángeles para la televisión y el cine, Rock Paper Scissors en 1992, y A52 en 1997, tras salir de Propaganda Films en 1992, donde trabajó durante cinco años. Propaganda fue co-fundada por el director de “El Curioso Caso de Benjamin Button”, David Fincher.
Wall siguió trabajando con Fincher tras su paso por Propaganda en las películas del director. Editó el drama criminal sobre el famoso asesino en serie de “Zodiac” y el thriller “La habitación del pánico”. Fue asesor editorial de su película “El club de la lucha” y editor de títulos principal en el thriller de Fincher “Se7en”. También ha editado “Hostage”, de John Woo, y realizó el trailer y los anuncios de “La guerra de las galaxias: Episodio I – La amenaza fantasma” para George Lucas en 1999.
Además, ha editado cientos de anuncios para empresas internacionales como el anuncio de Heineken con Brad Pitt y el anuncio “Speedchain” de Nike, dirigidos ambos por Fincher. Recibió un Emmy por la secuencia de títulos de “Carnivale”, que diseñó y dirigió. Entre sus otros trabajos publicitarios destacan: el anuncio “Combustibles alternativos”, de Miller, dirigido por Errol Morris; “Y2K” para Nike, dirigido por Spike Jonze, “Kung Fu”, de Times, del director Tim Burton, y “Día dos” para Levis, dirigido por Gus Van Sant.
JACQUELINE WEST (Diseñadora de vestuario) ha colaborado recientemente con el director Terrence Malick en la próxima “Tree of Life” protagonizada por Brad Pitt y Sean Penn. West había trabajado anteriormente con Malick y el diseñador de producción Jack Fisk en “El nuevo mundo”.
En fecha más cercana, West diseñó el vestuario del drama criminal de Kevin MacDonald “State of Play” protagonizada por Rachel McAdams, Russell Crowe, Ben Affleck y Helen Mirren. También ha diseñado el vestuario de “invasión”, de Oliver Hirschbeigel, y de “Corazones solitarios”, de Todd Robinson, protagonizada por John Travolta, James Gandolfini, Jared Leto, Scott Caan y Laura Dern.
West iba para médico en un primer momento, pero después de licenciarse por la Universidad de California en Berkeley, decidió seguir los pasos de su madre y convertirse en diseñadora de vestuario. De 1988 a 1997, West dirigió su propia empresa y diseñó una línea de prêt-à-porter exitosa a escala nacional. También ha sido propietaria de establecimientos minoristas y un departamento contemporáneo para Barney’s en Nueva York y Japón.
West fue nominada a los Oscar y los BAFTA por sus diseños de época para la biografía del marqués de Sade de Philip Kaufman, “Quills”, protagonizada por Geoffrey Rush, Kate Winslet y Joaquin Phoenix. West hizo su incursión en películas como asesora creativa en “Henry y June”, de Kaufman, y debutó como diseñadora de vestuario en “Sol naciente”, de Kaufman, con Sean Connery y Wesley Snipes. Desde entonces ha diseñado el vestuario de películas como “Locas de atar”, protagonizada por Susan Sarandon y Goldie Hawn, “Leo” con Joseph Fiennes y Elisabeth Shue, y “La liga de los hombres extraordinarios”, protagonizada por Sean Connery.
ALEXANDRE DESPLAT (Música) ha compuesto la música de más de 50 películas europeas y ha sido nominado a dos Cesar. Desembarcó en Hollywood en 2003 con “La chica de la perla”, protagonizada por Scarlett Johansson y Colin Firth, que le valío su nominación a los Globos de Oro, los BAFTA y los European Film Awards. Su reputación se asentó con la aclamada película de Jonathan Glazier “Reencarnación”, protagonizada por Nicole Kidman, a la que siguieron en muy poco tiempo la música de “Más allá del odio” con Joan Allen y Kevin Costner, “Hostage” protagonizada por Bruce Willis y la película de Stephen Gaghan “Syriana”, producida por Steven Soderbergh y protagonizada por George Clooney y Matt Damon, que le supuso otra nominación para los Globos de Oro. “La reina”, dirigida por Stephen Frears y protagonizada por Helen Mirren, fue el pasaporte a su primera nominación a los Oscar y su tercera candidatura a los Globos de Oro. Ese mismo año, fue nominado también (y ganó) un Globo de Oro por la música de “El velo pintado” protagonizada por Edward Norton y Naomi Watts.
En 2007, Desplat escribió la música para “Mr. Magorium y su tienda mágica”, protagonizada por Dustin Hoffman y Natalie Portman, “La brújula dorada”, con Nicole Kidman y Daniel Craig, que es la primera película basada en la famosa trilogía La materia oscura de Philip Pullman, y “Deseo, peligro” para el oscarizado director Ang Lee.
Recientemente ha completado la música de “The Tree of Life”, de Terrence Malick, con Brad Pitt y Sean Penn.
A pesar de su ajetreada agenda en Hollywood, Desplat todavía saca tiempo para poner su talento a disposición de un número selecto de películas europeas. Uno de sus recientes trabajos, “De latir mi corazón se ha parado”, le valió un Oso de Oro en el Festival de Cine de Berlín y un premio Cesar.
La madre griega de Desplat y su padre francés se conocieron mientras asistían ala Universidad de Berkeley, en Estados Unidos. El plurilingüe Desplat recibió una educación clásica, pero también se alimentó constantemente del jazz y la música de las películas estadounidenses. Estas influencias han impregnado su música para crear una nueva voz única en la música del cine.
Al igual que David Fincher, Joseph Kosinski y muchos de los demás grandes directores con los que colabora, ERIC BARBA (Supervisor de efectos visuales), de Digital Domain, se siente igual de cómodo trabajando en el mundo del cine como en el de la publicidad. Sus trabajos de efectos visuales incluyen títulos como “El quinto elemento”, “Supernova” y “Zodiac”, y numerosos spots de gama alta para marcas líder como Heineken, Jaguar y Lexus, entre otras.
En 2003, Barba supervisó los efectos del anuncio dirigido por Fincher para Adidas que le valió numerosos premios de alto nivel. Desde entonces, ha trabajando en todos los proyectos de cine y publicidad de Fincher, incluido un vídeo musical para Nine Inch Nails, spots para Nike, Motorola, HP y otras marcas, “Zodiac” y “El Curioso Caso de Benjamin Button”. Barba participó en el proyecto de “Benjamin Button” desde el principio, desarrollando el enfoque para crear un ser humano digital utilizado en la prueba de 2004 que ayudó a vender el proyecto al estudio. Barba también dirige anuncios en solitario, incluidas las campañas y spots de American Express, Nike y Honda. Antes de unirse a Digital Domain en 1996, Barba trabajó en Amblin Imaging, de Steven Spielberg, en proyectos como “SeaQuest DSV”, “Star Trek: La siguiente generación”, el piloto galardonado con un premio Emmy de “Star Trek Voyager”, y otros. Es graduado por el Art Center College of Design.
GREG CANNOM (Efectos especiales de maquillaje) cuenta con más de 100 trabajos para el cine y la televisión a sus espaldas. Algunas de sus películas más destacadas incluyen “Aullidos”, “Cocoon”, “Jóvenes ocultos”, “Star Trek VI”, “Aquel país desconocido”, “Alien³”, “La sombra”, “La máscara”, “El dilema”, “Hannibal”, “Roommates”, “La pareja del año”, “Ali”, “The Singing Detective”, “Piratas del Caribe: La maldición de la perla negra”, “Master and Commander: Al otro lado del mundo”, “La Pasión de Cristo”, “Van Helsing”, “Dos rubias de pelo en pecho”, “Llámame Peter”, “Eternamente joven”, “Esta abuela es un peligro”, “Babel” y “Teoría del caos”. Ha sido nominado a los Oscar por su trabajo en “Hook”, “Hoffa”, “Roommates”, “Titanic”, “El hombre bicentenario” y “Una mente maravillosa”. Recibió un Oscar al Mejor Maquillaje por su trabajo en “Drácula de Bram Stoker”, junto con Michele Burke y Matthew W. Mungle, y por “Señora Doubtfire”, junto con Ve Neil y Yolanda Toussieng. Ha recibido el Technical Achievement Award de la Academia con Wesley Wofford por el desarrollo de su material de silicona modificada especial para aplicaciones de maquillaje en el cine.
DAVID FINCHER (Director) hizo su debut como director en 1992 con “Alien³”. En 1995, dirigió “Se7en”, el aclamado drama en el que dos detectives (interpretados por Brad Pitt y Morgan Freeman) seguían la pista de un asesino en serie que cometía sus crímenes basándose en los siete pecados capitales. El film recaudó más de $325 millones en todo el mundo y sus innovadores enfoque, título y secuencias de créditos influyeron en otras películas del género que siguieron.
En 1997, Fincher dirigió “The Game”, con Michael Douglas y Sean Penn, una oscura historia de aventuras que se concentra en un hombre de negocios de San Francisco que recibe un regalo inusual de su hermano pequeño: un regalo que le convierte en el protagonista involuntario de un juego en el que se juega la vida. En 1999, volvió a trabajar con Brad Pitt en “El club de la lucha”, basada en una adaptación a la pantalla de la novela de Chuck Palahniuk. La película, co-protagonizada por Edward Norton y Helena Bonham Carter, fue muy bien recibida por la crítica y dio paso a un movimiento underground que la convirtió en uno de los films más influyentes de su tiempo.
En 2002, dirigió “La habitación de pánico”, protagonizada por Jodie Foster, Forest Whitaker, Dwight Yoakum y Jared Leto. Este éxito de taquilla, que presentó algunos usos innovadores de los gráficos generados por ordenador, narraba la angustia de una madre soltera y su hija ocultas en una habitación segura dentro de su propia casa cuando unos delincuentes la asaltan en busca de una fortuna perdida.
Antes de “El Curioso Caso de Benjamin Button”, Fincher había dirigido la aclamada “Zodiac”. Estrenada en 2007, la película cosechó críticas de prestigio y ha sido elegida para integrar en más de 150 de las listas de las “diez mejores”, incluidas las de Entertainment Weekly, USA Today y The Washington Post.
El oscarizado ERIC ROTH (guión, argumento) asistió a la Universidad de California en Santa Bárbara, la Universidad de Columbia y UCLA. Ganó el Samuel Goldwyn Writing Award mientras estaba en UCLA. Su primer guión producido fue “El hombre clave”, de Robert Mulligan, que se presentó en el Festival de Cine de Cannes de 1975. Algunas de las películas escritas por Roth o en las que ha colaborado incluyen “Sospechoso” con Cher y Dennis Quaid, ”Mr. Jones” con Richard Gere y dirigida por Mike Figgis; “Rapsodia en agosto” dirigida por Akira Kurosawa; “Forrest Gump”, por la que ganó un Oscar y el Premio del Sindicato de Guionistas al Mejor Guión Adaptado, “El hombre que susurraba a los caballos” dirigida por Robert Redford, “El dilema” dirigida por Michael Mann y protagonizada por Al Pacino y Russell Crowe, por la que fue nominado a un Oscar y un Premio del Sindicato de Guionistas y se hizo con el Humanitas Award. También escribió “Ali” dirigida por Michael Mann y protagonizada por Will Smith. Co-escribió el guión nominado a un Oscar en para “Munich”, dirigida por Steven Spielberg, y el guión de “El buen pastor”, con Matt Damon, Angelina Jolie y Robert De Niro, dirigida por De Niro.
Roth está trabajando actualmente en “Hatfields and McCoys” para Warner Bros., “Extremely Loud and Incredibly Close” para Warner Bros. y Paramount, y en breve escribirá “The Devil in the White City” para Paramount. Su hija, Vanessa Roth, se hizo con un Oscar en 2007 al Mejor Documental Breve por “Freeheld”.
Roth vive en Los Ángeles con su esposa, Debra Greenfield, abogada y profesora de genética y derecho en UCLA. Tiene cinco hijos y cinco nietos.
ROBIN SWICORD (Argumento) es famoso sobre todo por su trabajo en bocetos (“Memorias de una geisha”, “Mujercitas”, “Matilda”, “Shag”, “Cuando salí de Cuba”, “Practical Magic”) y como dramaturgo (“Last Days at the Dixie Girl Café”, “Mentes criminales”). Swicord hizo crecientemente su debut en la dirección con “Conociendo a Jane Austen”, de Sony Pictures Classics, para la que escribió un guión adaptado. Actualmente está trabajando con el productor Wendy Finerman (“Forrest Gump”, “El diablo viste de Prada”) en una comedia romántica para la nueva CBS Films, “Didn’t Like Him Anyway”, sobre un médium de mal carácter. En los próximos meses, Swicord va a escribir y dirigir un thriller para Universal llamado “The Alibi Club”.
Robin Swicord escribió su primer borrador de “El Curioso Caso de Benjamin Button” en enero de 1990. La revista Premiere la incluyó en su lista de los “Diez mejores guiones no producidos”. En la década siguiente, Swicord escribió más de una docena de borradores sucesivos a medida que el guión se iba desarrollando en dos estudios diferentes con una selección siempre cambiante de directores y ejecutivos de producción de mejor nivel antes de que el proyecto se produjera por fin.
Nacida en Carolina del Sur, Swicord se crió en el rural norte de Florida y el sur de Georgia. Sus obras, así como su guión “Shag” (que recibe su nombre de un concurso de baile de la costa Sur), giran en torno a esta parte del mundo. Empezó a escribir y hacer cortometrajes mientras estudiaba literatura inglesa y teatro en la Florida State University.
Swicord está casada con el guionista y dramaturgo Nicholas Kazan. Tienen dos hijas y viven en Santa Mónica, California y Vashon Island, Washington en Puget Sound.
Swicord participa activamente en el Sindicato de Guionistas de América (WGA), el consejo de la West Foundation, donde ayudó a poner en marcha el programa de integración educativa del WGA y a principios de este año creó el Industry Support Fund, que entregó casi un millón de dólares en ayudas económicas entre los profesionales del sector que no fueran guionistas y que se hubieran visto afectados por reciente huelga de éstos. Es fideicomisaria del Writers Guild Pension and Health Fund, y recientemente se ha unido al consejo inicial del Center for the Study of Women in Television and Film de la San Diego State University, dirigido por la Dr. Martha Lauzen.
KATHLEEN KENNEDY (Productora). Sus numerosos éxitos la han convertido en una de los ejecutivos de más éxito de la industria del cine actual. Entre éstos destacan tres de las películas de más recaudación de la historia del séptimo arte: “E.T.: El extraterrestre”, “Parque jurásico” y “El sexto sentido”.
Kennedy dirige actualmente la Kennedy/Marshall Company, que fundó en 1992 junto con el director/productor Frank Marshall. Con este sello han producido películas como “El sexto sentido”, que fue nominada a seis Oscar, incluido el de Mejor Película, “Seabiscuit”, con siete nominaciones a los Oscar, incluido también el de Mejor Película, y el éxito de taquilla de la trilogía “Bourne”: “El caso Bourne”, “El mito de Bourne” y “El ultimátum de Bourne” que en su conjunto reinventaron los thriller de espías.
Kennedy ha producido recientemente los éxitos del cine independiente nominados a los Oscar “La escafandra y la mariposa”, una adaptación de las emotivas memorias de Jean-Dominique Bauby, dirigida por Julian Schnabel y con guión de Ronald Harwood, y “Persépolis”, basada en la novela gráfica autobiográfica de Marjane Satrapi sobre una joven que crece durante la Revolución Iraní. Además, la Kennedy/Marshall Company ha producido “Las crónicas de Spiderwick”, basada en la popular serie de libros infantiles.
Kennedy comenzó una exitosa asociación con Steven Spielberg cuando fue su asistente de producción en “1941”. Luego volvió a trabajar con él en “En busca del arca perdida”, fue su productora asociada en “Poltergeist” y productora de “E.T”. Mientras “E.T”. se convertía en un fenómeno internacional, Spielberg, Kennedy y Marshall ya estaban produciendo “Indiana Jones y el templo maldito”, que junto con Marshall produjo acompañando a George Lucas. Esta asociación también incluye “Indiana Jones y la última cruzada”, y la tan esperada cuarta entrega de la saga, “Indiana Jones y el reino de la carabela de cristal”, que se convirtió en un éxito de taquilla mundial en el verano de 2008. Actualmente está produciendo “Tintin”, una serie de películas dirigidas por Steven Spielberg y Peter Jackson basadas en el famoso personaje creado por Georges Remi (“Hergé”).
En 1982, Kennedy co-fundó Amblin Entertainment con Spielberg y Marshall, con la que fue productora o productora ejecutiva de numerosas películas como “Hook”, “Para siempre”, “Gremlins”, “El joven Sherlock Holmes”, “Los Goonies”, “El chip prodigioso”, “Nuestros maravillosos aliados”, “Joe contra el volcán”, “Fievel va al Oeste”, “El cabo del miedo” y “Arachnophobia”, Frank Marshall hizo su debut en la dirección en 1990.
Kennedy se asoció también con Spielberg, Marshall y Quincy Jones para producir “El color púrpura” que recibió once nominaciones a los Oscar en 1985, incluida la de Mejor Película, y con Spielberg y Marshall en la película de más recaudación de 1985, “Regreso al futuro”, así como sus dos exitosas secuelas: “Regreso al futuro II” y “Regreso al futuro III”.
En 1988, Kennedy volvió a producir la película de más recaudación del año con “¿Quién engañó a Roger Rabbit?” junto con Marshall y Robert Watts, y posteriormente produjo “El imperio del sol”, de Spielberg, con Spielberg y Marshall, que el National Board of Review eligió Mejor Película del Año.
Kennedy fue productora ejecutiva del aclamado drama sobre el holocausto de Spielberg “La lista de Schindler”, que recibió siete Óscar en 1993, incluido el de Mejor Director y Mejor Película. Ese mismo año también volvió a trabajar con Robert Watts en la producción de la segunda película de Marshall, “Vivos”.
En 1995, Kennedy produjo la producción de Amblin Entertainment/Malpaso “Los puentes de Madison”, dirigida por Clint Eastwood, y a la que siguieron el thriller de acción de Amblin Entertainment dirigido por Jan DeBont “Twister”, que Kennedy produjo con Ian Bryce. Kennedy también fue productora ejecutiva de la secuela de “Parque jurásico” dirigida por Spielberg, “El mundo perdido”.
En 1999 y 2000, se estrenaron tres películas producidas por la Kennedy/Marshall Company: “Mientras nieva sobre los cedros”, dirigida por Scott Hicks; “El sexto sentido”, protagonizada por Bruce Willis, y “El mapa de la vida”, protagonizada por Sigourney Weaver y Julianne Moore. La Kennedy/Marshall Company produjo también la película IMAX “Olympic Glory”, estrenada en mayo de 2000.
En 2001, Kennedy produjo “Inteligencia Artificial”, dirigida por Spielberg, con Bonnie Curtis y “Parque jurásico III”, con Spielberg y Gerald Molen; al año siguiente fue productora ejecutiva de “Señales”, de M. Night Shyamalan, protagonizada por Mel Gibson. En 2003 produjo (con Marshall, Gary Ross y Jane Sindell) el éxito de crítica y público “Seabiscuit”. En 2005, Kennedy y Colin Wilson produjeron “La guerra de los mundos”, dirigida por Steven Spielberg y protagonizada por Tom Cruise. Más adelante ese mismo año, Kennedy volvió a colaborar con Wilson, Barry Mendel y Spielberg en la producción de “Munich”, dirigida por Spielberg, que fue nominada a cinco Oscar, incluido el de Mejor Película.
Kennedy preside El Comité Ejecutivo de Productores de la Academia de Cinematografía y es miembro de la Junta de Gobierno de la Academia. Recientemente ha completado su mandato como Presidenta del Sindicato de Productores de América, que le concedió su máxima distinción, el Charles Fitzsimons Service Award, en 2006. En 2008, junto con Marshall, recibió el David O. Selznick Award del Sindicato de Productores de América por toda su carrera.
“En busca del arca perdida” marcó el comienzo de la remarcable colaboración entre FRANK MARSHALL (Productor) y Steven Spielberg, George Lucas y Kathleen Kennedy, una asociación que incluye “Indiana Jones y el templo maldito”, “Indiana Jones y la última cruzada” e “Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal”.
Con más de 50 películas como productor visionario que ha ayudado a dar forma al cine estadounidense, Marshall es también un aclamado director y participante activo en el servicio público y el deporte. Entre sus trabajos como productor destacan algunas de las películas de más éxito y más recordadas de todos los tiempos como “Poltergeist”, “Gremlins”, “Los Goonies”, “El color púrpura”, “Fievel y el nuevo mundo”, “El imperio del sol”, “¿Quién engañó a Roger Rabbit?”, “En busca del valle encantado”, la trilogía de “Regreso al futuro”, “El sexto sentido”, “Seabiscuit” y la trilogía “Bourne”.
Sus películas han sido nominadas para numerosos Oscar, incluidos el de Mejor Película por “En busca del arca perdida” en 1982 y “El color púrpura” en 1985, que produjo con Steven Spielberg, Quincy Jones y su esposa, Kathleen Kennedy. El éxito de taquilla de M. Night Shyamalan “El sexto sentido” fue nominado en 1999 a seis Oscar y la aclamada “Seabiscuit” recibió siete nominaciones, incluida la de Mejor Película.
Como director, Marshall estuvo al frente del aclamado éxito de taquilla “Bajo cero”, así como del thriller “Arachnophobia”, el conmovedor drama basado en hechos reales “Vivos”, el éxito de aventuras de 1995 “Congo” y un episodio de la miniserie de la HBO “De la tierra a la luna”, distinguida con un Emmy.
Marshall comenzó su carrera como asistente de Peter Bogdanovich en el clásico de culto del director “El héroe anda suelto”. Luego, Bogdanovich le pidió que fuera su director de localizaciones en “La última película” y “¿Qué me pasa, doctor?” antes de convertirse en productor asociado de los cinco siguientes trabajos del director, incluidos “Luna de papel” y “Así se formó Hollywood”.
Marshall fue director de producción de “El último vals”, de Martin Scorsese, el documental musical sobre el grupo The Band. Comenzó luego una asociación durante dos películas con el director Walter Hill, primero como productor asociado de “Driver”, y posteriormente como productor ejecutivo de “The Warriors”, que se convirtieron ambas en películas de culto entre los amantes del cine. Marshall fue también director de producción de la legendaria película no acabada de Orson Welles “The Other Side of the Wind”, a la que volvió de forma periódica de 1971 a 1976.
Su duradera y fructífera colaboración con Steven Spielberg y Kennedy comenzó en 1981 con “En busca del arca perdida”. Tras la producción de “E.T.: El extraterrestre” (de la que fue supervisor de producción) y “Poltergeist” (productor) en 1981, el trío fundó el buque insignia del sector Amblin Entertainment. Durante su paso por Amblin, Marshall produjo películas como “Fandango”, de Kevin Reynolds, “El joven Sherlock Holmes”, de Barry Levinson, “Gremlins”, de Joe Dante, la trilogía “Regreso al futuro” de y “¿Quién engañó a Roger Rabbit”, de Robert Zemeckis, y “Para siempre”, “Hook” y “El imperio del sol”, de Spielberg, y también hizo su debut como director, con “Arachnophobia”.
Marshall dejó Amblin en el otoño de 1991 para proseguir su carrera como director, y creó la Kennedy/Marshall Company con Kathleen Kennedy. Las producciones de la empresa incluyen películas tan variadas como “La llave mágica”, dirigida por Frank Oz, “Mientras nieva sobre los cedros”, dirigida por Scott Hicks, “El mapa de la vida”, protagonizada por Sigourney Weaver y Julianne Moore, “El sexto sentido”, protagonizada por Bruce Willis y Haley Joel Osment, “Olympic Glory”, la primera película oficial en formato largo de los Juegos Olímpicos, “Señales”, de M. Night Shyamalan, “Seabiscuit”, la dramática historia real basada en el best-seller de Laura Hillenbrand, dirigida por Gary Ross, y los tres éxitos de taquilla de la franquicia “Bourne” protagonizada por Matt Damon: “El caso Bourne”, dirigida por Doug Liman, “El mito de Bourne” y, el año pasado, “El ultimátum de Bourne”, dirigidas ambas por Paul Greengrass.
La Kennedy/Marshall Company produjo “Las crónicas de Spiderwick”, basada en la popular serie de libros infantiles sobre el mundo invisible de las hadas que viven a nuestro alrededor, “La escafandra y la mariposa”, la aclamada adaptación de las emotivas memorias de Jean-Dominique Bauby dirigida por el famoso artista y director Julian Schnabel y escrita por el oscarizado Ronald Harwood por la que Schnabel recibió el premio al mejor director en el Festival de Cine de Cannes y que fue nominada a un Oscar, la versión en inglés de la película animada francesa “Persépolis”, basada en la novela gráfica autobiográfica sobre una joven que crece durante la Revolución Iraní, que ganó el Premio del Jurado en Cannes y fue nominada a los Oscar en la categoría de Mejor Película Animada, y “Crossing Over” dirigida por Wayne Kramer.
Próximamente se estrenará la producción de Kennedy/Marshall “Roving Mars”, un documental IMAX sobre la exploración del planeta rojo que produjo junto con el director George Butler.
Natural de Los Ángeles e hijo del compositor Jack Marshall, Marshall corría campo a través y practicaba atletismo mientras estudiaba en UCLA y fue miembro del equipo de fútbol universitario durante tres años. Combinando su pasión por la música y el deporte, junto con el famoso deportista estadounidense Steve Scott, fundó la Rock ‘N’ Roll Marathon, que hizo su debut en 1998 en San Diego como la mayor maratón en su primera edición de la historia. Durante más de una década, Marshall fue miembro del Comité Olímpico de Estados Unidos y en 2005 recibió el prestigioso Olympic Shield. En la actualidad pertenece al Consejo de Administración de USA Gymnastics. El verano pasado, Marshall se incorporó al Salón de la Fama Olímpica de EE.UU. Actualmente, es miembro del consejo del Los Angeles Sports Council, Athletes for Hope y The Governor’s Council on Physical Fitness, así como Co-presidente de Mentor LA y miembro de la Junta de Gobierno de la UCLA Foundation. Ha recibido el codiciado American Academy of Achievement Award, el UCLA Alumni Professional Achievement Award y el California Mentor Initiative’s Leadership Award. Junto con Kennedy, en 2008 se les concedió el David O. Selznick Award del Sindicato de Productores de América por su carrera.
CEÁN CHAFFIN (Productor) había producido anteriormente cuatro películas de David Fincher desde que ambos se asociaron tras colaborar en un anuncio japonés de Coca-Cola en 1992, que ella produjo y dirigió: “The Game”, el drama de aventuras de 1997 protagonizado por Michael Douglas y Sean Penn sobre un financiero que recibe un perturbador regalo de cumpleaños de su hermano que pone en juego su vida, el clásico de culto “El club de la lucha”, protagonizada por Brad Pitt, Edward Norton y Helena Bonham Carter, basada en la novela de Chuck Palahniuk, “La habitación del pánico”, un thriller co-protagonizado por Jodie Foster, Forest Whitaker, Jared Leto y Dwight Yoakum sobre tres hombres que irrumpen en una mansión en busca de una fortuna perdida mientras una madre y su hija se esconden en una habitación segura, y “Zodiac”, la historia del escurridizo asesino en serie de San Francisco protagonizada por Robert Downey Jr. y Jake Gyllenhaal.
Chaffin también ha producido dos vídeos distinguidos con un premio Grammy: “Scream”, de Mark Romanek, para Michael y Janet Jackson, y “Love Is Strong”, de David Fincher, para los Rolling Stones.
Director de fotografía e inventivo gurú de la iluminación CLAUDIO MIRANDA (Director de Fotografía) conoce a David Fincher desde 1985. Desde sus primeros trabajos como director de escena, electricista y ayudante de electricista, prosperó con “The Game”, de Fincher, a lo que siguió el decisivo “El club de la lucha” en 1999. En la fiesta de presentación de la producción de “El Curioso Caso de Benjamin Button”, Miranda recibió el (humorístico) “Premio a la fidelidad” por su duradera relación con el director. También participó en “Marea roja”, de Tony Scott, “Fanático” y “Enemy of the State”.
Un carácter práctico y unos conocimientos técnicos innegables han catapultado a Miranda hasta su estatus actual de director de fotografía de elección. El éxito del Festival de Sundance de 2005 “Mil caminos”, dirigida por Chris Eyre, fue su primer trabajo como director de fotografía y comenzó a cimentar su fama como valor al alza.
Tras mejorar su técnica de iluminación para las películas de acción, Miranda empezó a recibir premios a la Mejor Fotografía por sus trabajos en publicidad y vídeos musicales. Las imágenes de sus anuncios son difíciles de olvidar; ganó los premios AICP y Clio por el spot “Tennis”, de Pocari en 2002, un Clio por Xelebri en 2004, un AICP por Heinekin en 2005, así como un MVPA por un videoclip de Beyoncé (protagonizado por Sean Paul) en 2004.
Hijo de un arquitecto y diseñador de interiores chileno, Miranda empezó a estudiar en el Los Angeles Community College, pero pronto se dio cuenta de que este tipo de educación no iba con él. No quería terminar trabajando en un despacho, la labor de director de escena le resultaba mucho más interesante. Su gran éxito le llegó en 1994, cuando Dariusz Wolski contó con él para ser técnico de iluminación jefe en “El cuervo”, de Alex Proyas.
Disfrutando del apoyo constante de sus colegas, Miranda comenta que se le ha recibido muchas ayudas útiles durante su meteórica carrera. No jugaba con una cámara cuando era adolescente ni soñaba con ser Steven Spielberg. Explica que le sorprende lo rápido que avanza su carrera dado el gran número de directores de fotografía de talento que hay por ahí.
Miranda ha desarrollando un look influido más por el mundo natural que por las estilizaciones cinematográficas convencionales. Está influido por las imperfecciones que aparecen dentro de las composiciones, y con frecuencia opta por iluminar los puntos focales menos evidentes dentro del fotograma.
Miranda vive en Los Ángeles con su novia Kelli y su mejor trabajo, su hija Sofia. Lo representa Dattner Dispoto and Associates.
DONALD GRAHAM BURT (Diseñador de Producción) ha diseñado el look de 11 películas, entre las que se incluye su primera colaboración con el director David Fincher en “Zodiac”.
Ha colaborado con Wayne Wang en varios films, desde “El club de la buena estrella”, el aclamado drama basado en el best-seller de Amy Tan y la primera película de Burt como diseñador de producción. También trabajó en “Mi mejor amigo”, de Wang en 2005, protagonizada por Jeff Daniels, Cicely Tyson y Eva Marie Saint, sobre una niña abandonada por su madre que se va a vivir con su padre a Florida, el apasionado drama de Wang de 2001 “El centro del mundo” protagonizada por Peter Sarsgaard, y el drama cómico entre una madre y una hija de 1999 “A cualquier otro lugar”, protagonizado por Susan Sarandon y Natalie Portman. Fue diseñador de producción del documental de Davis Guggenheim “It Might Get Loud”, una revisión de la guitarra eléctrica desde la perspectiva de los músicos de rock The Edge, Jimmy Page y Jack White.
Burt diseñó los decorados de dos películas de John Smith: el drama de 1998 “Padre e hijo”, con Vince Vaughn y Joey Lauren Adams, y la biografía de 1995 “Mentes peligrosas”, protagonizada por Michelle Pfeiffer, sobre una profesora ex marine que reforma a los chicos malos de un instituto de una zona desfavorecida de la ciudad. Fue su segunda colaboración con Pfeiffer, quien también protagonizó el drama de Peter Kominsky de 2002 “La flor del mal”, con Robin Wright Penn, Renee Zellweger y Alison Lohman.
Entre sus demás trabajos destacan el thriller aclamado por la crítica de Mike Newell “Donnie Brasco”, protagonizado por Al Pacino y Johnny Depp.
KIRK BAXTER (Editor) nació y se crió en Sydney, Australia. A los 17 años de edad, comenzó su carrera en la industria del cine como mensajero de una productora publicitaria que integraba a varios directores, un gran departamento de cámaras, grúas, electricistas y un completo departamento editorial. Trabajando para todos esos departamentos, como el propio Baxter confiesa: “me enamoré de la edición y no volví a fijarme en ninguna otra cosa desde entonces”.
A los 18, era editor asistente a jornada completa familiarizado con el cine. Dos años después, empezó a editar anuncios, lo que coincidió con el nacimiento del AVID y la edición no lineal. Dada la escasez de proyectos interesantes en el sector cinematográfico australiano, Baxter concentró su carrera en la publicidad. Gracias al origen escocés de su padre, su pasaporte británico le permitió trasladarse a Londres a los 23 para buscar – y encontrar – mejores oportunidades y más grandes. Tras cinco años de trabajo editando algunos de los principales anuncios del país de la época, Baxter se volvió a mudar a Nueva York y creó junto con un socio una empresa dedicada a la edición de publicidad llamada Final Cut. Pronto viajó también a Los Ángeles durante meses para editar anuncios. Para encargarse de sus encargos en Los Ángeles, Baxter trabajó con la editorial Rock Paper Scissors (RPS), fundada por Angus Wall. La combinación de experiencias positivas de gran afinidad con Wall – y la viabilidad sin igual del sector cinematográfico de Los Ángeles – llevaron a Baxter a mudarse a la ciudad y unirse a RPS. Durante la edición de “Zodiac”, Wall le presentó al director David Fincher, y éste le invitó a montar algunas escenas. “Hace más de dos años de ello y apenas he salido de la sala de montaje de Fincher desde entonces. Angus y yo pasamos a co-editar ‘Benjamin Button”. Creo que soy el editor más afortunado del mundo. Es una obra de arte. Es una experiencia que recordaré durante toda la vida”.
ANGUS WALL (Editor) es editor cinematográfico y fundador de Rock Paper Scissors, proveedor de servicios editoriales para directores y agencias publicitarias, y de A52, empresa de efectos especiales.
Wall creó ambas empresas de servicios en Los Ángeles para la televisión y el cine, Rock Paper Scissors en 1992, y A52 en 1997, tras salir de Propaganda Films en 1992, donde trabajó durante cinco años. Propaganda fue co-fundada por el director de “El Curioso Caso de Benjamin Button”, David Fincher.
Wall siguió trabajando con Fincher tras su paso por Propaganda en las películas del director. Editó el drama criminal sobre el famoso asesino en serie de “Zodiac” y el thriller “La habitación del pánico”. Fue asesor editorial de su película “El club de la lucha” y editor de títulos principal en el thriller de Fincher “Se7en”. También ha editado “Hostage”, de John Woo, y realizó el trailer y los anuncios de “La guerra de las galaxias: Episodio I – La amenaza fantasma” para George Lucas en 1999.
Además, ha editado cientos de anuncios para empresas internacionales como el anuncio de Heineken con Brad Pitt y el anuncio “Speedchain” de Nike, dirigidos ambos por Fincher. Recibió un Emmy por la secuencia de títulos de “Carnivale”, que diseñó y dirigió. Entre sus otros trabajos publicitarios destacan: el anuncio “Combustibles alternativos”, de Miller, dirigido por Errol Morris; “Y2K” para Nike, dirigido por Spike Jonze, “Kung Fu”, de Times, del director Tim Burton, y “Día dos” para Levis, dirigido por Gus Van Sant.
JACQUELINE WEST (Diseñadora de vestuario) ha colaborado recientemente con el director Terrence Malick en la próxima “Tree of Life” protagonizada por Brad Pitt y Sean Penn. West había trabajado anteriormente con Malick y el diseñador de producción Jack Fisk en “El nuevo mundo”.
En fecha más cercana, West diseñó el vestuario del drama criminal de Kevin MacDonald “State of Play” protagonizada por Rachel McAdams, Russell Crowe, Ben Affleck y Helen Mirren. También ha diseñado el vestuario de “invasión”, de Oliver Hirschbeigel, y de “Corazones solitarios”, de Todd Robinson, protagonizada por John Travolta, James Gandolfini, Jared Leto, Scott Caan y Laura Dern.
West iba para médico en un primer momento, pero después de licenciarse por la Universidad de California en Berkeley, decidió seguir los pasos de su madre y convertirse en diseñadora de vestuario. De 1988 a 1997, West dirigió su propia empresa y diseñó una línea de prêt-à-porter exitosa a escala nacional. También ha sido propietaria de establecimientos minoristas y un departamento contemporáneo para Barney’s en Nueva York y Japón.
West fue nominada a los Oscar y los BAFTA por sus diseños de época para la biografía del marqués de Sade de Philip Kaufman, “Quills”, protagonizada por Geoffrey Rush, Kate Winslet y Joaquin Phoenix. West hizo su incursión en películas como asesora creativa en “Henry y June”, de Kaufman, y debutó como diseñadora de vestuario en “Sol naciente”, de Kaufman, con Sean Connery y Wesley Snipes. Desde entonces ha diseñado el vestuario de películas como “Locas de atar”, protagonizada por Susan Sarandon y Goldie Hawn, “Leo” con Joseph Fiennes y Elisabeth Shue, y “La liga de los hombres extraordinarios”, protagonizada por Sean Connery.
ALEXANDRE DESPLAT (Música) ha compuesto la música de más de 50 películas europeas y ha sido nominado a dos Cesar. Desembarcó en Hollywood en 2003 con “La chica de la perla”, protagonizada por Scarlett Johansson y Colin Firth, que le valío su nominación a los Globos de Oro, los BAFTA y los European Film Awards. Su reputación se asentó con la aclamada película de Jonathan Glazier “Reencarnación”, protagonizada por Nicole Kidman, a la que siguieron en muy poco tiempo la música de “Más allá del odio” con Joan Allen y Kevin Costner, “Hostage” protagonizada por Bruce Willis y la película de Stephen Gaghan “Syriana”, producida por Steven Soderbergh y protagonizada por George Clooney y Matt Damon, que le supuso otra nominación para los Globos de Oro. “La reina”, dirigida por Stephen Frears y protagonizada por Helen Mirren, fue el pasaporte a su primera nominación a los Oscar y su tercera candidatura a los Globos de Oro. Ese mismo año, fue nominado también (y ganó) un Globo de Oro por la música de “El velo pintado” protagonizada por Edward Norton y Naomi Watts.
En 2007, Desplat escribió la música para “Mr. Magorium y su tienda mágica”, protagonizada por Dustin Hoffman y Natalie Portman, “La brújula dorada”, con Nicole Kidman y Daniel Craig, que es la primera película basada en la famosa trilogía La materia oscura de Philip Pullman, y “Deseo, peligro” para el oscarizado director Ang Lee.
Recientemente ha completado la música de “The Tree of Life”, de Terrence Malick, con Brad Pitt y Sean Penn.
A pesar de su ajetreada agenda en Hollywood, Desplat todavía saca tiempo para poner su talento a disposición de un número selecto de películas europeas. Uno de sus recientes trabajos, “De latir mi corazón se ha parado”, le valió un Oso de Oro en el Festival de Cine de Berlín y un premio Cesar.
La madre griega de Desplat y su padre francés se conocieron mientras asistían ala Universidad de Berkeley, en Estados Unidos. El plurilingüe Desplat recibió una educación clásica, pero también se alimentó constantemente del jazz y la música de las películas estadounidenses. Estas influencias han impregnado su música para crear una nueva voz única en la música del cine.
Al igual que David Fincher, Joseph Kosinski y muchos de los demás grandes directores con los que colabora, ERIC BARBA (Supervisor de efectos visuales), de Digital Domain, se siente igual de cómodo trabajando en el mundo del cine como en el de la publicidad. Sus trabajos de efectos visuales incluyen títulos como “El quinto elemento”, “Supernova” y “Zodiac”, y numerosos spots de gama alta para marcas líder como Heineken, Jaguar y Lexus, entre otras.
En 2003, Barba supervisó los efectos del anuncio dirigido por Fincher para Adidas que le valió numerosos premios de alto nivel. Desde entonces, ha trabajando en todos los proyectos de cine y publicidad de Fincher, incluido un vídeo musical para Nine Inch Nails, spots para Nike, Motorola, HP y otras marcas, “Zodiac” y “El Curioso Caso de Benjamin Button”. Barba participó en el proyecto de “Benjamin Button” desde el principio, desarrollando el enfoque para crear un ser humano digital utilizado en la prueba de 2004 que ayudó a vender el proyecto al estudio. Barba también dirige anuncios en solitario, incluidas las campañas y spots de American Express, Nike y Honda. Antes de unirse a Digital Domain en 1996, Barba trabajó en Amblin Imaging, de Steven Spielberg, en proyectos como “SeaQuest DSV”, “Star Trek: La siguiente generación”, el piloto galardonado con un premio Emmy de “Star Trek Voyager”, y otros. Es graduado por el Art Center College of Design.
GREG CANNOM (Efectos especiales de maquillaje) cuenta con más de 100 trabajos para el cine y la televisión a sus espaldas. Algunas de sus películas más destacadas incluyen “Aullidos”, “Cocoon”, “Jóvenes ocultos”, “Star Trek VI”, “Aquel país desconocido”, “Alien³”, “La sombra”, “La máscara”, “El dilema”, “Hannibal”, “Roommates”, “La pareja del año”, “Ali”, “The Singing Detective”, “Piratas del Caribe: La maldición de la perla negra”, “Master and Commander: Al otro lado del mundo”, “La Pasión de Cristo”, “Van Helsing”, “Dos rubias de pelo en pecho”, “Llámame Peter”, “Eternamente joven”, “Esta abuela es un peligro”, “Babel” y “Teoría del caos”. Ha sido nominado a los Oscar por su trabajo en “Hook”, “Hoffa”, “Roommates”, “Titanic”, “El hombre bicentenario” y “Una mente maravillosa”. Recibió un Oscar al Mejor Maquillaje por su trabajo en “Drácula de Bram Stoker”, junto con Michele Burke y Matthew W. Mungle, y por “Señora Doubtfire”, junto con Ve Neil y Yolanda Toussieng. Ha recibido el Technical Achievement Award de la Academia con Wesley Wofford por el desarrollo de su material de silicona modificada especial para aplicaciones de maquillaje en el cine.
ESTRENO EL 6 DE FEBRERO
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